Wählen Sie das Land oder Gebiet, in dem Sie sich befinden, um lokale Inhalte zu sehen.

Deutsch

de

Kategorie: Kultur

Die neueste Serie von Giona Maiarelli für What’s in a Lamp? verbindet italienische und amerikanische Kulturen, indem sie Collagen verwendet, um die ikonischen Lampen von Foscarini neu zu interpretieren. Dabei kombiniert sie Bilder aus alten Magazinen, Büchern und Fotografien, neu bearbeitet durch den Filter der Erinnerung und der Vorstellungskraft.

Erfahren Sie mehr über What’s in a Lamp?

Künstler, Grafikdesigner und Kurator Giona Maiarelli, geboren in Italien und seit über zwanzig Jahren in den Vereinigten Staaten lebend, steht als Brücke zwischen zwei Kulturen. Seine Arbeit konzentriert sich auf das Collage-Medium, das durch Zufall und Serendipität geprägt ist, Intuition und taktile Elemente miteinander kombiniert und eine ästhetische Sensibilität zeigt, die die Fähigkeit von Kunst würdigt, unerwartete und bedeutungsvolle Verbindungen herzustellen.

„Für What’s in a Lamp? hat Maiarelli eine Serie von Collagen zusammengestellt, die italienische Kultur mit einer tiefen Auseinandersetzung mit der amerikanischen kollektiven Vorstellungskraft verbinden. Die ikonischen Lampen von Foscarini, darunter Aplomb, Binic, Caboche, Chouchin, Nuée und Spokes, sind das Herzstück dieser Werke, kombiniert mit Bildern aus alten Magazinen, Büchern und Fotografien, und schaffen einzigartige visuelle Kompositionen, die die ästhetischen Besonderheiten jeder Lampe hervorheben und sie im Kontext des amerikanischen Mythos verorten, manchmal ironisch, manchmal romantisch.

„Mein Ziel war es, die Spannung zwischen der raffinierten italienischen Ästhetik der Foscarini-Lampen und der pragmatischen Rauheit der amerikanischen Landschaft zu erkunden“, sagt Maiarelli. In seiner künstlerischen Interpretation wird Caboche zu einem kreisförmigen Schmuckstück, das mit amerikanischen Wassertürmen kombiniert wird, während Spokes, mit seinen Strahlen, das chaotische Geflecht von Stromleitungen darstellt, auf denen Vögel ruhen. Chouchin wird zu einem fliegenden Objekt, das auf die amerikanische Faszination für außerirdische Phänomene verweist. Jede Lampe wird so zum Protagonisten einer visuellen Erzählung, die Design mit Storytelling und Ästhetik mit Vorstellungskraft kombiniert.

Entdecken Sie mehr über diese Zusammenarbeit und die vollständige Serie von Giona Maiarelli auf dem Instagram-Kanal von Foscarini @foscarinilamps. Entdecken Sie alle Werke des Projekts What’s in a Lamp?, bei dem internationale Künstler Licht und Foscarini-Lampen auf einzigartige und inspirierende Weise neu interpretieren.

Hi Giona, kannst du uns etwas über deinen künstlerischen Weg erzählen? Wie bist du zur Kunst des Collagens gekommen, und was bedeutet diese Ausdrucksform für dich?

Zu Beginn meiner Karriere als Grafikdesigner liebte ich es, Papierabfälle und Pappen, die ich für Präsentationen verwendet hatte, zu Collagen zu verarbeiten. Ich sah in den Überresten meiner Arbeit expressive Möglichkeiten. Dann folgte eine lange Pause, die meiner Karriere gewidmet war, obwohl ich immer wieder vom Dadaismus und der Collage angezogen wurde, insbesondere von den Arbeiten des Künstlers und Dichters Jiří Kolář. Schließlich entschied ich mich 2016, meiner Leidenschaft zurückzukehren.
Das „Wiederentdecken“ der Collage Jahre später bedeutete das Wiederentdecken des Vergnügens, mit den eigenen Händen zu schaffen, die als Vermittler zwischen dem Geist und dem Papier zu aktiven Teilen im Schaffensprozess werden. Papierausschnitte bewegen sich auf dem Karton, Intuition wird zu Handlung, bis sich die Komposition enthüllt. Doch der Zyklus ist erst dann abgeschlossen, wenn die Collage von einem Publikum gesehen wird. Erst wenn ich die Collage durch die Augen eines anderen sehe, ist der Zyklus abgeschlossen.

 

Dein Ansatz zur Collage ist sofort erkennbar und einzigartig. Wie würdest du deinen Stil beschreiben? Was sind die prägnanten Elemente, die ihn definieren?

Serendipität spielt eine fundamentale Rolle in meinen Kompositionen: Selbst wenn ich beabsichtige, eine spezifische Idee zu kommunizieren, weigert sich die Collage, sich anzupassen und offenbart expressive und kompositorische Möglichkeiten, die ich vorher nicht in Betracht gezogen hatte.
Dann gibt es das Vergnügen der Überraschung: Das Finden eines Buches, aus dem man Bilder in einer Gebrauchtbuchhandlung ausschneiden kann, das Entdecken von Potentialen in zunächst verworfenen Bildern und schließlich die Überraschung einer Komposition, die zufällig auf der Seite entsteht. Jede Serie von Collagen beginnt mit einem Thema, aber Instinkt spielt eine wesentliche Rolle.

 

Woher kommt deine Inspiration?

Die Inspiration entsteht während der Arbeit. Wenn ich eine Collagen-Serie beginne, habe ich noch keine Idee im Kopf, nur das Material, mit dem ich arbeite, das ich nach einer Intuition auswähle. Nach ein paar Stunden, oder manchmal auch Tagen, entstehen Ideen von selbst durch die Arbeit selbst.

 

Was zieht dich am meisten an der Realität um dich herum an, und wie übersetzt du diese Eindrücke in deine Arbeiten?

Die meisten der Collagen-Serien, die ich produziert habe, sind Erkundungen meiner persönlichen amerikanischen Vorstellungskraft: die Landschaften des amerikanischen Westens, die modernistische Architektur von Nachkriegs-Hochhäusern in New York und die Case Study-Häuser von Kalifornien, das alte Hollywood, die Seiten der New York Times. Unbewusst verarbeite ich vielleicht meine Entscheidung, in die Vereinigten Staaten zu ziehen, und beschwöre Bilder, die bereits in meinem Unterbewusstsein vorhanden waren.

 

Für das Projekt „What’s in a Lamp?“ mit Foscarini hast du Kompositionen erstellt, die Lampen mit suggestiven Bildern assoziieren, manchmal ironisch, manchmal poetisch. Kannst du den Hintergrund und den kreativen Prozess dieses Werkes verraten?

Für What’s in a Lamp? wollte ich die Foscarini-Lampen in einen amerikanischen Kontext setzen. Das schien die naheliegendste Wahl zu sein, da ich in den Vereinigten Staaten lebe und das amerikanische visuelle Erbe ein Teil meines künstlerischen Vokabulars ist.

 

In dieser Serie ist der Dialog zwischen den beiden Kulturen, italienisch und amerikanisch, sehr klar. Wie treffen und vermischen sich diese beiden Realitäten in deinen Kompositionen?

Mein Ziel war es, die Spannung zwischen der raffinierten italienischen Ästhetik der Foscarini-Lampen und der pragmatischen Rauheit der amerikanischen Landschaft zu erkunden, wobei ich die Größe und den Kontrast zwischen den Farbabbildungen der Produkte und den Schwarz-Weiß-Bildern der Landschaften spielte. Am Ende verschmolzen diese beiden Welten, die scheinbar so weit voneinander entfernt waren, zu einer Umarmung, manchmal ironisch, manchmal poetisch.

Welche spezifischen Elemente der amerikanischen kollektiven Vorstellungskraft hast du in die Collagen gebracht, die du für „What’s in a Lamp?“ erstellt hast?

Die Form und das Material der Lampen schlugen bestimmte Wege vor. Caboche erschien als prächtiger runder Edelstein, der mit einem kargen Element der amerikanischen Landschaft, wie z.B. Wassertanks, kombiniert werden sollte. Aplomb passte ins Gesicht des „idealen“ amerikanischen Mannes, indem er die Porträts von fünf amerikanischen Präsidenten kombinierte, sein offenes, leuchtendes Licht durch ein telegenes Lächeln ersetzte. Spokes, mit seinen zarten Strahlen, verweist auf die chaotischen Stromleitungen, die in den amerikanischen Himmeln tangleln, von denen Vögel uns beobachten, und erinnert an seine Bestimmung als eleganter Vogelkäfig. Binic erinnerte mich an einen hellen Vollmond und führte mich zu Bildern, die mit der Erforschung Amerikas unseres Satelliten verbunden sind. Ich wusste von Anfang an, dass zumindest eine der Lampen ein fliegendes Objekt werden würde, ein typisches amerikanisches Phänomen und Quelle naiver Verschwörungstheorien. Diesem Schicksal erlag Chouchin, glänzend und technisch perfekt, wie ich mir ein fliegendes Objekt aus einer weiter entwickelten Zivilisation vorstellen könnte, das Passanten überraschen könnte. Nuée ist eine leichte, luftige Wolke, die unseren abenteuerlustigen Taucher abfängt und auf eine magische Reise mitnimmt.

 

Welche Künstler oder Einflüsse haben den größten Beitrag zur Bildung deiner künstlerischen Vision geleistet? Wen betrachtest du als deine Meister?

Der tschechische Künstler und Dichter Jiří Kolář, den ich bereits erwähnte, hat einen großen Einfluss auf meine Arbeit ausgeübt. Auch die unbeschwerte Haltung der Dada- und Futurismusbewegungen.

 

Hast du ein Ritual oder folgen Gewohnheiten, wenn du an deinen Collagen arbeitest?

Musik, immer.

 

Was bedeutet Kreativität für dich?

Mein Mentor, Milton Glaser, pflegte zu sagen, dass Kreativität nicht existiert; nur die Vorstellungskraft existiert. Kreativität ist nichts anderes als die Fähigkeit, Welten zu imaginieren und zu schaffen, die noch nicht existieren.

Erfahren Sie mehr über die Zusammenarbeit mit Giona Maiarelli und entdecken Sie die gesamte Serie auf dem Instagram-Kanal @foscarinilamps. Tauchen Sie ein in alle Werke aus dem „What’s in a Lamp?“-Projekt, in dem internationale Künstler Licht und Foscarini-Leuchten auf einzigartige und inspirierende Weise neu interpretieren.

Besuchen Sie @foscarinilamps auf Instagram

Bennet Pimpinella bringt seine filmische Kunst in das Projekt What’s in a Lamp? ein. Durch seine charakteristische Technik, direkt auf Film zu kratzen, verwandelt er die Foscarini-Lampen in Symbole für Emotionen und Erinnerungen und schafft intime Szenen, die mit einer surrealen, grungigen Atmosphäre durchzogen sind.

Entdecken Sie “What’s in a lamp?”

Erforschung und Experimentation prägen die künstlerische Reise von Bennet Pimpinella. Geboren 1977 und in Film an der Akademie von L’Aquila ausgebildet, hat Pimpinella seine Karriere damit verbracht, Analoges und Digitales zu vereinen und kontinuierlich das Verhältnis zwischen Licht und Bild neu zu definieren. Seine visuelle Sprache ist unverwechselbar: eine Mischung aus Experimentierfreude, Handwerkskunst und einer intimen Verbindung zu dem Medium Film selbst. Seine charakteristische Technik—das direkte Kratzen auf Film—fängt seinen kreativen Prozess ein und reflektiert dessen Intensität und die Emotionen, die er vermittelt. Dieser instinctive, unmittelbare, rohe Strich auf dem Celluloid steht als Zeugnis für die Intensität des Moments. Seine Werke besitzen eine grungige, rohe Ästhetik, die von Emotionen durchdrungen ist und den Betrachter in eine Welt hineinzieht, in der die persönlichen Gefühle des Künstlers spürbar sind.

