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Oscar Pettersson hat sich von den Geschichten inspirieren lassen, die zur Konzeption und Kreation einiger der beliebtesten Modelle der Kollektion geführt haben, und hat die Lampen zum Leben erweckt, indem er ihr Design in faszinierenden Videos in Endlosschleifen erzählt.

Und so wird das leuchtende Herz der Lampe Satellight von Eugeni Quitllet zu einem schwebenden Lichtfragment, das auf der Suche nach Freiheit ist. Le Soleil von Garcia Jimenez dreht sich um sich selbst und balanciert auf magische Weise eine Metallkugel auf dem Rand eines seiner unverwechselbaren unregelmäßigen Bänder. In einem anderen Video interagiert Giulio Iachettis Magneto mit der charakteristischen magnetischen Kugel, fast wie ein Schlangenbeschwörer, der seine Kobra hypnotisiert, während eine Gruppe von Twiggy-Lampen von Marc Sadler in einer anmutigen Choreografie tanzt, die die Flexibilität ihres Stiels hervorhebt. Das rhythmische Schaukeln eines Pendels in den Aplomb-Pendelleuchten von Lucidi und Pevere verzaubert und beruhigt, während eine Reihe von Lichtkugeln wie Moleküle durch den Raum fliegen und durch ihre Kollision zur organischen, unregelmäßigen Form von Gregg verschmelzen (Design: L+R Palomba).

Willst du mehr über die Kreativität dieses talentierten Künstlers erfahren? Dann lies unbedingt unser Exklusiv-Interview.

Erzähl uns über deine Karriere als Künstler: Wie bist du zur digitalen Kunst gekommen und was motiviert dich zu deiner Arbeit?

Ich habe an einer Schule namens Hyper Island studiert, als mir klar wurde, dass Animation der Bereich ist, in dem ich mich perfektionieren möchte. Ich habe mit 2D-Animation begonnen, mich dann aber mehr und mehr in Richtung 3D orientiert und bin jetzt seit 7 Jahren 3D-Animator. Das Gefühl, das man hat, wenn man an etwas arbeitet und merkt, dass etwas Gutes dabei herauskommt, ist unbezahlbar. Es ist dieses Gefühl, das mich motiviert, so lange zu schaffen, bis ich schließlich etwas Gutes geschaffen habe. Kurz gesagt: Etwas Schönes zu schaffen, gibt mir ein gutes Gefühl.

Deine Loop-Animationen sind zugleich zart und hypnotisch. Wie sieht der kreative Prozess hinter deinen Kunstwerken aus?

Mein Prozess ist iterativ. Ich erstelle mehrere schnelle 3D-Animationen, die verschiedene Konzepte und Ideen darstellen. Dann wähle ich ein paar aus und bearbeite sie weiter, bis etwas Interessantes entsteht.
In der Regel kann man ein “visuelles Problem” identifizieren, dem eine “visuelle Lösung” entsprechen muss. Wenn es gelingt, das Problem zu erkennen, kann man eine Lösung schaffen… eine Lösung, die schön anzusehen ist! Es gibt ein visuelles Problem und eine visuelle Lösung. Wenn es mir gelingt, ein Problem zu finden, kann ich eine Lösung schaffen – eine Lösung, die schön anzuschauen ist. Ich glaube, dass hinter jedem Problem immer ein interessantes Konzept steckt, das es zu entdecken gilt.

Wie hast du deinen unverwechselbaren Stil entwickelt, bei dem du diese surrealen Situationen, die die Grenzen des physikalisch Möglichen überschreiten, darstellst?

Mein Stil ergibt sich aus dem, was ich gerne mache. Und jedes Werk, das ich schaffe, hilft mir mehr und mehr, die Richtung zu verstehen, in der ich weiter arbeiten möchte. Perfektes Timing gibt es in der realen Welt nur selten, also erschaffe ich es für meine Betrachter, damit sie Perfektion schätzen und genießen können, immer und immer wieder, unendlich oft.

Sprechen wir über deine Inspirationsquellen: Deine Arbeit erfordert einen kreativen Ansatz und die Fähigkeit, die Realität aus einer anderen und originellen Perspektive zu betrachten. Wie machst du das?

