Das Unsichtbare beleuchten: Lee Wagstaffs Muster für “What’s in a Lamp?”

Lee Wagstaffs künstlerische Reise, von der stillen Introspektion der Kindheitsskizzen und seiner frühen Faszination für wissenschaftliche Zeichnungen bis hin zu seiner formalen Ausbildung am St. Martins und am Royal College of Art in London, ist geprägt von einer lebendigen Erforschung geometrischer Muster. Sein unverwechselbarer Stil wurzelt im reichen Zusammenspiel von Formen und Motiven. Wagstaffs Kunst dreht sich um Beobachtung. Seine einzigartige Ästhetik, die an die Illusionen der Optical Art, die Traumlandschaften des Surrealismus und die Lebendigkeit der Pop Art erinnert, transzendiert die gewöhnliche Wahrnehmung und weckt ein Gefühl von Wunder und Neugier. Bei näherer Betrachtung enthüllen seine Kreationen verborgene Tiefen und filigrane Details. Tritt man zurück, kann man verborgene Gesichter, Figuren und Geschichten entdecken.

In seiner Serie für Foscarinis Projekt “What’s in a Lamp?” erschafft der britische Künstler eine parallele Realität, die von Magiern, Narren und Geistern bewohnt wird, deren rätselhafte Gesichter subtil inmitten geometrischer, farbenfroher Muster auftauchen. Innerhalb der Foscarini-Lampenkollektion, in der jedes Stück eine Geschichte zu erzählen hat, findet Wagstaff eine Fortsetzung des Geschichtenerzählens, getrieben von unaufhörlicher Innovation und Vorstellungskraft. Vom mystischen Geist von Plass bis zum lebendigen Narren Orbital, vom vieläugigen Monarchen in Caboche bis zu den Geisterschwestern in Spokes, Wagstaff verleiht den Lampen der Kollektion eine Seele.

Entdecken Sie Lee Wagstaffs vollständige Serie auf @foscarinilamps Instagram und lassen Sie sich von der Perspektive des Künstlers durch unser Interview inspirieren, das Einblicke in seine Vision und seinen künstlerischen Prozess bietet.

Erzählen Sie uns ein wenig über sich und Ihren Weg als Künstler. Wo hat alles angefangen? Gibt es eine Geschichte dahinter, wie Sie Künstler geworden sind?

Ich war ein sehr ruhiges, introvertiertes Kind, also habe ich viel gezeichnet, meist Natur. In der Schule mochte ich die Naturwissenschaften sehr, nicht wegen des Wissens, sondern weil ich es liebte, meine Hausaufgaben zu illustrieren. Die Kunst war etwas, in das ich hineingeraten bin, da ich einige künstlerische Freunde hatte, mit denen ich zu Abendkursen ging. Schließlich ging ich nach St. Martins und dann ans Royal College of Art in London. Für mich war Kunst keine Karriere; es war etwas, das ich tat, um die Welt intensiver zu beobachten.

Ihre künstlerische Ästhetik ist unglaublich einzigartig und zeichnet sich durch hypnotische Muster aus, die beim Betrachten aus der Ferne realistische Gesichter enthüllen. Wie würden Sie Ihren unverwechselbaren Stil persönlich beschreiben?

Die Leute fragen mich das oft. Ich mochte Muster und Geometrie, solange ich mich erinnern kann; das geht vielleicht auf meine Liebe zum Zeichnen wissenschaftlicher Bilder zurück. In der Biologie gibt es viele Muster. Als ich begann, Kunst zu studieren, wollte ich mehr harte, prägnante Muster erkunden. In meiner Arbeit gibt es Elemente der Optical Art, Pop Art, des Surrealismus und der Abstraktion. Ich würde sagen, dass ich gerne in einem traditionellen Rahmen arbeite, aber versuche, mich technisch und intellektuell zu übertreffen.

Wir sind neugierig zu erfahren, wie sich Ihr einzigartiger Ausdrucksstil entwickelt hat: Hat er sich im Laufe der Zeit natürlich entwickelt, oder war er das Ergebnis bewusster Forschung und Experimente?

Ich experimentiere viel, und es hat Jahre gedauert, bis ich zu dem Punkt gekommen bin, an dem ich jetzt Kunst mache. Ich hoffe, dass es sich weiterentwickeln wird. Glauben Sie es oder nicht, mein langfristiges Ziel ist es, die einfachste Kunst zu schaffen, die ich kann, aber ich denke, sie muss zuerst komplexer werden.

Warum sind Muster in Ihrer Kunst so prominent? Welche Bedeutung haben sie für Sie?

Muster sind Indikatoren, die helfen, Dinge vorherzusagen. Ich interessiere mich für alle Arten von Mustern, nicht nur dekorative Muster, sondern auch Verhaltensmuster oder das Finden von Mustern in der Geschichte. Ich versuche immer, Verbindungen zwischen scheinbar nicht zusammenhängenden Objekten, Ereignissen oder Menschen herzustellen.

Wie sieht Ihr kreativer Prozess aus, wenn Sie an Ihren Kunstwerken arbeiten? Befolgen Sie bestimmte Rituale oder Gewohnheiten, wenn Sie sich dem Zeichnen widmen?

Ja, ich bin sehr ritualistisch in Bezug auf die Tageszeiten, zu denen ich arbeite, wo ich arbeite, welche Materialien ich benutze usw. Ich arbeite normalerweise an mindestens sechs Gemälden gleichzeitig, möglicherweise mehr. Viele Bilder werden zerstört.

Können Sie Einblicke in Ihren kreativen Prozess und Ihr Geschichtenerzählen geben, insbesondere in dieser Serie?