In seinem Beitrag zur What’s in a Lamp?-Reihe von Foscarini verwandelt Pimpinella Licht in den Hauptprotagonisten seiner filmischen Erzählungen durch seine unverwechselbare Technik.

„Jeder der sechs Filme, die für Foscarini entstanden sind, ist einzigartig, aber sie teilen alle eine intime und emotionale Stimmung. Foscarini-Lampen werden zu Symbolen für Gefühle und Erinnerungen, Teil einer leisen, aber tiefen Geschichte. Ich wollte die Materialität des rauen, zerkratzten Films mit etwas Surrealem kombinieren und einen Dialog zwischen Licht und Schatten schaffen, der stille, kraftvolle Geschichten erzählt.“

Bennet Pimpinella
/ Künstler und Regisseur

Der Soundtrack—geschaffen von Komponist Carmine Calia—begleitet die Bilder nicht nur; er vertieft und verstärkt deren Bedeutung. Zusammen bieten das Zusammenspiel von Licht, Form und Musik in Pimpinellas Werk eine neue emotionale Dimension, die eine intensive Verbindung zum Publikum herstellt.

Erforschen Sie die gesamte Zusammenarbeit mit Bennet Pimpinella und entdecken Sie die komplette Reihe auf Instagram @foscarinilamps, wo internationale Künstler eingeladen sind, das Thema Licht durch die Lampen von Foscarini im Rahmen des Projekts What’s in a Lamp? zu interpretieren.

Erzähl uns ein wenig über dich: Wusstest du immer, dass du Künstler werden wolltest? Wie begann deine Reise in die Welt des Films und der künstlerischen Experimentation?

Ich hätte mir nie vorstellen können, als Künstler meinen Lebensunterhalt zu verdienen, obwohl ich in einer Umgebung aufgewachsen bin, die von Kunst geprägt war. Mein Vater war Maler und Bildhauer, und meine Mutter war Porträtkünstlerin. Sie haben immer meine Liebe zum Zeichnen und Malen gefördert, aber für mich war es etwas Persönliches, ein Teil des täglichen Lebens, ohne jemals daran zu denken, dass es zu meiner Karriere werden könnte.
Nachdem ich als Vermesser studiert hatte, was sich für meine Interessen einschränkend anfühlte, beschloss ich, mich an der Internationalen Akademie für Bildkunst und Wissenschaften einzuschreiben. Es war ein radikaler Wechsel—plötzlich war ich in der Welt des Films eingetaucht und entdeckte eine neue Ausdrucksform, die meine Sicht auf Kunst völlig veränderte. Es war nicht mehr statisch, sondern lebendig und beweglich.
Ich hatte das Glück, großartige Mentoren wie Vittorio Storaro zu treffen, die eine Schlüsselrolle in meiner Entwicklung spielten. Nach meinem Abschluss hatte ich die Ehre, zehn Jahre lang in seinem Team zu arbeiten, eine zutiefst prägende Erfahrung. Meine Rolle war die eines Kamerassistenten, verantwortlich für das Laden und Entladen von 35-mm-Film in die Kameras. Dort lernte ich, mit dem Film umzugehen und ihn zu pflegen. Während dieser Zeit legte ich die Grundlagen für mein Verständnis sowohl der technischen als auch der ästhetischen Aspekte des Filmemachens. Diese Jahre lehrten mich Disziplin, Technik und vor allem eine tiefe Wertschätzung für die Suche nach Schönheit in Bildern. Diese Lektionen trage ich bis heute mit mir und bin Maestro Storaro und dem gesamten Team dankbar, dass sie eine Leidenschaft geweckt haben, die mich jeden Tag weiterhin leitet.

 

Was motiviert dich zur Kreativität, und woher kommt deine Inspiration? Ist sie von Neugier, einer Sinnsuche oder reiner visueller Ausdruckskraft geprägt?

Kreativität ist meine Art, mich auszudrücken, so wie andere vielleicht schreiben, Musik machen oder singen. Für mich ist es etwas Natürliches, fast Instinktives—es ist etwas, das ich tun muss, eine Art, mit meinen Gefühlen umzugehen. Meine Technik und meine Arbeit helfen mir zu verstehen und auszudrücken, was ich durchlebe.
Mein Ansatz ist grundsätzlich experimentell: Ich beginne mit einer Geste, mit einem Strich, immer auf der Suche nach etwas Neuem, gleichzeitig jedoch nach etwas Erkennbarem. Meine Inspiration kommt nicht aus einer einzigen Quelle; ich schöpfe aus allem um mich herum, aus allem, was meine Sinne berührt. Es könnte das Blau des Meeres, ein grauer Tag, eine Nachricht, der Verlust eines geliebten Menschen oder eine Melodie sein, die mich fesselt. Jede Erfahrung, jede Emotion verwandelt sich in einen Strich, eine Form. Ich könnte endlos weitermachen, denn alles, was mich bewegt, hat das Potenzial, Teil meines kreativen Prozesses zu werden.

 

Dein Kino ist überraschend und einzigartig. Wie würdest du deinen Stil beschreiben, und wie hast du diese unverwechselbare Ästhetik entwickelt?

Während ich an der Akademie war, erkundete ich verschiedene Formen des filmischen Erzählens, bis ich meine erste Stop-Motion-Animation schuf. Dieses Projekt weckte etwas in mir und führte mich dazu, tief in die Welt der Animation einzutauchen. Ich kaufte Bücher, studierte Techniken und experimentierte mit innovativen Methoden—von Alexandre Alexeïeffs Pin-Screen über hinterleuchtetes Glas bis hin zu Oskar Fischingers Bewegungsgemälde und Jan Švankmajer’s Stop-Motion. Jede neue Entdeckung beflügelte meine Neugier.
Der Wendepunkt kam, als ich das direkte Kino von Stan Brakhage entdeckte, das ohne Kamera auskam. Von diesem Moment an begann ich mit Super 8-Film zu experimentieren, zu kratzen, zu kolorieren und direkt am Film zu arbeiten. Der magischste Teil für mich war die Projektion: mit einem Heimprojektor, dem mechanischen Geräusch des Motors, der den Film zieht, dem Geruch der Riemen und dem Anblick des Staubs, der im Licht der Lampe tanzt… Es war eine Erfahrung, die meine Seele fesselte. Ich erinnere mich noch genau an das erste Mal, als ich eines meiner Werke projizierte; ich wusste sofort, dass diese Technik meine Sprache werden würde.
Jetzt, nach 25 Jahren, empfinde ich bei jedem Mal, wenn das Licht angeht und das Bild lebendig wird, noch immer diese Aufregung und Wunder. Mein Stil ist in dieser Mischung aus Experimentierfreude, Handwerkskunst und einer tiefen Verbindung zum physischen Medium des Films verwurzelt, die die Grundlage für alles bildet, was ich kreiere.

Du hast ein Gleichgewicht zwischen analog und digital gefunden, aber deine Arbeit beginnt immer mit Film. Welchen Prozess folgst du, um deine Videos zu erstellen? Wir sind sehr neugierig auf deine Techniken, die Werkzeuge, die du verwendest, und deine Arbeitsweise.

Jedes Projekt beginnt mit einer grundlegenden Entscheidung: dem Medium. Ich entscheide, ob ich neues Filmmaterial drehen soll, und einmal entwickelt, erstelle ich einen Positivfilm, um ihn zu kratzen und zu manipulieren, oder ob ich mit gefundenem Filmmaterial arbeiten möchte, indem ich bestehende Filme verändere. Die Wahl des Films ist entscheidend und hängt von der Art der Arbeit ab, die ich mache. Es gibt viele Variablen zu berücksichtigen: das Format, die Perforationen, ob der Film bereits belichtet oder noch unbelichtet ist. Auch die Marke und das Alter der Emulsion sind wichtig, da sie den Typ des Kratzens beeinflussen — hinsichtlich Farbe, Tiefe und Linie. Jedes Detail spielt eine Rolle bei der Schaffung des Endergebnisses. Sobald der Film ausgewählt ist, beginnt die eigentliche Arbeit, die immense Geduld und Hingabe erfordert. Es ist ein Prozess, der dich zwingt, dich zu isolieren, als ob die Zeit stillsteht. Für nur eine Minute Animation kann es Wochen dauern, um sie zu erstellen. Sorgfalt ist unerlässlich. In meinen Arbeiten verwende ich ein breites Spektrum an Techniken, und jeder Strich hat sein spezifisches Werkzeug. Zum Kratzen des Films beispielsweise benutze ich Ahlen, Nadeln, Dentalsets, elektrische Schleifer und Dremel-Werkzeuge. Aber es geht nicht nur ums Kratzen; ich schneide, klebe und färbe mit allen Arten von Materialien. Die Farben reichen von Glaspigmenten bis hin zu wasserbasierten Tinten und permanenten Farben. Mein Ziel ist es immer, das Beste aus dem, was der Markt bietet, zu machen, während ich die Kreativität in den Mittelpunkt des Prozesses stelle. Ein zentrales Element meiner Arbeit ist die umfangreiche Sammlung von Transfers, die ich in den letzten zwanzig Jahren zusammengetragen habe. Ich besitze jede Art und Marke, die es gibt, was mir endlose kreative Möglichkeiten eröffnet, wenn ich mit Film arbeite. Jedes Detail meiner Arbeit entsteht aus einer Kombination von Technik, Experimentierung und dem Wunsch, ständig die Grenzen des Mediums herauszufordern.

 

Wie kam es zu deiner Zusammenarbeit mit Foscarini, und was hat dich bei dieser Arbeit motiviert?

Als Foscarini mich ansprach, um zusammenzuarbeiten, zögerte ich nicht einen Moment. Ich erinnere mich lebhaft an die Aufregung, die ich fühlte, als ich sofort ja sagte. Von einer Marke ausgewählt zu werden, die ich bewundere, und gleichzeitig vollständige kreative Freiheit zu haben, war ein großer Motivator für mich. Es fühlte sich an wie eine Gelegenheit, neue Ideen zu erkunden und etwas zu schaffen, das mit ihrer Welt resoniert, aber auch meinen persönlichen Stempel trägt. Immer wenn ich die Freiheit habe, mich auszudrücken, verspüre ich den Drang, meine Grenzen zu überschreiten, zu experimentieren und visuelle Lösungen zu finden, die überraschend und in der Lage sind, Emotionen zu vermitteln. Mein Ziel war es, eine Atmosphäre zu schaffen, die das Wesen von Foscarini widerspiegelt, während ich gleichzeitig ein einzigartiges und unerwartetes Element hinzufüge, das sowohl mit mir als auch mit dem Publikum resoniert. Die Herausforderung, meine Vision mit ihrer zu verbinden, wurde zum entscheidenden Motiv für dieses Projekt.

 

Im What’s in a Lamp?-Projekt von Foscarini hast du Filmfragmente durch Kratzen der Oberfläche, das Hinzufügen von Farben und die Integration von Foscarini-Lampen in surrealen, grunge-inspirierten Szenen verwandelt. Könntest du die Inspiration und die Bedeutung, die dich bei der Erstellung dieser Reihe geleitet haben, teilen?

Für das What’s in a Lamp?-Projekt wollte ich eine tiefe Verbindung zwischen Licht und Leben schaffen. Ich begann den Prozess mit einem einfachen, aber symbolischen Akt: Ich schaltete alle Lichter in meinem Zuhause aus. Dann schaltete ich sie nacheinander wieder ein und suchte nach der perfekten Atmosphäre, die meine Kreativität inspirieren sollte. Licht wurde mein Führer und führte zur Entwicklung von sechs Minifilmen. Jeder Film ist einzigartig, geprägt von einer eigenen Farbe und Technik, doch sie teilen alle eine intime und emotionale Atmosphäre. Mein Ziel war es, eine universelle Geschichte zu erzählen, in der Licht seine physische Form transzendiert und zum Hauptcharakter wird, der unser Leben widerspiegelt. Die Foscarini-Lampen wurden zu einem integralen Bestandteil dieser Erzählung, symbolisierten Emotionen, Erinnerungen und Momente aus unseren Erfahrungen. Ich wollte die greifbare Qualität des zerkratzten und gefärbten Films mit surrealen Elementen verbinden und einen Dialog zwischen Licht und Schatten schaffen, der stille, aber kraftvolle Geschichten erzählt.