Ich lasse mich stark von Technik und Mechanik inspirieren. Dann kombiniere ich diese Komplexität mit Einfachheit und versuche, Widersprüche darzustellen, ich weiß nicht, einen Kaktus umarmen, Metall weich oder Federn schwer machen. Während des gesamten Prozesses bin ich immer offen dafür, zurückzugehen, zu wiederholen und den Prozess auf jede erdenkliche Weise und zu jeder Zeit zu verändern. Dieser Modus führt in der Regel dazu, neue, andere, kreative Perspektiven zu finden.

Was hat dich bei dem Projekt „What’s in a lamp?“ mit Foscarini inspiriert?

Das Design der Produkte ist erstaunlich, ich musste nur eine interessante Art und Weise finden, ihre Geschichten und besonderen Merkmale durch Animation darzustellen. Ein gutes Design ist für einen Animator immer eine Quelle der Inspiration.

Was ist deine Lieblingsanimation in der Serie und warum?

Von der Animation her mag ich Magneto und von der Ästhetik her würde ich das rote Video mit Twiggy wählen.

Was bedeutet Kreativität für dich?

Kreativität? Kreativität bedeutet, interessante Lösungen für interessante Probleme zu finden.

Noma Bar ist zweifelsohne einer der innovativsten Illustratoren der internationalen Gegenwartsszene. Der in Israel geborene Künstler lebt und arbeitet in London und ist international für seinen originellen Stil bekannt, der sich an der Schnittstelle zwischen Illustration, Kunst und Grafikdesign bewegt. Wenige Farben, einfache Linien und ein perfektes formales Gleichgewicht erzählen die Geschichten, die sich in den Details verbergen. Bei der Betrachtung seiner Werke fällt immer wieder eine ungewöhnliche kreative Wendung auf: Der Geist wird dazu gebracht, sekundäre Elemente wahrzunehmen, die das Auge nicht sofort erfasst. Es handelt sich um Illustrationen, die einen besonderen Moment der Aufmerksamkeit erfordern, denn der Blick ist nicht alles, und es gibt etwas darüber hinaus: Der Schlüssel liegt darin, zu sehen, was andere nicht sehen, dort hinzusehen, wo andere nicht hinsehen.

Seine Arbeiten sind in vielen Magazinen, auf Titelseiten und in Publikationen erschienen, darunter The New Yorker, The New York Times, The Economist, Internazionale, Wallpaper*, Esquire und The Guardian, um nur einige zu nennen.

In dieser Serie für das Projekt „What’s in a lamp?“ – das den Instagram-Feed @foscarinilamps in eine virtuelle Kunstgalerie verwandelt, einen Raum, der bekannten und aufstrebenden Vertretern der Welt der visuellen Kunst offensteht, inspiriert durch die Kollektionen von Foscarini – werden unsere ikonischsten Lampen zu Charakteren im kreativen Universum von Noma. Durch den geschickten Einsatz der Technik des „negativen Raums“ sind die Lampen die Protagonisten in sechs minimalistischen Bildern, die bei genauer Betrachtung mehrere Interpretationsebenen, Geschichten und Empfindungen offenbaren. Komplexe und doch überraschend einfache künstlerische Ausdrucksformen, eine Gemeinsamkeit zwischen der Herangehensweise des Künstlers und der von Foscarini: das Wesentliche freisetzen, um den Blick anzuziehen und zu fesseln.

In diesem Interview erzählt uns Noma Bar mehr über seine Kunst und seine Zusammenarbeit mit Foscarini.

Erzähl uns von den Anfängen deiner Karriere als Künstler. Wie hat alles begonnen? Wusstest du schon immer, dass du das machen wolltest?

Künstler zu werden war mein Kindheitstraum. Ich habe schon immer gezeichnet, seit ich mich erinnern kann. Als Kind habe ich immer gezeichnet, gebastelt, mit Kunst und Kunsthandwerk experimentiert. Es macht mir Spaß, die Menschen um mich herum zu porträtieren, meine Familie, meine Nachbarn, meine Freunde… Es war mir immer klar, dass es das war, was mir gefiel und was ich machen wollte, wenn ich erwachsen bin.
Ich habe Grafikdesign studiert und mein Studium an der Bezalel Academy of Arts and Design im Jahr 2000 abgeschlossen. Bald nach meinem Abschluss zog ich nach London und begann, Postkarten mit meinen Illustrationen an einige Verlage zu schicken. Auf diese Weise erhielt ich kurz darauf meinen ersten Auftrag.