Dies war ein interessantes Projekt, herausfordernder als ich erwartet hatte. Ich musste noch nie jemandes künstlerische Vision durch meine eigene stilistische Linse ausdrücken. Ich hoffe, dass ich respektvoll gegenüber den Designern war, aber auch meiner eigenen Vision treu geblieben bin. Dieses Projekt hat mich dazu gebracht, mit Farben experimenteller zu sein, aber auch wirklich zu glauben, dass diese hybriden Objekte/Charaktere wirklich existieren könnten. Normalerweise beginne ich damit, Muster und Formen genau zu beobachten, dann stelle ich mir Gesichter vor, und dann beginnen die Gesichter, einen Charakter anzunehmen. Der Fokus meiner Kunst liegt darin, ein gewisses Geheimnis oder Wesen darzustellen, aber ich möchte auch, dass der Betrachter zunächst seinen Sinnen misstraut und dann hoffentlich Freude an dem hat, was er zu sehen glaubt. Ich lasse den Betrachter die Figur in seinem Kopf erschaffen; vielleicht erinnert sie ihn an jemanden, den er kennt, oder an ein Gesicht, das er irgendwo gesehen hat.

Können Sie die Charaktere beschreiben, die Sie für die Serie “What’s in a Lamp?” envisioniert haben, und die Inspiration hinter jedem einzelnen erklären?

Sobald ich die Foscarini-Lampenkollektion sah, konnte ich erkennen, dass die Designer auch Muster und Form lieben. Ich begann sofort, Gesichter in oder um die Lampen herum zu sehen und Charaktere in Verbindung zu den brillanten Namen der Lampen zu entwickeln.
Plass ist ein magischer Geist, wie ein Dschinn, der ein Gefäß bewohnt und von unterhalb der kristallinen Oberfläche zusieht, darauf wartet, einen Wunsch zu erfüllen oder eine Prophezeiung zu machen. Orbital ist ein lebendiger Narr, immer da, um Freude mit Farbe und Form zu bringen, ein stetiger Begleiter für die guten und schlechten Tage. Gregg ist eine Göttin, die aus einem kosmischen Ei geboren wurde, die resoniert und leuchtet; ihre Schönheit ist ewig, ihr Glanz übernatürlich. Spokes sind drei schüchterne Geister, Schwestern, die nur denjenigen erscheinen, die die schärfste Fantasie haben und bereit sind, zu beobachten und zu warten. Wenn sich die Schatten bewegen, erscheinen die Schwestern. Caboche ist eine vieläugige Monarchin. Ihr Diadem bedeckt ihr Gesicht, jede Perle ist eine Linse. Sie ist allsehend, allwissend. Ein wenig ihrer Schönheit und Weisheit wird allen verliehen, die in ihrer Gegenwart erscheinen. Sun Light of Love ist ein wahrhaft himmlisches Wesen. Tagsüber eine stachelige, neugierige Silhouette, ein Planet mit verborgenen Tiefen; nachts ein brennender Stern, ein wahrer Leuchtturm der Liebe.

Haben Sie unter den Kunstwerken in Ihrer Serie “What’s in a Lamp?” einen persönlichen Favoriten? Wenn ja, was macht ihn für Sie besonders?

Das ist ziemlich schwer; ich fühle mich mit allen sechs Lampen, die ich dargestellt habe, sehr verbunden. Ich habe viel Zeit damit verbracht, sie zu betrachten und mir vorzustellen, was ich zu diesen Formen hinzufügen könnte. Wenn ich eine wählen müsste, wäre es Gregg, einfach weil es eine einzigartige geometrische Form an sich ist, die ein Baustein zur Schaffung jedes Musters ist. Es ist elegant in seiner Einfachheit und hat eine so charmante und beruhigende Präsenz. Wo immer es steht, hat es eine stille, sanfte Kraft, die seiner Umgebung hinzufügt, ob drinnen oder draußen, groß oder klein.

Haben Sie jemals in Betracht gezogen, KI in Ihren kreativen Prozess einzubeziehen? Wie könnte KI Ihrer Meinung nach dazu beitragen, die Grenzen der künstlerischen Innovation und des Ausdrucks zu erweitern?

Ich habe Generative Adversarial Networks (GAN) verwendet, um einzigartige symmetrische Gesichter für meine Gemälde zu erstellen. Mit dem von mir verwendeten GAN-System konnte man Gesichter hinzufügen und sie mit den Tausenden von Gesichtern „züchten“, auf denen das Netzwerk trainiert wurde. So konnte ich Elemente wie ein Familienmitglied oder das Gesicht der Mona Lisa einführen. Für mich ist es nur ein Werkzeug wie Photoshop oder ein Stift. KI-Programme sind im Moment unterhaltsam und können bei vielen Projekten helfen. Zunächst ist KI expansiv und ermöglicht viel mehr Menschen die Teilnahme an der Welt des Erstellens von Bildern und Ideen. Sie kann Inhalte erstellen, hat aber keine Vorstellungskraft, und das ist etwas, das derzeit nicht erlernt werden kann. Die Art und Weise, wie populäre KI-Plattformen funktionieren, ist eine Art vorausschauende Neuanordnung von Datenpunkten. Für mich ist es ziemlich erstaunlich, besonders die Geschwindigkeit, aber die Ergebnisse sind meistens enttäuschend, weil die meisten Ergebnisse sehr populistisch, sogar vorhersehbar sind.

Was bedeutet Kreativität für Sie?

Für mich bedeutet Kreativität, mit nichts oder sehr wenig vor sich anzufangen und dann eine Idee von einem Gedanken in die Welt zu bringen, die geteilt oder verwendet werden kann. Ich nehme an, es geht darum, ein Problem zu lösen, aber nicht immer auf die einfachste oder offensichtlichste Weise.