 

Gibt es einen bestimmten Film aus der Reihe, den du bevorzugst oder aus bestimmten Gründen besonders schätzt?

Ich habe keinen absoluten Lieblingsfilm, aber es gibt eine Szene, die ich besonders schätze: die Eröffnungsszene von Spokes. In diesem Moment wird all die Intimität und Wärme, die eine Umarmung vermittelt, lebendig. Das sanfte orangefarbene Licht der Spokes-Lampe füllt sanft den Raum und umhüllt die Charaktere mit einem Schein, der über bloße Beleuchtung hinausgeht; es wird zu einer Quelle der Emotion. Es fühlt sich an, als würde dieses Licht sie nähren und sie vor der umgebenden Dunkelheit schützen. Diese Szene spricht von Verbindung und Schutz, verkörpert die menschliche Wärme, die über Worte hinausgeht, was sie für mich so besonders macht.

 

Die Kratzer im Film drücken all die Leidenschaft und Intensität aus, mit der du deine Kunst erlebst. Wie spiegelt sich deine Individualität in deinen Arbeiten wider? Hast du ein Ritual, wenn du deine Stücke schaffst?

Die Kratzer im Film sind mein Markenzeichen — ein Abdruck, der den gesamten kreativen Prozess festhält, mit seinen Intensitäten, Unvollkommenheiten und dem kraftvollen, instinktiven Strich, der durch den direkten Kontakt mit Zelluloid entsteht. Jeder Kratzer und Strich spiegelt einen bestimmten Moment in meinem Leben und meinen emotionalen Zustand zu dieser Zeit wider. Es fühlt sich an, als würde der Film ein Stück von mir und meinen Erfahrungen festhalten. Ich folge beim Schaffen keinem strengen Ritual, aber ich verlasse mich stark auf Instinkt und den Fluss des Moments. Ich habe einige kleine Gewohnheiten, die mir helfen, in die richtige Stimmung zu kommen. Ich suche nach Einsamkeit, höre inspirierende Musik und tauche in eine bestimmte Art von Licht ein, die die ideale Atmosphäre für die Reise schafft, die ich antreten möchte. Jede Schöpfung ist eine innere Reise, und diese Gewohnheiten helfen mir, eine Verbindung zu den Emotionen herzustellen, die ich in meiner Arbeit ausdrücken möchte.

 

Welche Rolle spielt Licht in deiner Kunst?

Licht ist das Herzstück meiner Arbeit; ohne es bliebe alles unsichtbar. Es ist das Licht, das den Leben einhaucht und die Striche auf dem Film sichtbar macht, die Formen, Farben, Bewegungen und Emotionen offenbart. Licht enthüllt, was im Material verborgen liegt, verwandelt es in Bilder und schließlich in Erzählungen. Es ist ein essentielles Element, eine Brücke zwischen meinem kreativen Ausdruck und der Interpretation des Zuschauers. Es ist das Licht, das das Kunstwerk zum Leben erweckt und das offenbart, was sonst im Film verborgen bliebe.

 

Und Musik? Welche Bedeutung und Rolle spielt sie insbesondere in der What’s in a Lamp?-Reihe?

In der What’s in a Lamp?-Reihe habe ich den Komponisten Carmine Calia eingeladen, mich auf dieser kreativen Reise zu begleiten. Er hat einen unvergesslichen Soundtrack geschaffen, der innerhalb der Erzählung zu einem eigenen Charakter wird. Seine Musik begleitet die visuellen Elemente nicht nur; sie beeinflusst sie tiefgreifend, prägt den Rhythmus der Geschichte und fügt Schichten symbolischer Bedeutung hinzu. Dieses Zusammenspiel erlaubt es dem Licht und den Formen auf dem Bildschirm, eine tiefere emotionale Resonanz zu gewinnen. Musik wird somit zu einem integralen Bestandteil, der in der Lage ist, eine kraftvolle Verbindung zum Zuschauer herzustellen und die Gefühle und Themen zu verstärken, die ich ausdrücken möchte.

 

Hast du Künstler, Meister oder bedeutende Einflüsse, die deine künstlerische Vision geprägt haben?

Ich glaube, mein größter Einfluss kommt von meinem Vater. Schon in jungen Jahren wuchs ich auf, während ich ihn beim Malen beobachtete, und jedes Mal, wenn er über seine Kunst sprach, leuchteten seine Augen. Das erfüllte mich mit Freude und erfüllte mich mit einer tiefen Liebe zur Kreativität. Als Erwachsener hatte ich das Glück, mit dem Meister des italienischen Kinos, Vittorio Storaro, zu arbeiten. Ihn bei der Arbeit zu sehen, war eine der außergewöhnlichsten Erfahrungen meines Lebens. Von ihm lernte ich, die Schönheit im Bild zu suchen, eine Lektion, die meine künstlerische Reise tief geprägt hat.

 

Wie pflegst du deine Kreativität?

Ich pflege meine Kreativität durch eine kontinuierliche Reise des Experimentierens, oft lebend als Einsiedler in meinem Zuhause, als wäre es mein Bau. Ständig etwas hinzuzufügen oder wegzunehmen, treibt mich an, etwas anderes zu suchen, während ich dennoch versuche, einen unverwechselbaren und unverwechselbaren Strich beizubehalten. Dieser Drang nach Evolution und ständiger Erkundung ist die treibende Kraft, die mich motiviert, meine Arbeit zu pflegen.

 

Wie würdest du Kreativität definieren? Was bedeutet es für dich, kreativ zu sein?

Für mich ist Kreativität Freiheit. Es ist ein kontinuierlicher Fluss, der es mir ermöglicht, die Welt aus verschiedenen Perspektiven zu betrachten und mich auf einzigartige Weise auszudrücken, immer bestrebt, über meine Grenzen hinauszugehen.

Erforschen Sie die gesamte Zusammenarbeit mit Bennet Pimpinella und entdecken Sie die komplette Reihe auf Instagram @foscarinilamps, wo internationale Künstler eingeladen sind, das Thema Licht durch die Lampen von Foscarini im Rahmen des Projekts What’s in a Lamp? zu interpretieren.

Entdecken Sie die komplette Reihe auf Instagram

Bloomingdale’s New York präsentiert eine exklusive Ausstellung, die dem italienischen Design gewidmet ist und von Ferruccio Laviani kuratiert wird. Die Veranstaltung zeigt ikonische Stücke, darunter die berühmte Orbital-Lampe von Foscarini, und feiert die Exzellenz des Made in Italy.

Entdecken Sie die Orbital-Lampe

Vom 5. bis 29. September 2024 wird Bloomingdale’s in New York City eine besondere Ausstellung zum italienischen Design präsentieren, in Zusammenarbeit mit dem weltweit renommierten Salone del Mobile.Milano. Die Veranstaltung bringt eine einzigartige Feier der italienischen Kreativität und Handwerkskunst ins Herz des Big Apple. Das Herzstück der Veranstaltung ist eine immersive Ausstellung mit dem Titel „Italian Design: von Klassisch zu Zeitgenössisch“, die von dem Architekten Ferruccio Laviani kuratiert wird.

Inspiriert von den metaphysischen Plätzen Giorgio de Chiricos, dem italienischen Maler bekannt für seine surrealen und traumhaften Stadtlandschaften mit klassischen Architekturen, verzerrten Perspektiven und rätselhaften Schatten, bietet Ferruccio Laviani ein Bühnenbild, das eine Balance zwischen künstlerischer Installation und Erlebnis-Pop-up schafft. In diesem Raum erzählen ikonische Designobjekte aus Italien eine Geschichte von Einfallsreichtum, exzellenter industrieller Produktion und hoher Handwerkskunst.

„Ich habe dem grafischen Sprachgebrauch des Sets eine zeitgenössische und radikale Note hinzugefügt. Durch die Verschmelzung von Einflüssen des radikalen Designmovements der 1960er Jahre mit den metaphysischen Elementen De Chiricos haben wir einen Raum geschaffen, der sowohl einzigartig als auch modern ist. Ich habe die Designobjekte ausgewählt, die aus den Katalogen der repräsentativsten Made-in-Italy-Marken stammen, wie die Orbital-Lampe – Stücke, die zu Ikonen des Alltags geworden sind und daher als Kunstwerke ausgestellt werden sollten.“

FERRUCCIO LAVIANI
/ Designer

Neben der Installation wird die Veranstaltung eine Reihe von spannenden Vorträgen und Aktivitäten bieten, bei denen herausragende Persönlichkeiten der internationalen Designszene zu Wort kommen. Diese Veranstaltungen bieten der Designgemeinschaft in New York und den Designliebhabern eine hervorragende Gelegenheit, das reiche Erbe und den innovativen Geist des italienischen Designs zu erkunden.

5. – 29. September 2024
Von 10:00 bis 20:00 Uhr
Bloomingdale’s 59th Street
1000 Third Ave, New York, NY
6° Etage – Home/Furnishing department

“Some think it’s just about shedding light. Foscarini 1983/2023” ist die Monographie, herausgegeben von Corraini Edizioni, die die ersten 40 Jahre von Foscarini feiert und auf der Milan Design Week 2024 vorgestellt wird.

Design, wie wir es sehen und wie es von denen gesehen wird, die mit uns arbeiten, bedeutet, Dingen durch Konfrontation und ständiges Lernen Bedeutung zu verleihen. Nicht nur eine weitere Lampe zu machen, sondern dieses besondere Licht: das zu den Menschen spricht, sie sich zu Hause fühlen lässt.

 

Jedes Unternehmen hat seine eigene Art, in der Welt zu sein. Unseres drängt uns dazu, an der Komplexität von Projekten zu arbeiten, denn Geschäfte zu machen bedeutet, Designkultur zu schaffen und Lampen herzustellen, die mit Bedeutung beladen sind, mit dem Ziel, ein Kapitel, einen Absatz oder einfach einen Satz zur langen Geschichte des Designs hinzuzufügen. Das Buch “Some think it’s just about shedding light. Foscarini 1983/2023” ist eine Reise durch vierzig Jahre Innovation im Lichtdesign, erzählt durch unsere Geschichten, Ideen und Produkte.

Eine Monographie, herausgegeben von Alberto Bassi und Ali Filippini und veröffentlicht von Corraini, mit sechs thematischen Reiserouten, die jeweils eine kritische Analyse und eine Auswahl von Lampen enthalten, mit einem Rückblick auf das gesamte Produktsortiment.

 

Der 320-seitige Band wird durch die autoritativen Beiträge von Aurelio Magistà, Journalist, Autor und Universitätsdozent; Gian Paolo Lazzer, Soziologe und Universitätsdozent; Beppe Mirisola, Schriftsteller; Veronica Tabaglio, Forscherin; Stefano Micelli, Ökonom und Universitätsdozent; Massimo Curzi, Architekt; und Beppe Finessi, Architekt, Forscher, Kritiker und Leiter des Buchzines Inventario, bereichert.

 

Zeugnisse und Erinnerungen, um die Kernwerte und die Besonderheiten von Foscarini zu teilen und zu beschreiben; Daten und Bilder, um den unternommenen Weg hervorzuheben, der seinen Einfluss auf die italienische Designlandschaft vertieft, immer in einer zukunftsorientierten Perspektive, im Einklang mit der Philosophie des Unternehmens.