Wie würdest du deine Arbeit beschreiben, die sich an der Schnittstelle zwischen Illustration und Grafikdesign bewegt? Du hast deine Kunst einmal als „brief illuminations“ („kurze Illuminationen“) bezeichnet, könnest du uns mehr darüber erzählen?

Ich würde meine Arbeit als ‚Graphic Art‘ bezeichnen, weil sie in ihrer Ästhetik zwar grafisch ist, vom Wesen her aber eher mit Kunst und Illustration zu tun hat. Meine persönlichen Projekte hingegen betrachte ich einfach als „Kunst“, und wenn ich gebeten werde, ein Werk auf der Grundlage einer bestimmten Geschichte oder eines bestimmten Auftrags zu schaffen, dann ziehe ich den Begriff „Illustration“ vor.
„Brief Illuminations“ ist meine Art, komplexe Themen mit einer einfachen Illustration zu destillieren und zu vereinfachen.

In diesem Projekt sind die Foscarini-Lampen Teil einer Serie, die untersucht, welche Rolle die Lampen bei der Umwandlung eines „Raums“ in ein Zuhause spielen. Gibt es Objekte, die dir das Gefühl geben, zu Hause zu sein, egal wo du bist?

Mein Vater war Holzfäller und in meiner Kindheit benutzte er diese Postkarte als Begleitbrief. Dieses Bild und die grafische Dualität des Baumstamms und der Beine des Kindes haben mir schon immer gefallen.
Die Postkarte liegt auf meinem Schreibtisch und gibt mir immer das Gefühl, zu Hause zu sein.

Als du über deine Inspirationsquellen sprachst, sagtest du einmal: “Ich sehe dorthin, wo die meisten Leute nicht hinsehen”. Wie hast du begonnen, die Dinge aus einer anderen Perspektive zu betrachten?

Ich glaube nicht, dass es einen bestimmten Moment gibt, es ist eine Entwicklung, die zu einer Lebenseinstellung wird, eine ständige Suche nach dem Außergewöhnlichen im Gewöhnlichen.
Nehmen wir das Kochen als Metapher: In diesem Fall geht es darum, mit den uns vertrauten Lebensmitteln neue Geschmacksrichtungen zu entdecken. Ich kann nicht erklären, wie es geschieht.

In deinen Werken finden sich komplexe Ideen, die mit überraschender Einfachheit dargestellt werden. Foscarini verfolgt beim Design eines Produkts einen ähnlichen Ansatz, der darauf abzielt, das Wesentliche zu befreien und direkt zum Herzen zu gelangen. Wie sieht der kreative Prozess hinter deinen minimalistischen Illustrationen aus?

Wenn ich mit der Arbeit an einem bestimmten Auftrag beginne, ist das erste Gefühl, das ich habe, als müsste ich in einen Süßwarenladen gehen, um eine einzige Süßigkeit auszuwählen. Ich suche meine Ideen vor allem in Highgate Woods (gleich gegenüber meinem Atelier). Ich setze mich dort mitten in den Wald, lese und skizziere meine Ideen. Dann gehe ich zurück ins Atelier und zeichne die besten Ideen am Computer.

Welches ist dein Lieblingsthema beim Zeichnen?

Das ist eine einfache Frage: Ich zeichne ständig die Menschen und Gesichter, denen ich begegne.

Deine Arbeit erfordert eine Menge Kreativität. Wie hältst du sie lebendig?

Ich bin ständig auf der Suche nach Kreativität, nach neuen Ideen. Ich gehe viel spazieren und verbringe jeden Tag mehrere Stunden in der Natur, um zu beobachten, wie sich der Wald täglich und im Zyklus der Jahreszeiten verändert. Die Tage ähneln sich, aber jeder Tag ist anders, und es sind diese kleinen Unterschiede, auf die ich meine Aufmerksamkeit richte.

Was hat dich bei diesem Projekt mit Foscarini inspiriert? Welche Illustrationen gefallen dir am besten und warum?

Ich liebe schöne und zeitlose Silhouetten, und es war beglückend für mich, mit den schönen, ikonischen Silhouetten von Foscarini zu arbeiten. Die Auseinandersetzung mit Foscarini begann damit, dass ich über „das Zuhause“ sprach, was mich dazu inspirierte, vertraute, intime, alltägliche Situationen – innerhalb und außerhalb des Hauses – zu finden, in die die Lampen von Foscarini wunderbar passen würden.