“Vierzig Jahre sind vergangen, aber wenn wir eine neue Lampe einschalten, ist es immer ein neues Erlebnis. Denn es gibt etwas Magisches in diesem Moment, in dem eine Idee, die zu einem Objekt geworden ist, das ihr Leuchten verbreitet, ihre Lichtdemonstration zeigt. Es ist die urtümliche Faszination für die Geburt des Lichts – ein immaterielles Material, das unsere Welt formt -, die uns auch nach 40 Jahren sagen lässt, dass die wichtigste Lampe immer die nächste sein wird. Dies treibt uns dazu an, menschliche Kurzschlüsse mit Designern, Künstlern, Handwerkern zu pflegen, ohne die keines unserer Projekte Form annehmen könnte.”

Carlo Urbinati
/ Gründer und Präsident von Foscarini

Foscarini 1983 / 2023

Some think it’s just about shedding light.

Begleiten Sie uns auf eine Reise durch vierzig Jahre Innovation im Bereich Lichtdesign, erzählt durch unsere Geschichten, Ideen und Produkte.
Eine Monographie, herausgegeben von Alberto Bassi und Ali Filippini und veröffentlicht von Corraini.

Laden Sie das Buch herunter

Möchtest du das Buch kaufen?
Finde es heraus auf corraini.com

In einem dynamischen und sich ständig weiterentwickelnden Umfeld, wie dem des Designs, können einige Kreationen dem Zahn der Zeit trotzen und verwandeln sich in ikonische Symbole der Innovation und Kreativität. Havana von Jozeph Forakis ist eine davon und feiert heute ihr 30. Jubiläum.

Entdecken Sie Havana

Eine Leuchtenikone, die Einzug in die Wohnbereiche und kollektive Vorstellungswelt hielt und so zu einem neuen Archetyp unter den Leuchten wurde. Die 1993 entworfene Havana etablierte sich als neues Leuchtobjekt: eine halbhohe Leuchte, beinahe eine neue Leuchtenart, mit einer beeindruckenden und auffälligen Diffusorform, die das Licht von der aus Mitte verströmt. Eine vertraute Figur, eine „Gestalt“, mit der man eine persönliche Beziehung aufbaut, die sich problemlos in jede Umgebung einfügen lässt, um diese mit ihrem warmen Licht zu prägen.

Der Entwicklungsprozess von der Idee zum Produkt erfolgte sorgfältig und schrittweise. Die ersten aus Glas und Fiberglas gefertigten Prototypen waren schwer und teuer und hatten den Nachteil, nur wenig Licht durchdringen zu lassen, wodurch die ursprünglich dem Konzept innewohnende Leichtheit und Ironie verloren ging. In einem revolutionären Schritt wurde beschlossen, das Glas durch Kunststoff zu ersetzen, was für Foscarini einen wichtigen Moment darstellte. Eine Entscheidung, die auf ausschlaggebende Weise dazu beigetragen hat, Foscarini zu dem Unternehmen zu machen, das es heute ist. Ein Unternehmen, das sich stets dazu entscheidet, das Design in den Mittelpunkt zu stellen, ohne sich dabei Grenzen zu setzen und ohne auf Kompromisse einzugehen, um jedes Projekt vollends entwickeln zu können. Jozeph Forakis erinnert sich:

„Havana war die erste von Foscarini erzeugte Leuchte aus Kunststoff. Es war ein ein bisschen ein Risiko, doch Foscarini erwies sich als sehr mutig und beschloss, diese absolute Neuheit zu wagen.“

JOZEPH FORAKIS
/ Designer

Der Erfolg von Havana war nicht ganz ohne Herausforderungen. Obwohl sie anfangs von einigen Händlern skeptisch beäugt wurde, entwickelte sie sich schnell zu einem Archetyp des Designs. Ihre Aufnahme in die Sammlung des Museum of Modern Art (MoMa) in New York im Jahr 1995 stellte einen wesentlichen Schritt dar und bestätigte ihre Bedeutung in der Geschichte des Designs.

In ihrer 30-jährigen Geschichte wurde Havana in farblichen und funktionellen Varianten präsentiert, einschließlich der Outdoor-Ausführung, ohne je ihre charakteristische Form zu verlieren, sowie ihre außergewöhnliche Fähigkeit, mit ihrer warmen und vertrauten Präsenz ein emotionales Echo zu erzeugen.

E-BOOK

30 Years of Havana
— Foscarini Design stories
Creativity & Freedom

Laden Sie das exklusive, den 30 Jahren von Havana gewidmete E-Book herunter, mit einem ausführlichen Interview mit Jozeph Forakis und erfahren Sie mehr über die Geschichte der Leuchte, ihre Entwicklung, den Mut, der uns bei der Wahl der Materialien begleitete, und ihren Einfluss auf die Welt des Designs.

Laden Sie das Buch herunter

Möchten Sie einen Blick darauf werfen?

Chiaroscura steht im Mittelpunkt der ortsspezifischen Beleuchtungsinstallation „Stufenlicht“ bei der Ehrentreppe der Triennale in Mailand, die zum Eingang der Ausstellung ‘Alberto Meda: Spannung und Leichtigkeit’ begleitet, die einige der kompositorischen und methodologischen Merkmale von Alberto Meda erforscht.

Entdecken Sie Chiaroscura

Anlässlich der Ausstellung „Alberto Meda, Spannung und Leichtheit“, die die Triennale in Mailand dem großen italienischen Meister widmet und die vom 6. Oktober 2023 bis zum 24. März 2024 besichtigt werden kann, setzte Foscarini nach dem Projekt von Meda eine ortsspezifische Installation für die Ehrentreppe der Triennale um, bei der 34 maßangefertigte Leuchten CHIAROSCURA – 17 auf jeder Seite der Treppe – im Mittelpunkt stehen, von der größten mit über fünf Metern Höhe (552 cm) bis zur kleinsten mit einer Höhe von 57 cm. Eine Lichtkulisse mit verschiedenen Dimmlevels, um eine Choreographie entstehen zu lassen.

„Als mir Marco Sammicheli vorgeschlagen hat, anlässlich meiner Einzelausstellung als Kurator über eine Installation „vor Ort“ für die Ehrentreppe der Triennale in Mailand nachzudenken, nahm ich den Ort schnell in Augenschein und entdeckte, dass die Seitenwände der Treppe nicht durchgehend sind, sondern mit Marmorsäulen mit dreieckigem Querschnitt in einem Abstand von 10 cm voneinander ausgeführt sind. Die Bereiche zwischen einer Säule und der nächsten weisen unterschiedliche Höhen auf: Sie beginnen am Anfang der Treppe bei einer Höhe von ca. 5 Metern und betragen bei der letzten Stufe vor dem Zwischengeschoss ca. 50 cm. Ich wollte eine Arbeit umsetzen, die die Architektur berücksichtigt, die sich diskret anpasst und sie aufwertet und so dachte ich, dass Licht die Lösung sein könnte. Leuchtelemente zwischen einer Säule und der nächsten einzufügen, konnte die perfekte Idee sein. So fiel mir Chiaroscura ein, der Strahler mit dreieckigem Querschnitt, wie der der Säulen, den ich mit meinem Sohn Francesco für Foscarini entworfen hatte, und auch seine baulichen Merkmale, da er mit stranggepressten Aluminium- und Methacrylatprofilen gefertigt war und somit in verschiedenen Längen erhältlich war, auch bis zu 6 Meter lang. Die Strangpresstechnologie und ihre charakteristische dimensionale Freiheit ließen mir die Idee kommen, ein „stufenförmiges“ Beleuchtungsprojekt umzusetzen, das von drei Seiten Licht verströmt, sowohl auf der Ehrentreppe, als auch auf den beiden Treppen, die zum Theater führen. Es schien mir interessant, diesem Projekt auch eine andere Dimension zu verleihen, eine dynamische Beleuchtungsdimension, und so arbeiteten wir mit Foscarini an einer elektronischen Lösung, um diesen Effekt zu erzielen.“

ALBERTO MEDA
/ Ingenieur, Designer und Planer

CHIAROSCURA verkörpert Foscarinis Fähigkeit, speziellen Anforderungen von Innenarchitekten und Designern zu entsprechen, und zeugt vom innovativen Wesen der Marke. Ein Licht, das im modernen Zeitalter entsteht und das seine charakteristische Persönlichkeit dem besonderen Leuchteffekt und der originellen Harmonie zwischen Form und Funktion verdankt.

Die von Alberto mit seinem Sohn Francesco entworfene CHIAROSCURA ist die moderne Neuinterpretation des klassischen Strahlers. Die trotz ihrer schlichten Präsenz charaktervolle CHIAROSCURA, die rundum Licht verströmt, entsteht aus einer Projektherausforderung heraus: Sie soll nämlich die Möglichkeit erforschen, die Funktionsfähigkeit des klassischen Strahlers zu bereichern, der naturgemäß nur indirektes Licht nach oben wirft. Der elegante und leichte Körper von Chiaroscura, der vollkommen beleuchtet, nicht mehr nur beleuchtend ist, stellte das Ziel dar, das die Bestimmung der Form, die Wahl der Materialien und der Produktionstechnologien begleitete.

Gemeinsam mit Foscarini haben die Meda nämlich ihre Funktionsweise erweitert und eine dreieckige Struktur aus strangepresstem Aluminiumprofil mit einer LED erzeugt: einen „Käfig“, in dem sich ein opalenes Kunststoffprofil befindet, das Licht ausströmt. Im Unterschied zum klassischen Strahler verbreitet CHIAROSCURA ein Raumlicht an den Seiten und ein indirektes Licht an der Decke.
Der zarte und sichtlich leichte Körper von CHIAROSCURA und ihr warmes und angenehmes Licht machen sie anpassungsfähig und vielseitig einsetzbar, damit ihre diskrete Persönlichkeit unterschiedliche Räume bereichert, vom Wohn- bis zum Objektbereich, vom Büro bis hin zum Heim.

Chiaroscura ist eine Leuchte, die – auf Anfrage und bei besonderen Projektanforderungen – auch in verschiedenen Höhen im Vergleich zur im Katalog verfügbaren Standardausführung erzeugt werden kann.

Während des Festivaletteratura-Events in Mantua, Italien, fesselte der Designer und Erfinder Marc Sadler das Publikum mit faszinierenden Karriereanekdoten und seinem Talent für Innovation in einem Gespräch mit Beppe Finessi, unterstützt von Foscarini.

Am Samstag, den 9. September 2023, fand während des Festivaletteratura-Events ein fesselndes Gespräch im beeindruckenden Teatro Bibiena in Mantua statt. Marc Sadler wurde von Beppe Finessi interviewt und hinterließ das große Publikum verzaubert. Sadler teilte faszinierende Anekdoten über seine langjährige Karriere und sein Geschick für die Schaffung innovativer Lösungen in verschiedenen Branchen.

Ein herausragendes Beispiel war seine bahnbrechende Arbeit in den 1970er Jahren, als er Skischuhe revolutionierte. Nach einem Schneunfall im Krankenbett liegend, erdachte Sadler die Verwendung von Kunststoff als sicherere Alternative zu den traditionellen Lederskischuhen dieser Ära. Dies führte zur Entwicklung des ersten thermoplastischen Skischuhs. Sein Einfallsreichtum endete nicht dort. In Zusammenarbeit mit Dainese entwarf Sadler einen Motorradanzug, der Athleten außergewöhnlichen Schutz bot und Funktionen wie den heute weit verbreiteten Rückenprotektor einführte, den zahlreiche Champions tragen.

Als echter Verfechter der Innovation erhielt Sadler vier Compasso d’Oro Awards, darunter einen für die von ihm 2000 für Foscarini entworfenen Lampen Mite und Tite.

“Ich lernte Foscarini während einer Zeit kennen, als ich in Venedig lebte, und Mite war das erste Projekt, das wir gemeinsam entwickelten. Für mich war Foscarini ein kleines Unternehmen, das mit Glas arbeitete, ein Fokus, der ziemlich anders war als das, was ich machte. Eines Tages traf ich einen der Partner zufällig auf einem Vaporetto. Im Gespräch über unsere Arbeit erzählte er mir von einem Thema, das ihm zu der Zeit durch den Kopf ging. Er bat mich, über ein Projekt nachzudenken, das den Unsicherheitsfaktor von Glas einfangen würde – diesen handgefertigten Aspekt, der nicht kontrollierbar ist und jedem Objekt seine eigene Persönlichkeit verleiht – aber auch industriell produziert werden könnte, in einer koordinierten Vision. Wir verabschiedeten uns mit dem Versprechen, über die Idee nachzudenken.”

MARC SADLER
/ Designer

Sadlers kreative Beiträge erstreckten sich auch auf die ikonische Twiggy-Lampe von Foscarini, “”die zu einem festen Bestandteil der Welt der Stehlampen geworden ist, nach der berühmten Arco-Lampe von Castiglioni””, so Beppe Finessi, der auch darauf hinwies, wie Twiggy beispielsweise oft in zahlreichen Werbekampagnen für verschiedene Unternehmen außerhalb von Foscarini vorkommt.

Während seiner illustren Karriere hat Sadler sein Wissen und seine Expertise gekonnt über verschiedene Branchen hinweg übertragen.

“Ich habe Vielseitigkeit während meiner gesamten Karriere umarmt und eine Vielzahl von Produkten entworfen, von Schuhen bis zu Lampen, von Eistresen bis zu Whirlpools. Indem ich aufmerksam auf die Bedürfnisse meiner Kunden gehört habe, habe ich danach gestrebt, Objekte zu schaffen, die nicht nur ihren Anforderungen entsprechen, sondern auch den Bedürfnissen und Wünschen des Publikums gerecht werden. Das ist es, was mir Freude macht”

MARC SADLER
/  Designer

In der neuen Social-Media-Strategie von Foscarini wird der Instagram-Kanal von Foscarini zu einer Bühne, auf der Energie, kreative Freiheit und Forschung die Hauptdarsteller sind. Das Projekt What’s in a lamp? transportiert Geschichten durch Bilder, Animationen und Videos in einem zeitgenössischen Kunstraum, die den narrativen Faden der Marke Foscarini mit ihrem Wesen, ihren Inspirationen und Kollektionen aufgreifen.

Der italienische Leuchtenhersteller Foscarini ist ständig auf der Suche nach originellen und einzigartigen Lösungen. Das gilt nicht nur für Produkte, sondern auch für erzählerische Ansätze. So hat das Unternehmen beschlossen, die branchenüblichen Konventionen der Social-Media-Kommunikation zu überdenken und sein Storytelling auf eine noch nie dagewesene und unverwechselbare Weise weiterzuentwickeln. Der Instagram-Feed @foscarinilamps verwandelt sich in einen virtuellen Ort, der bekannten wie aufstrebenden Vertreter:innen der visuellen Künste Raum bietet, um mit ihren Werken für Erstaunen, Begeisterung und Spaß zu sorgen.

Das vielseitige Projekt lädt internationale Künstler:innen und Content Creators mit unterschiedlichem Hintergrund – von digitaler Kunst über Fotografie und Illustration bis hin zu Motion Art – dazu ein, mit der Foscarini Kollektion zu “spielen” und sich von dem Portfolio an Leuchten verschiedener Designer:innen mit unterschiedlichen Stilen und Materialien inspirieren zu lassen.

“Foscarini ist ein Unternehmen, das von Ideen, Neugierde, dem Wunsch, mit uns selbst und mit neuen Konzepten zu experimentieren, lebt. Wir suchten einen unverwechselbareren, persönlicheren Weg, uns auf sozialen Kanälen zu präsentieren – eine frische Lösung, die sich mit den Grenzen und Merkmalen des Mediums auseinandersetzt und es uns ermöglicht, Raum für Kreativität zu schaffen, Anreize zu sammeln, sie in Beziehung zu setzen, Wissen auszutauschen und Erfahrungen zu kombinieren. Dieses neue digitale Projekt wird originäre Inhalte präsentieren, die durch visuelle Anregungen, in denen unser Licht im Mittelpunkt steht, die Kraft der Ideen aufzeigen.”

CARLO URBINATI
/ PRÄSIDENT UND GRÜNDER VON FOSCARINI

Der erste Beitrag des Projekts stammt von Luca Font, einem vielseitigen italienischen Künstler. Er hat eine originelle Serie von Illustrationen geschaffen, die vom Modernismus inspiriert sind und lebendige geometrische Effekte aufweisen. Ihm folgt der bekannte israelische Illustrator Noma Bar, ein Meister des negativen Raums. Beiträge der Künstler Federico Babina, Oscar Pettersson, Maja Wronska, Kevin Lucbert, Alessandra Bruni, Luccico und anderer folgen. Es sind allesamt einzigartige Stimmen, Stile und Interpretationen, die Gedanken, Empfindungen und Emotionen vermitteln, welche durch Leuchten von Foscarini ausgelöst wurden. Sie betonen die Formen der Entwürfe, arbeiten die Ideen hinter ihren Konzepten heraus oder verstärken die Effekte, die sie in einem Raum erzeugen. Es entsteht ein spannender Katalog voller ungewöhnlicher Ideen und Visionen zum Thema Licht. Foscarini schlägt mit diesem Projekt einen kreativen Weg ein, der die Rolle der Leuchten des Unternehmens bei der Transformation und Definition einer persönlichen Interpretation der häuslichen Umgebung reflektiert.

Folge dem Projekt auf dem offiziellen Instagram-Kanal @foscarinilamps und lass dich von der Magie und den Anregungen der verschiedenen kreativen Interpretationen mitreißen.

Besuche uns auf Instagram

Der Film, unter der Regie von Gianluca Vassallo und produziert von Foscarini und White Box Studio, erzählt von der Ikone der radiakalen Architektur und vom Gründer der Künstlergruppe SITE James Wines, wobei die enge Beziehung zwischen dem Künstler und dem Menschen erforscht wird, zwischen der öffentlichen Rolle als Architekt Wines und der intimen und privaten als James.

Nachdem Wines sein Leben damit verbracht hat, sich eine Welt vorzustellen, in der alles dekonstruiert, ironisch, auf den Kopf gestellt, gewagt und kultiviert ist, steht Wines vor „der Welt“, wie er sie sieht, in einer kollektiven Geschichte über den Künstler-Architekten, der auch ein Film über die Auswirkungen des Querdenkens in der Gemeinschaft, in den Menschen, in den die Welt durchquerenden Veränderungsprozessen wird.

Die Geschichte der Zusammenarbeit zwischen Foscarini und James Wines zieht sich durch fast 30 Jahre. Ihre Wurzeln gehen auf das Jahr 1991 zurück, mit Table Light / Wall Light, dem ersten von Foscarini mit Wines Gruppe SITE umgesetztem Exemplar. Ein paar Jahre später kreuzen sich die Wege von Foscarini und SITE erneut, dank eines großen auf Inventario veröffentlichten Profils (des im Jahr 2010 von Foscarini gestarteten Book-zine als originelle und unabhängige Form, um die Welt der Kreativität und der Designkultur zu erforschen).
So ensteht Foscarinis Idee, das erste Projekt wieder aufzunehmen und es in Ausgaben von Leuchten und Objekten zu verwandeln: The Light Bulb Series ist eine Designer-Kollektion, die aus den weitreichenden Reflexionen über die Glühbirne als Archetyp, mit ihrer typischen Birnenform entsteht, und eine Reihe überraschender Provokationen ins Leben ruft.

Heute überlässt Foscarini mit seinem freien Geist den Schauplatz ganz Vassallo und Wines, dem Meister der zeitgenössischen und mit allem brechenden Architektur.

„Um die menschliche Tiefe zu erforschen, dazu dient meiner Meinung nach das Kino: noch mehr das dokumentarische Kino. Es wäre einfach gewesen, ausgezeichnetes Archivmaterial zu finden, ein Interview damit zu verbinden und dem Publikum die x-te Feier eines Künstlers und seines Werks zu servieren. Doch der Auftrag jener, die wie ich bei der Produktion von Sinn – egal ob kinematisch oder fotografisch – ihre Unruhe, ihre Neugier, einen Blick auf die Welt mitbringen, der sich zu lichten versucht, kann angesichts einer Persönlichkeit wie der von Wines nur das Komplexe des Menschen suchen, das die Anmut des Genies nährt, und muss unbedingt die Tiefe, die Abneigungen, die Ängste, mehr noch als den Ruhm von Wines das Chaos von James erforschen.“

Gianluca Vassallo
/ Filmregisseur

Der Film, der zwischen Oktober 2021 und Februar 2022 zwischen New York NY, Watertown MN, Washington DC, Miami, Stone Ridge NY und Rom gedreht wurde, wurde von den Kuratoren des Milano Design Film Festival 2022 ausgewählt, der jährlichen Veranstaltung, die seit zehn Jahren das Kino nutzt, um dem breiten Publikum zeitgenössischere Design- und Architekturkonzepte aus unkonventioneller Sichtweise näherzubringen.

Die Entstehung der Leuchtenskulptur Orbital verkörperte für Foscarini nicht nur den Beginn der Zusammenarbeit mit Ferruccio Laviani, sondern war auch eine Absichtserklärung: Zum ersten Mal ließen wir das geblasene Murano-Glas hinter uns und hießen eine neue Idee willkommen, dank der wir heute mehr als zwanzig unterschiedliche Technologien bieten.

Wenn du die Zusammenarbeit mit Foscarini mit einem Wort beschreiben müssten, welches würdest du wählen?

Ich würde mich für zwei entscheiden: profitabel und frei. Das erste Wort lässt sofort an finanziellen Gewinn denken, doch so ist es nicht zu verstehen, oder besser gesagt: nicht nur. Die Tatsache, dass beinahe alle Leuchten, die ich für Foscarini entworfen habe, noch im Katalog vertreten sind, ist eine wunderbare Nachricht, sowohl für mein Designbüro als auch für das Unternehmen.
Ich definiere sie profitabel, denn Objekte zu entwerfen, die die Menschen nach 30 Jahren noch immer schätzen, freut einen Designer ganz besonders: Es ist die Bestätigung, dass das, was er tut, einen Sinn hat.
Dann ist da noch das Thema der kreativen Freiheit. Foscarini ließ mir besonders große gestalterische Unabhängigkeit sowohl hinsichtlich der Produkte als auch der Bereiche, ohne jemals Einschränkungen irgendwelcher Art zu setzen. Das ist wirklich selten und besonders zu schätzen.

 

Warum habt ihr deiner Meinung nach diese kreative Ausdrucksfreiheit erreicht?

Ich denke, das liegt am Wesen der beteiligten Menschen. Wenn ein Designer das Vertrauen des Unternehmens gewonnen hat, lässt ihm Foscarini vollkommene Ausdrucksfreiheit. Man ist sich der Tatsache bewusst, dass man so die beste Zusammenarbeit erreicht, und zwar für beide Seiten. Natürlich erst, wenn festgestellt wird, dass nach der vom Gefühl geleiteten Arbeit auch die Kopfarbeit folgt. In meinem Fall war Orbital die erste Herausforderung: Würde eine Leuchte mit einer solch prägenden Ästhetik Anklang finden? Würde sie die Prüfung der Zeit bestehen? Die Antwort des Publikums war positiv und ab diesem Zeitpunkt stand unsere Beziehung stets im Zeichen höchster Freiheit.

Was bedeutet diese Freiheit für einen Designer?

Sie gibt ihm die Möglichkeit, die verschiedenen Facetten des Möglichen zu erforschen. Für einen Menschen wie mich, der sich nie mit einem Stil oder einem gewissen Geschmack identifizierte, sich jedoch regelmäßig in stets andere Schönheiten, Umgebungen, Dekorationen verliebt, ist diese Freiheit von grundlegender Bedeutung, denn sie macht es mir möglich, mich zu entfalten. Ich stelle keine künstlerischen Ansprüche und ich bin mir bewusst, dass das, was ich mache, Produktion ist: Serienprodukte, die eine klare Funktion haben und diese bestens erfüllen müssen. Doch neben diesen rationalen Überlegungen überkommt mich beim kreativen Schaffen dann ein Verlangen. Die beinahe unbändige Lust, einen bisher noch nicht dagewesenen Gegenstand entstehen zu lassen: etwas, das ich als Teil meines Lebens möchte.