Welche Illustrationen gefallen dir am besten und warum?

Der Hund Lumiere ist wahrscheinlich meine liebste Illustration. Ich glaube, es überrascht euch (wie auch mich), wenn ihr feststellt, dass der Körper von „Lumiere“ zur Nase eines kleinen Hündchens wird, der Sockel der Lampe zum Maul und das Licht, das sie erzeugt, zum Fell der Schnauze.

Was bedeutet Kreativität für dich?

Ich bin manchmal gebeten worden, Kreativität zu beschreiben. Das Bild, das ich am liebsten verwende, um sie zu beschreiben, ist dieses, das ich kreiert habe: eine Gans, die den Kopf in den Sand steckt, ein Symbol für das Ignorieren, aber gleichzeitig streckt die Gans den Kopf heraus und schaut sich um – was bedeutet, dass es wichtig ist, nicht völlig weltfremd zu sein. Es passieren so viele Dinge, ständig tauchen neue Trends auf, und ich fühle mich ein bisschen wie diese Gans: Ich stecke den Kopf in den Sand, um die rasanten Veränderungen des visuellen Geschmacks zu ignorieren, aber in Wirklichkeit erinnert mich der zweite Kopf der Gans daran, auf dem Laufenden zu bleiben und meine Fühler auszustrecken.

Luca Font wurde 1977 in Bergamo geboren, er lebt in Mailand und New York, der Wiege der Graffiti-Kultur. Die Leidenschaft für Graffiti kennzeichnet seine Anfänge als Künstler. Züge und Mauern, Tattoos, Papier und digitale Kunst: Luca Fonts visuelles Universum besteht aus heterogenen Medien, die durch einen transversalen und unverwechselbaren Stil verbunden sind, der eine ausgeprägte Vorliebe für Abstraktion, Grafikdesign und Typografie erkennen lässt. Sein Schaffen ist gekennzeichnet durch die ständige Suche nach einer visuellen Synthese sowie einer grafischen Darstellung, die Minimalismus und Ausdruckskraft miteinander verbindet.

In der Reihe von Illustrationen, die Font für Foscarini geschaffen hat, stellt er optisch die Rolle des Lichts und der Lampen von Foscarini dar, die eine Umgebung definieren und ihr Persönlichkeit verleihen, sowohl in der Nacht – wenn sie eingeschaltet sind – als auch am Tag – wenn sie ausgeschaltet sind. Sechs Illustrationen bilden eine Art zirkadianen Zyklus über 24 Stunden, in dem das Haus durch eine pareidolithische Illusion seine eigene Persönlichkeit entwickelt.

Erzähl uns, wie deine Künstlerkarriere begann. Wie hat alles begonnen? Wusstest du schon immer, dass du Künstler werden wolltest?

Ich habe schon als Kind gezeichnet und in meiner Jugend mit Graffitis begonnen, was viele Jahre lang mein wichtigstes Schaffensgebiet war. Ich habe nie eine formale Kunstausbildung erhalten und überhaupt nicht die Möglichkeit in Betracht gezogen, meinen Lebensunterhalt mit dem Zeichnen zu verdienen, bis sich mir fast zufällig die Gelegenheit bot, das Tätowieren zu erlernen, und ich ergriff sie sofort. Im Jahr 2008 verließ ich die Welt der Kommunikation, ohne zu zögern, und das hat alles verändert.

Deine grafische Handschrift ist sehr deutlich, markant und unverwechselbar. Wie würdest du deinen Stil beschreiben und wie hat er sich durch deine Erfahrungen entwickelt?

Ich bin mit den Grafiken von Videospielen und Skateboards aufgewachsen. Meine Mutter unterrichtete Kunstgeschichte, aber mir gefielen diese kraftvollen und eindrucksvollen Illustrationen immer besser als die Altarbilder von Mantegna. Das hat wahrscheinlich dazu beigetragen, dass ich bei Graffitis und später bei allem anderen immer einen sehr grafischen Ansatz verfolge. Immer, wenn ich etwas zeichne, egal ob es ein handtellergroßes Tattoo oder eine dreißig Meter lange Wand ist, ziele ich auf die Synthese, die Lesbarkeit und die unmittelbare visuelle Wirkung ab und obwohl ich mit vielen unterschiedlichen Medien arbeite, versuche ich immer, eine Formensprache zu verwenden, die meinen Werken Kohärenz verleiht.