Wie sind diese Gegenstände, nach denen du dich sehnst und daher entwirfst?

Darauf habe ich vom stilistischen Gesichtspunkt keine Antwort: Ich mache stets andere Dinge, weil ich mich immer anders fühle und ich fülle meine körperlichen und geistigen Bereiche mit Bildern, die im Laufe der Zeit wechseln und diese persönlichen Landschaften wiedergeben. Ich bin jedoch von allem fasziniert, was eine Beziehung mit Menschen und zwischen Menschen schafft. Den Dingen, die ich entwerfe, gebe ich stets einen Charakter: den, der meiner Meinung nach meine Art, den Geist der Zeit zu interpretieren am besten wiedergibt. Manchmal den Geist des Augenblicks. Das gilt für eine Leuchte mehr noch als für ein anderes Einrichtungselement, weil man eine dekorative Leuchte wegen gefühlsmäßiger Nähe auswählt, aufgrund von alldem, was sie uns und über uns sagt. Das ist der Beginn eines idealen Dialogs zwischen Designer und Käufer. Wenn diese Leuchte dann auch 30 Jahre später noch zu den Menschen spricht, heißt das, dass dieses Gespräch wichtig ist und noch immer etwas von großer Bedeutung vermittelt.

Die Veranstaltung zum dreißigsten Jubiläum von Orbital war auch eine Gelegenheit um das neue Kreativprojekt NOTTURNO LAVIANI vorzustellen. In diesem Fotoprojekt interpretiert Gianluca Vassallo die Leuchten, die Laviani für Foscarini entwarf. Das Ergebnis ist eine Erzählung mit vierzehn Geschichten auf denen die Lichter fremde Umgebungen prägen.

Erfahren Sie mehr über Notturno Laviani

Was empfindest du beim Anblick der Interpretation, die Gianluca Vassallo aus deinen Leuchten gemacht hat?

Ich nehme einen sich schließenden Kreis wahr. Denn Gianluca erzählt von seiner Vorstellung von Licht und verwendet dabei die Objekte, die ich entworfen haben, als zarte, jedoch wichtige Erscheinungen. Das gleiche passiert, wenn jemand beschließt, eine meiner Leuchten zu sich nach Hause zu holen. Angesichts Notturno nehme ich dieses gleiche große Gefühl wahr, das ich empfinde, wenn jemand von einem meiner Projekte Besitz ergreift und es Teil seiner Existenz werden lässt: das Gefühl ist dieses wunderschöne, etwas getan zu haben, das einen Sinn hat und für andere wichtig ist.

 

Welche Aufnahme verkörpert dich am besten?

Ohne jeden Zweifel die von Orbital im Freien: Der Straßenübergang mit dem zerrissenen Zirkusplakat. Denn ich bin so: alles und das Gegenteil von allem.

E-Book

30 Years of Orbital
— Foscarini Design stories
Creativity & Freedom

Laden Sie das exklusive E-Book Foscarini Design Stories — 30 years of Orbital herunter und erfahren Sie mehr über die Zusammenarbeit zwischen Foscarini und Laviani. Ein fruchtbarer Austausch, basierend auf wahlverwandten Affinitäten, der sich über drei Jahrzehnte als Weg des gemeinsamen Wachstums erstreckt.

Laden Sie das Buch herunter

Möchten Sie einen Blick darauf werfen?

In einem fesselnden Gespräch, das von Beppe Finessi im Rahmen der Festivaletteratura 2022 geleitet wurde, teilte Ferruccio Laviani seine Leidenschaft und seinen einzigartigen Ansatz für das Design von Objekten und Erfahrungen.

Am 10. September 2022 fand im eindrucksvollen Teatro Bibiena das Gespräch “Von Objekten fasziniert” statt, bei dem der Designer Ferruccio Laviani von Beppe Finessi interviewt wurde. Laviani nahm das Publikum mit auf eine faszinierende Reise durch seine Erfahrungen in der Welt des Designs. Ausgehend von seinen Wurzeln in der Geigenbauschule und dem Übergang zum Möbeldesign teilte er seine Gedanken zur Schaffung von Objekten, die über die bloße Funktionalität hinausgehen und Emotionen und persönliche Verbindungen hervorrufen sollen.

“Die Welt ist voll von Schaufenstern, gefüllt mit Stühlen, Lampen und Tischen, warum sollte also jemand einen neuen wählen, der von mir entworfen wurde? Die Antwort ist einfach: damit die Menschen meine Produkte mit denselben Augen sehen wie bei jemandem, in den sie sich verlieben.”

FERRUCCIO LAVIANI
/ Designer

Mit Demut und Aufrichtigkeit erzählte der Designer aus Cremona Anekdoten aus seiner Karriere und gewährte einen intimen Einblick in seine bekanntesten Werke und die Herausforderungen, denen er auf seinem kreativen Weg begegnete. Angeregt durch die Fragen von Beppe Finessi teilte Laviani seine Philosophie hinter der Schaffung von Objekten, die verschiedene Stile und Einflüsse verschmelzen lassen, und schuf somit Kreationen, die Zeit und konventionelle Stile überwinden und neue Perspektiven auf Kreativität und zeitgenössische Ästhetik eröffnen.

Um das Erlebnis des Gesprächs wiederzuerleben und sich in das Universum von Ferruccio Laviani zu vertiefen, sehen Sie sich das Video der Veranstaltung unter dem folgenden Link an.

Schauen Sie sich das Video an

Als Werkstatt des reinen Erforschens von Licht, das von Foscarini mit Andrea Anastasio und Davide Servadei von Ceramica Gatti 1928 durchgeführt wird, ist das Projekt Battiti eine Erfahrung vollkommener Freiheit, die zu neuen Interpretationen von Licht führt, welches hier im Dialog mit der Keramik zur Materie wird.

Im Projekt Battiti, das im Rahmen des Fuori Saloni 2022 präsentiert wurde, wird das Licht nicht zum Beleuchten, sondern zum Erschaffen eingesetzt. Als wäre es ein Material: das Effekte erzeugt, Formen betont, Schatten aufbaut. Denn es ist genau das, was Andrea Anastasio macht, wenn er Hand an die Werke des Archivs der Werkstatt Gatti legt, sie zerlegt und dann wieder zusammenbaut und dabei nur dem Urinstinkt folgt, aus Wunsch, Leidenschaft und Notwendigkeit zu kreieren: Er kehrt die traditionelle Logik um und gelangt zu einer neuen Logik, er interpretiert die Geschichte, indem er ihr einen Sinn und eine andere Bedeutung gibt. Bei diesem Vorgang, der zugleich Kreation und Entdeckung ist, verwendet Anastasio das Licht, das so auch ein Instrument zum Dialog mit dem Betrachter wird. Die Lichtschnitte, aktive und „lebendige“ Elemente in Anastasios Flachreliefs und Skulpturen, sind daher ein Beginn einer neuen Beziehung zwischen den sie offenbarenden Objekten und dem Betrachter.

„Battiti begann mit einer Überlegung zur tausendjährigen Beziehung zwischen Licht und Keramik, einer Reise, die von Öllampen zu religiösen Bildstöcken reicht und die die Form der Vision in ihren zahlreichen Erscheinungen begleitet. Dann kam eine weitere Betrachtung auf und ich begann, die Keramiktafeln von Abdrücken des Archivs Gatti in Faenza zu zerschneiden und systematisch zu zerlegen. Das Licht in diese Reihe der Arbeiten zu bringen, war ein langsamer, auf eine plötzliche Intuition folgender Vorgang, wie es häufig vorkommt, wenn man die Wirkung einer Vision wiedergeben möchte, die uns einnimmt und gleichzeitig entweicht, weil sie eben nicht greifbar ist. So wird erneut der Dialog zwischen Dekor und Licht zur Gelegenheit, sich der Rolle bewusst zu werden, die das Licht in unserem Alltagsleben spielt, sowie seiner Fähigkeit, uns an die Unwirklichkeit des Ständigen und die Vergänglichkeit des Vollendeten zu erinnern.

ANDREA ANASTASIO
/ Designer

Eine Forschung als Ergebnis der Freiheit, die Foscarini seit jeher auszeichnet, ein Unternehmen ohne Fertigungsstätte, das von Ideen, von der Vorstellungskraft lebt. Eine Freiheit, die es möglich – vielmehr noch notwendig – macht, jedes Mal die Materialien und die angemessensten Erzeugungsarten zu erforschen, um jede neue Idee auf die beste Weise umzusetzen. Ein unterscheidender Ansatz im Sinne eines Industriebetriebs mit einer vollkommen handwerklichen Produktion. Eine Unternehmung, jenseits von geschäftlicher Logik, die der Identität von Foscarini innewohnt, welche seit jeher an die Innovation und ständige Sinnsuche glaubt.

„Erst wenn man das Saatfeld verlässt, hat man den Mut, sich neue Ideen vorzustellen. Erst wenn man Visionen lauscht und sie mit Menschen teilt, die anderen Welten angehören, versteht man, wohin es Sinn hat zu gehen. Erst wenn man die wahre Leidenschaft der Schöpfer teilt, begreift man den Sinn des Wortes Entwurf, in seiner reinen und authentischen Bedeutung.“

CARLO URBINATI
/ Präsident und Gründer von Foscarini

E-BOOK

BATTITI —
Foscarini Artbook series #1
Research & Developement

Laden Sie das exklusive E-Book herunter, das diese Forschung erzählt, welche sich nur vom Wunsch inspirieren lässt, neue Ausdruckssprachen, Bedeutungen und Arten der Lichtnutzung zu erforschen. Kritische Vertiefungen von Carlo Urbinati, Andrea Anastasio und Franco La Cecla. Fotos von Massimo Gardone.

Laden Sie das Buch herunter

Möchten Sie einen Blick darauf werfen?

Nachdem es vom ADI Design Index 2021 ausgewählt wurde, um für den Preis Compasso d’Oro zu konkurrieren, beginnt mit dem Frühjahr 2022 ein neues, wichtiges Kapitel für VITE, das multimediale Projekt von Foscarini, das ab Mai von Corraini in den besten Bookshops und Buchhandlungen der ganzen Welt vertrieben wird.

Corraini und Foscarini sind mit VITE wieder einmal vereint, der Erzählung anhand von Bildern, Videos und Worten, die eine andere Bedeutung von Zuhause erforscht, die Beziehung zu Licht, die Beziehung zwischen dem Leben in der Wohnung und ihrer Umgebung. Der Verleger – der mit dem Label der dekorativen Beleuchtung den Hang zum Experimentieren und ständigen Forschen teilt und mit dem er bereits für Book-zine Inventario zusammenarbeitet – vertreibt nun auch das Buch VITE von Foscarini in den besten Bookshops und Buchhandlungen seines Vertriebsnetzes.

VITE ist ein faszinierendes Redaktionsprojekt, mit dem Foscarini von Licht erzählt, ohne dabei jedoch seine Leuchten, deren Designer, Entwickler oder Hersteller in den Mittelpunkt zu stellen, sondern vielmehr mit Fokus auf den Menschen, die in den Räumen leben, die von diesen Leuchten erhellt werden.

View gallery

VITE, das 2020 präsentiert und vom ADI Design Index 2021 ausgewählt wurde, erzählt von einer Reise, die uns in verschiedenste Städte im Norden, Süden, Osten und Westen führt, in echte Wohnungen, in denen wir realen Menschen begegnen – in Begleitung des Künstlers, Fotografs und Videomakers Gianluca Vassallo und des Schriftstellers Flavio Soriga. Im Fokus und im Mittelpunkt der Erzählung stehen die Menschen, während der Blick frei durch persönliche, echte und somit auch unvollkommene Umgebungen wandert, fernab der für die Designbranche – in der Foscarini tätig ist – typischen Kommunikationsstrategien, in denen das Leben prägende Nicht-Perfekte oft ausgeklammert wird. Mit dem Projekt VITE sehen wir keine Fotokulissen mehr, sondern bewohnte, alltägliche Wohnungen, die uns hautnah Geschichten von den sie bewohnenden Menschen erzählen.

Erfahren Sie mehr über VITE und
laden Sie kostenlos Ihre digitale Kopie herunter

Gehen Sie zum Abschnitt VITE

Die Leuchte Mite kennzeichnete den Beginn der nunmehr historischen Zusammenarbeit zwischen Foscarini und Marc Sadler: ein Projekt, das sich den Normen widersetzt und dem entspricht, was der Designer als „Höhepunkte der Unvernunft“ bezeichnet, nämlich das Verlangen, sämtliche Eigenschaften eines Materials und einer Technologie zu erforschen.

Gemeinsam mit der Hängeleuchte Tite wurde Mite 2001 mit dem Compasso d’Oro ausgezeichnet, dem international renommiertesten Designpreis. Zwanzig Jahre sind seitdem vergangen, und wir finden, dass dieses Ereignis, wie der ikonische und zeitlose Charakter von Mite, angemessene Feierlichkeiten verdient.
So entsteht Mite Anniversario, die das ursprüngliche Konzept von Mite anhand von weiteren Experimenten und Änderungen fortentwickelt. Zu diesem besonderen Anlass interviewten wir Marc Sadler und führten ein interessantes Gespräch über Mite, Tite und über Beleuchtungsdesign.

 

WIE BEGANN DIE ZUSAMMENARBEIT MIT FOSCARINI FÜR DIE LEUCHTE MITE?

MS — „Ich lernte Foscarini zu einer Zeit kennen, in der ich in Venedig wohnte und Mite war das erste, gemeinsam entwickelte Projekt. Für mich war Foscarini ein kleines Unternehmen, das Glas erzeugte, weit entfernt von dem, was ich machte. Eines Tages lernte ich zufällig auf einem Linienboot einen der Teilhaber kennen. Als wir von unserer Arbeit und von dem, was wir machten, sprachen, bezog ich mich auf ein Thema, über das sie gerade nachdachten. Er bat mich, mir ein Projekt vorzustellen, das den ungewissen Touch von Glas hatte – diesen handwerklichen Aspekt, den man unmöglich beherrschen kann und der dafür verantwortlich ist, dass jeder Gegenstand eine eigene Persönlichkeit hat -, welches jedoch industriell mit einer ganzheitlicheren Vision erzeugt werden könnte. Wir verabschiedeten uns und gingen auseinander, nachdem wir uns versprochen hatten, darüber nachzudenken.“

 

WAS WAR DIE HAUPTIDEE, DIE DIESES PROJEKT ENTSTEHEN LIESS?

MS — „Ich war nach Taiwan unterwegs, wegen eines Projekts für Tennisschläger und Golfschläger für ein Unternehmen, das mit Glasfaser und Kohlenstofffaser arbeitete. Das ist eine Welt, in der die Produkte in großen Zahlen hergestellt werden, nicht nur ein paar Exemplare. Schläger sind bei ihrer Erzeugung, wenn sie gerade aus der Form kommen, wunderschön. Dann beginnt man mit ihrer Bearbeitung, sie werden gereinigt, feinbearbeitet, lackiert, mit verschiedenen grafischen Elementen bedeckt und so verlieren sie langsam diesen Zauber der Erzeugungsphase. Schließlich hat man einen Gegenstand voller Zeichen, die die eigentliche Struktur verbergen und das Endprodukt erscheint mir immer weniger interessant im Vergleich zum Produkt in seiner Anfangsphase. Für meine Arbeit als Designer ziehe ich das Produkt im Rohzustand vor, vor den Feinbearbeitungen, wenn es noch ein „mythisches“, wunderschönes Objekt ist, weil seine Materie vibriert. Als ich nämlich diese Objekte im Gegenlicht betrachtete, sah man die Fasern und ich bemerkte, wie das Licht die Materie durchdrang. Ich nahm mir ein paar dieser Muster und brachte sie nach Venedig. Gleich nach meiner Rückkehr rief ich Foscarini an und sagte ihnen, dass ich über eine Möglichkeit nachdachte, dieses Material zu verwenden. Auch wenn die aus Materialstücken hergestellte Glasfaser Grenzen bei ihrer ungewissen Bearbeitung hat, dachte ich über einen industriell zu erzeugenden Gegenstand nach. Foscarini diesen vorzuschlagen, war etwas gewagt, denn um seine Verwendung zu rechtfertigen, waren große Produktionsmengen notwendig, und außerdem war es kein vielseitiges und anpassungsfähiges Material. Wenn es uns jedoch gelingen würde, ihn in diesem faszinierenden Materialzustand zu behalten, wäre es eine schöne Gelegenheit, ihn auf ein Beleuchtungsprojekt anzuwenden.“

View gallery

WIE WAR DIE FORSCHUNGS- UND ENTWICKLUNGSPHASE?

MS — „Wir wandten uns an viele Betriebe, die dieselben Materialien und dieselben Techniken zur Erzeugung von Weinwannen oder Sportgeräte verwendeten, jedoch leider waren sie nicht bereit, an diesem Forschungsexperiment mitzuwirken. Wir verloren aber nicht den Mut und suchten weiter bis wir einen Unternehmer fanden, der mit diesem Material auch für seine persönlichen Experimente arbeitete (er hatte sich einen motorbetriebenen Deltagleiter gebaut). Er begeisterte sich für das Projekt und stand sofort dafür zur Verfügung. Er hatte einen Betrieb, der außergewöhnliche und besondere Angelruten herstellte, doch er beschloss, sich mit uns in die Welt der Beleuchtung zu stürzen. Er schickte uns Probemuster, die er selbstständig anfertigte und fragte uns um unsere Meinung zu neuen Harzen und neuen Geweben. Design entsteht durch Menschen, die agieren und miteinander interagieren. Das ist ein vollkommen italienischer Zauber. Oft wird in Unternehmen im Rest der Welt gewartet, dass der Designer kommt und wie ein Superheld alles komplett vollendet, schlüsselfertig, übergibt. Doch so ist das nicht: Um wirklich innovative Projekte umzusetzen, bedarf es eines ständigen Austauschs, wo man Probleme erörtert und gemeinsam löst. Ich arbeite gerne so.“

 

WURDEN LERNMODELLE UND -PROTOTYPEN ENTWICKELT?

MS — „Das erste Modell wurde mit einer traditionellen, geschlossenen Form ausgeführt. Dann kam uns die Idee, eine andere Technik – das ‚Rowing‘ – auszuprobieren, die auf der Umwicklung eines vollen Körpers mit Drähten basiert. Als ich die zu verwendenden Drähte betrachtete, fand ich Bündel, die als mangelhaft betrachtet wurden, da bei ihnen der Draht nicht vollkommen gerade, sondern leicht bebend erschien. Diese Art von Draht fand dann in der Endproduktion seine Anwendung. Die Fasern sind nicht alle gleichmäßig: Wir wollten diesen „Mangel“ hervorheben, der sich für uns in eine einzigartige Eigenschaft verwandelt hatte. Wir wollten uns vom Gefühl der technischen Natur befreien und den Wert der Handarbeit sowie einen warmen materiellen Touch hervorheben, wie man ihn in Italien zum Ausdruck bringen kann. Bei einem anfänglichen Prototypen hatte ich die Spitze mit einem 45-Grad-Schnitt abgetrennt und einen Autoscheinwerfer eingearbeitet. Wenn ich heute diesen ersten Prototypen sehe, stört er mich ein bisschen, doch das ist vollkommen normal, weil er den Beginn einer langen Forschungswegs darstellt. Um bei einem einfachen Produkt zu landen, muss man viel arbeiten. Am Anfang war mein Zeichen zu stark, beinahe gewaltsam. Foscarini konnte das beheben, und das ist richtig so, das ist Design. Es ist das richtige Gleichgewicht zwischen den Mitwirkenden, um zusammen ein gemeinsames Werk zu schaffen. Nur durch die Arbeit mit dem Unternehmen Foscarini, das mit Licht richtig umgehen kann, das der Transparenz und jener Wärme des Materials den richtigen Touch verleihen kann, gelang es uns, dass das Produkt die richtige Proportion und Echtheit erreichte. Wir konnten einen viel klareren, sauberen Gegenstand gewinnen, bei dem das Wichtige das Licht ist, das er erzeugt, die Transparenz des Körpers und die bebende Bewegung, die im Design zum Ausdruck kommt. Kein Gegenstand, der schreit, sondern ein sanftes Element, das in die Wohnung kommt.“

 

WAS SIND DIE SPEZIELLEN HERAUSFORDERUNGEN BEI EINEM PROJEKT MIT LICHT?

MS — „Nach dieser Leuchte und nach dieser Annäherung an Verbundwerkstoffe bekam ich so ein bisschen die Etikette des Designers, der Leuchten mit raffinierten Materialien erzeugt. Das stört mich nicht, im Gegenteil, es ist das, was wir gemeinsam mit Foscarini gerne machen. Wenn ich also heute bei meinen Forschungen etwas Interessantes finde, oder etwas, das für die Beleuchtungswelt noch nie verwendet wurde, ist Foscarini das Unternehmen, mit dem ich die beste Möglichkeit hätte, etwas Originelles und Innovatives zu entwickeln.“

 

WAS SIND DIE BEDEUTENDSTEN ASPEKTE DER BELEUCHTUNGSTECHNOLOGIE, DIE FÜR DIESES PROJEKT ANGEWANDT WURDEN?

MS — „Die Beleuchtungstechnologie hat sich in 20 Jahren sehr entwickelt, daher verwenden wir nun LED. Im Vergleich zur Technologie der Vergangenheit ist es ein bisschen, als würde man an den Unterschied zwischen einem Motor mit elektronischer Einspritzung und einem mit Vergaser denken. Auch mit dem Vergaser konnte man ausgezeichnete Ergebnisse erzielen, doch war ein Genie notwendig, der den Motor anhörte und dann alles händisch einstellte. Bei Mite war es in etwa ebenso. Bei der ersten Ausführung verwendeten wir ein ziemlich langes Leuchtmittel, das auf einer bestimmten Höhe positioniert war. Um den Schaft zu schließen, formten wir eine runde Scheibe aus verchromtem Metall mit gewissen Ecken, die wir mit verschiedenen Neigungen ausprobierten, um das Licht direkt nach oben zu reflektieren, jedoch auch um das Licht in den Leuchtenkörper fließen zu lassen, wo es das Material streift und eine Hintergrundbeleuchtung erzeugt. Natürlich setzte diese Technologie unserem Spielraum Grenzen, während man heute mit den LEDs den Lichteffekt genau dort erzeugen kann, wo man ihn haben will.“

 

WIE VERÄNDERTE SICH DIE ARBEIT DES DESIGNERS IN DIESEN ERSTEN 20 JAHRES DES NEUEN JAHRTAUSENDS?

MS — „Ich bin heute glücklich mit meiner Arbeit, weil ich das Gefühl habe, in die 70-er Jahre zurückgekehrt zu sein, als der Unternehmer eine sehr wichtige Rolle hatte und klare Vorhaben mit Zielen, einen Zeitplan und das entsprechende Geld auf den Tisch legte und, – da er wusste, bis zu diesem Zeitpunkt gut gearbeitet zu haben – die Absicht hatte, sich dort hinzubegeben, wo er noch nie war. Wahrscheinlich liegt es an dieser schwierigen Zeit aufgrund der Pandemie oder daran, dass es beginnt, mir schwerzufallen, mit den großen multinationalen Unternehmen wie denen im Osten zusammenzuarbeiten, jedoch denke ich, dass der Punkt gekommen ist, direkt mit den Unternehmern persönlich zu arbeiten.“

View gallery

WIE WICHTIG IST DER „TECHNOLOGIETRANSFER“ IN DESIGNFORSCHUNGEN?