In diesem Projekt hast du untersucht, wie die Lampen von Foscarini den Raum verändern – bei Nacht und bei Tag, wenn sie eingeschaltet und wenn sie ausgeschaltet sind. Erzähl uns mehr über die Inspiration hinter dieser Serie.

Der interessanteste Teil der Arbeit mit Kunden ist die Möglichkeit, mit ihnen sprechen und vor allem, ihnen zuzuhören, was grundlegend ist um neue Blickwinkel und Sichtweisen zu entdecken. Aus der Auseinandersetzung mit Foscarini ging von Anfang an die Bedeutung des Lichts in Bezug auf den Raum hervor: Licht nicht nur in der Nacht, das natürlich künstlich ist und von den Lampen erzeugt wird, sondern auch am Tag, wenn die Lampen als Designobjekte eine andere Dimension erhalten. Hier werden das Licht (oder besser gesagt die verschiedenen Arten des Lichts) und die Lampen von Foscarini zu zwei Elementen, die je nach Tageszeit auf unterschiedliche Weise dazu beitragen, die Persönlichkeit des Hauses zu definieren, die wiederum die Persönlichkeit derjenigen widerspiegelt, die es einrichten und bewohnen.

Gibt es Objekte, die dir das Gefühl geben, zu Hause zu sein, egal wo du bist?

Ich war in den vergangenen zehn Jahren ständig auf Reisen und was mir jedes Mal das Gefühl gibt, meinem Zuhause etwas näher zu sein, sind die Kameras, die ich immer bei mir habe. Sie schaffen in gewisser Weise eine Verbindung zwischen den Orten, an denen ich mich befinde, und dem Ort, an den ich mit einem Stück von jeder Reise zurückkehre.

Was denkst du über Foscarini? Wie beschreibst du die Arbeit mit dem Unternehmen an diesem Projekt?

Ich habe sofort eine große Harmonie gespürt weil sich die Philosophie, die das Unternehmen verfolgt, um die Konzepte der Individualität und Personalisierung dreht, und auf diesen Konzepten basiert meine Arbeit. Jedes einzelne Objekt ist ein eigenständiges Projekt. Ich glaube nicht an Standardlösungen, weil ich überzeugt bin, dass man sich sowohl in der Ästhetik als auch begrifflich ständig weiterentwickeln muss.

Was sind die Quellen für deine Inspiration und wie förderst du deine Kreativität?

Meine Inspirationsquellen sind sehr vielfältig, oft fast zufällig. Meine Inspiration kommt aus der gezielten Suche aber auch aus dem Alltag: Wir sind so sehr daran gewöhnt, von visuellen Reizen umgeben zu sein, dass wir im Allgemeinen nicht darauf achten, was wir sehen, während es bei der Suche nach der richtigen Idee in den meisten Fällen am besten ist, vom Zeichenblatt aufzustehen und einen Spaziergang zu machen, um sich ziellos umzuschauen.

Wie sieht dein kreativer Schaffensprozess aus?

Das hängt sehr stark davon ab, was ich machen muss. Oft verarbeite ich Ideen, indem ich sie im Hintergrund ruhen lasse, während ich etwas anderes mache. Dann zeichne ich sehr grobe Entwürfe auf Papier, die ich dann digital bearbeite und schließlich wieder auf Papier oder Leinwand bringe. Immer öfter arbeite ich ausschließlich mit digitalen Medien, aber ich beschäftige mich noch immer am liebsten mit der Herstellung physischer Kunstwerke.

Was entwirfst du am liebsten?

Ohne Zweifel Architektur und Objekte mit Kanten.

Welche Illustration(en) dieser Serie gefallen dir am besten und warum?

Tatsächlich hat mir nicht so sehr eine einzelne Illustration gefallen, sondern die Tatsache, dass ich die Möglichkeit hatte, mit den sechs auf zwei Zeilen verteilten Motiven eine symmetrische Serie zu schaffen, die den Zyklus von Tag und Nacht erzählt. Das Erzählen von Geschichten ist ein wesentlicher Teil jeder visuellen Arbeit und die Ästhetik sollte niemals ein Selbstzweck sein.

Was bedeutet für dich Kreativität?

Für mich ist Kreativität auf jeden Fall ein organischer Prozess, der untrennbar mit dem Alltag verbunden ist.