MS — „Er ist von grundlegender Wichtigkeit. Meine Arbeit könnte man wie das Prinzip der kommunizierenden Gefäße sehen. Ich nehme etwas auf der einen Seite, „ziehe“ daran und bringe es auf eine andere Seite, um zu sehen, was passiert. Das habe ich mein ganzes Leben lang gemacht. In meinem Büro ist eine Werkstatt, wo ich mit meinen Händen etwas bauen oder alles reparieren kann und das hilft mir sehr. Es geht nicht darum, zu wissen, wo das „sky‘s limit“ ist, jedoch denke ich viel nach, bevor ich „Nein“ zu etwas sage, denn oft gibt es schon anderswo Lösungen und man braucht nur zu begreifen, wie man sie übertragen kann.“

 

DIESE LEUCHTE BESTEHT AUS EINEM SELBSTTRAGENDEN (TECHNOLOGISCHEN) „STOFF“: WELCHE IDEE VERBINDET TEXTILIEN MIT LICHTDESIGN?

MS — „Bei Mite ergibt sich die Bedeutung des Stoffs aus dem Vorteil, ein Muster zu schaffen, das das Licht vibrieren lässt, wenn es den Leuchtenkörper durchdringt, und es war nicht einfach den richtigen Stoff zu finden. Doch mit Stoff in seinen unendlichen Varianten kann man immer wunderschöne Dinge in Kombination mit Licht schaffen und mit Foscarini arbeiten wir daher daran, weiterhin zu experimentieren und neue Projekte zu entwickeln.“

 

WAS BEDEUTET DER NAME MITE UND DER DER HÄNGEAUSFÜHRUNG TITE?

MS — „Der Name leitet sich von einem französischen Wortspiel ab, das mich meine Mutter gelehrt hatte, als ich noch ein Kind war, um mich an den Unterschied zwischen den Kalkgebilden in Höhlen zu erinnern, die in die sich von unten nach oben bildenden Stalagmiten und die von oben nach unten hängenden Stalaktiten eingeteilt werden. Daher kommt die Idee für den Namen. Obwohl ich zuerst an die Logik der Form dachte, die weiter entfernt vom Boden oder von der Decke immer dünner wird – weshalb die Namen der beiden Leuchten umgekehrt sein müssten –, funktioniert diese Logik auch gut im Hinblick auf typologische Assonanz: die (Stalag)MITE stützt sich auf den Boden und die (Stalak)TITE hängt von der Decke.“

Es war im Jahr 1990 als Foscarini eine Leuchte aus geblasenem Glas vorstellte, die mit einem Dreibein aus Aluminium kombiniert war, welche aus der Zusammenarbeit mit dem Designer Rodolfo Dordoni entstanden war. Er interpretierte den klassischen Lampenschirm vollkommen neu. Diese Leuchte trug den Namen Lumiere.

Entdecken Sie Lumiere

Wann und wie entstand das Projekt Lumiere (die Idee, wer waren die ersten Beteiligten, die Befürworter)?

Das geschah vor vielen Jahren. Um mich daran zu erinnern, wer die Beteiligten waren, müsste ich mein Gedächtnis sehr anstrengen, was in meinem Alter vielleicht nicht so einfach ist.
Ich kann jedoch vom Kontext erzählen, in dem Lumiere entstanden ist. Es war eine Zeit, in der ich mit Foscarini an einer Art Veränderung des Unternehmens zu arbeiten begonnen hatte. Sie hatten sich wegen einer Generalregie an mich gewandt, die eine Art künstlerische Leitung der neuen Kollektion sein sollte, da sie die Unternehmensorganisation ändern wollten.
Foscarini war ein Unternehmen im Pseudo-Murano-Stil, denn es hatte seinen Sitz zwar in Murano, doch seine Mentalität war nicht ausschließlich auf Murano bezogen. Wir begannen an diesem Konzept zu arbeiten: Die Unternehmensidentität (Identität der Wurzeln des Unternehmens, also Murano-Glas) sollte beibehalten werden, doch sollte es sich im Vergleich zum Verhalten der anderen Betriebe aus Murano (nämlich Glasbrennofen-geblasenes Glas) von diesen unterscheiden, indem dem Produkt technologische Details hinzugefügt wurden, die es auszeichneten und Foscarini mehr zu einem Unternehmen der „Beleuchtungswelt“ und nicht für „geblasenes Glas“ machte. Dieses Konzept bildete damals die Leitlinien für das künftige Unternehmen Foscarini.

 

Wo entstand Lumiere? Und was führte zu seiner Form-Funktion (Designbeschränkungen, die Materialien geblasenes Glas und Aluminium)?

Auf Grundlage der Leitlinien, die ich gerade erwähnt habe, begannen wir, uns bei unseren Treffen Produkte vorzustellen und sie zu entwerfen. Bei einem dieser Treffen, ich glaube, wir waren noch im alten Betriebssitz in Murano, machte ich eine Skizze auf einem Zettel, eine wirklich kleine Zeichnung auf einem Blatt Papier, das vielleicht 2 x 4 cm groß war. Diesen Glasschirm mit einem Dreibein, nur um die Idee zu verstehen zu geben, Glas und Guss zu verbinden, und damals war Aluminiumguss ein sehr modernes, neues Thema.
Die Idee dieses kleinen Dreibeins mit dem Guss und dem Glas verkörperte eher ein allgemeineres Konzept als den Entwurf einer Leuchte: „Wie man nämlich zwei Elemente vereint, die charakteristisch für die künftigen Produkte des Unternehmens sein würden.“ Da war praktisch die Intuition.

 

Ein Moment, den Sie mehr als andere erinnern, wenn von Lumiere die Rede ist (ein Gespräch mit dem Auftraggeber, ein Versuch im Betrieb, der erste Prototyp)?

Nun, sicherlich den Moment, als Alessandro Vecchiato und Carlo Urbinati für meine Skizze, die Intuition, Interesse zeigten. Ich erinnere mich, dass Sandro die Zeichnung kurz ansah und sagte: „Schön, das sollten wir machen.“ In dieser Skizze erkannte man sofort das Produkt. Und auch ich dachte, dass diese Zeichnung ein richtiges Produkt werden konnte. Daraus entstand Lumiere.

 

Wir leben in einer „Wegwerfgesellschaft“. Was empfindet man, wenn man ein Erfolgsprodukt entworfen hat, das es bereits seit 25 Jahren gibt?

Es waren mit Sicherheit andere Zeiten. Früher, wenn man etwas entwarf, stellten die Betriebe auch Überlegungen zur Investition und zur Tilgung im Laufe der Zeit an. Daher waren die Dinge, die entworfen wurden, besonders gut durchdacht.
Heute sind die Unternehmen nicht anders. Was sich geändert hat, ist der Markt, das Verhalten des Konsumenten, das sehr „wechselhaft“ ist. Der Konsument von heute ist es aus anderen Warenbereichen (siehe Mode und Technologie) gewohnt, sich keine „langlebigen“ Dinge zu wünschen. Somit sind auch die Erwartungen, die die Unternehmen gegenüber den Produkten haben, mit Sicherheit beschränkter. Wenn ein Produkt (wie Lumiere) in Bezug auf Absetzbarkeit so lange besteht, bedeutet dies, dass es eigenständig ist. Es handelt sich also um ein Produkt, das nicht unbedingt auf die Trends der Zeit achtete. Genau aus diesem Grund, ist es irgendwie ansprechend. Und erweckt Gefallen. Sowohl beim Käufer als auch beim Designer.
Ich persönlich freue mich, dass Lumiere ein „Zeichen“ ist, das noch unverkennbar ist und Reiz besitzt!

 

Auf welche Weise konnte dieser Kontext auf der Haut und im Gedächtnis des Menschen und Architekten Rodolfo Dordoni „seine Spuren hinterlassen“, wenn er das wirklich tat?

Ich denke an zwei wichtige Momente, die meine Arbeit prägten. Der erste ist die Begegnung mit Giulio Cappellini, der mein Studienkollege an der Universität war. Später war ich sein Arbeitskollege. Als wir nämlich die Universität abgeschlossen hatten, bat er mich, mit ihm im Unternehmen zu arbeiten. Dank dieser Begegnung konnte ich die Designwelt „von innen“ kennenlernen. 10 Jahre lang arbeitete ich in der Einrichtungsbranche und konnte sie in all ihren Aspekten kennenlernen. Ich kann also behaupten, dass ich „praxisbezogen“ die gesamte Designproduktkette kenne.
So komme ich gleich zum zweiten meiner wichtigen Momente.
Dank dieser „Praxisbezogenheit“, diesen Kenntnissen in der Branche, wissen die Unternehmen, die sich an mich wenden, dass sie mich nicht nur um ein Produkt fragen, sondern um einen ganzen Gedankengang. Oft passiert es, dass dieser Gedankengang dazu führt, mit den Unternehmen Beziehungen aufzubauen, die sich in einen langen Austausch, lange Unterhaltungen verwandeln. Diese Gespräche helfen dabei, das Unternehmen kennenzulernen. Das Unternehmen gut zu kennen, ist ein grundlegender Bestandteil bei der Projektanalyse. Ich mag es besonders – und da bin ich ein bisschen verwöhnt -, mit Leuten zu arbeiten, mit denen ich so etwas wie ähnliche Absichten und zu erreichende Ziele teile. So kann man gemeinsam wachsen.

 

90er Jahre: Beim „Googlen“ erscheinen die Spice Girls, Take That und Jovanotti mit „È qui la festa?“, doch auch „Nevermind“ von Nirvana und der Song „Born Slippy“ von Underworld aus dem Soundtrack des Films „Trainspotting“. Was kommt Ihnen in den Sinn, wenn Sie an Ihre 90er Jahre denken?

Die 90er Jahre waren für mich der Beginn eines fortschreitenden technologischen Unverständnisses. Damit möchte ich sagen, dass ich das, was nach der Musik-LP kam, technologisch gesehen nicht mehr zu verstehen begann. Als ich noch ein Junge war, kritisierte ich oft meinen Vater, weil ich ihn technologisch altmodisch fand. Nun gut, seine Rückständigkeit war im Vergleich zu mir gar nichts, wenn ich z. B. an meine „technologische Rückständigkeit“ im Vergleich zu meinen Enkelkindern denke. Sagen wir, dass in den 90er Jahren meine „technologische Isolation“ begann!

 

Was blieb für den Designer Rodolfo Dordoni unverändert?

Die Zeichnung. Die Skizze. Die Linie.

Choose Your Country or Region

Europe

Americas

Asia

Africa

Register

Already have an account?

Hai gia un account?

Registrazione

SCEGLI UN PROFILO

Reset Your Password

Remembered?

Don't need to reset?

Password dimenticata?

Scarica VITE 1
Scarica VITE 2

Formular erfolgreich übermittelt!

Fehler beim Übermitteln des Formulars

Laden Sie das Buch herunter

BITTE DIESES FELD KORREKT AUSFÜLLEN
BITTE DIESES FELD KORREKT AUSFÜLLEN
BITTE DIESES FELD KORREKT AUSFÜLLEN
BITTE DIESES FELD KORREKT AUSFÜLLEN
BITTE DIESES FELD KORREKT AUSFÜLLEN
BITTE DIESES FELD KORREKT AUSFÜLLEN
BITTE DIESES FELD KORREKT AUSFÜLLEN
BITTE DIESES FELD KORREKT AUSFÜLLEN
MAXIMAL 15 ZEICHEN
BITTE DIESES FELD KORREKT AUSFÜLLEN
BITTE DIESES FELD KORREKT AUSFÜLLEN
BITTE DIESES FELD KORREKT AUSFÜLLEN
BITTE DIESES FELD KORREKT AUSFÜLLEN
Grazie per la tua richiesta