Francesca Gastones Surreale Mikrokosmen mit Foscarini-Lampen

Francesca Gastone, Absolventin der Architektur am Politecnico di Milano und spezialisiert auf redaktionelle Illustration, schöpft ihre Inspiration aus ihren Erfahrungen in Metropolen wie São Paulo und Hongkong. Ihre Illustrationen erfassen die Essenz menschlicher Interaktionen, Emotionen, die Einzigartigkeit jedes Einzelnen in der Menge, während ihre Ausbildung in Architektur sich in der sorgfältigen Raumgestaltung und Komposition zeigt.

In ihrer Serie für “What’s in a lamp?” illustriert Francesca Gastone mit der Technik des digitalen Collagens Lebensgeschichten, die sich um eine Auswahl von Lampen aus der Foscarini-Kollektion formen. In diesen eindrucksvollen Illustrationen beleuchtet jede Lampe Episoden des täglichen Lebens in Mikro-Welten, die gleichzeitig vertraut und surreal erscheinen und entwickelt Erzählungen, in die einzutauchen natürlich ist und Protagonisten skizziert, mit denen wir uns identifizieren können. Visuelle Geschichten, die wie Brücken zu den Lampen, die sie zum Leben erwecken, Wege zeichnen, die uns ihrem Licht näher bringen.

In diesem exklusiven Interview gibt Gastone Einblicke in ihren kreativen Prozess und verfolgt ihre Reise von einer kindlichen Faszination für das Zeichnen bis hin zu ihrer Entwicklung als Illustratorin und Architektin. Sie geht auf die Inspiration hinter ihrer Zusammenarbeit mit Foscarini ein und teilt die Einflüsse, die ihre künstlerische Vision prägen.

Hallo, Francesca! Können Sie uns etwas über sich selbst und Ihre künstlerische Reise erzählen? Wann haben Sie mit dem Zeichnen begonnen und wann haben Sie erkannt, dass Sie Illustratorin werden wollen?

Das Zeichnen ist mir immer leicht gefallen, und meine Liebe zur Kunst in all ihren Formen führte dazu, dass ich eine Kunstschule absolvierte und später einen Abschluss in Architektur machte. Ich begann als Architektin in Italien zu arbeiten und dann in São Paulo, Brasilien, und Hongkong. Mein erster Kontakt mit der Illustration ergab sich zufällig aus der Notwendigkeit heraus, Innenarchitekturprobleme zu lösen. Während meiner Zeit in São Paulo, einer kulturell reichen Stadt, fand ich fruchtbaren Boden, um in diese Welt einzutauchen: Ich begann, immer mehr Zeitschriften und illustrierte Bücher zu kaufen, besuchte Workshops und Kurse, hatte aber nur wenig Bewusstsein dafür, wie die Illustration zu einem echten Beruf werden könnte. Die Geburt meiner Tochter Olivia fiel mit meinem Umzug nach Hongkong zusammen. Diese Zeit, gekennzeichnet durch langsame, aber intensive Rhythmen, Entdeckungen, Neugierde und eine echte Vertiefung in Bilderbücher, war ein Wendepunkt. Eines Tages nahm ich ein Flugzeug nach Shanghai und verbrachte drei Tage damit, meine Werke (zu dieser Zeit noch sehr roh) auf der Shanghai Children’s Book Fair zu präsentieren. Ich sammelte nicht viel, aber ich verstand, dass es ein echter, erreichbarer Weg war, und die Illustration wurde zur Notwendigkeit. Ich hatte jedoch das Gefühl, dass mir solide Grundlagen fehlten, also beschloss ich 2021, mich für ein Masterstudium in Mailand einzuschreiben. Ab diesem Moment änderte sich meine Perspektive auf diesen Beruf, und ich erkannte, dass die Illustration in der richtigen Menge alles umfasste, was ich liebte.

Wie vereinen und beeinflussen sich die beiden Seelen von Francesca Gastone, der Architektin und der Illustratorin?

Sie existieren ständig nebeneinander und beeinflussen sich gegenseitig in dem Maße, dass es manchmal schwierig ist zu unterscheiden, wo die eine endet und die andere beginnt. Ich erinnere mich, dass ich im Alter von 7 Jahren nur Dächer und Fliesen gezeichnet habe, und mein Lehrer sagte meiner Mutter scherzhaft, dass ich Architekt werden würde. Ob es ihr unerschütterliches Vertrauen in ihr Urteil oder eine echte Neigung war, die mich motivierte, ich nahm diese Worte als Offenbarung an, als hätte ich ein Geschenk erhalten, und der Weg vor mir war auf wundersame Weise klar geworden. Das Bild des Architekten erschien mir magisch und unglaublich mächtig; niemand in meiner Familie hatte jemals diesen Beruf gewagt. Diese Anekdote zaubert mir heute noch ein Lächeln aufs Gesicht, und ich glaube, die Architektur bleibt eine meiner größten Leidenschaften; ich verdanke ihr viel. Im Laufe der Jahre, und nachdem ich auf drei Kontinenten mit unterschiedlichen Ansätzen zur Arbeit des Architekten gelebt habe, wurde mir klar, dass diese Rolle für mich oft beengend war. Die Illustration löste auf seltsame Weise viele Dinge, die in mir ungelöst waren, aber die Wahrheit ist, dass ich mich auch dann wie eine Architektin fühle, wenn ich illustriere. Die polytechnische Schule hat mir eine Methode eingeflößt, die ich fast unbewusst auf jeden Aspekt meines beruflichen Lebens anwende. Es ist ein unschätzbares, aber manchmal auch belastendes Gepäck, das mich oft in Muster einschließt, aus denen ich schwer herauskomme.

Wie würden Sie Ihren künstlerischen Stil beschreiben, und wie hat er sich im Laufe der Zeit entwickelt?

Tatsächlich begann ich damit, das zu tun, was ich in der Architektur immer gemacht habe, aber anstelle von Bauplänen und technischen Zeichnungen begann ich, imaginäre und metaphorische Strukturen zu erschaffen und sie zum Leben zu erwecken. Architektur geht nicht nur um Gebäude; es ist ein Werkzeug, um jedes Thema zu erforschen, weil es in uns allen widerhallt. Menschen können nicht nur physische Räume bewohnen, sondern auch Emotionen, Empfindungen und Ideen. Wir haben die Macht zu entscheiden, wie viel von uns wir investieren wollen, ob wir einen Raum füllen oder ihn leer lassen – einen leeren Raum, eine Stille, sowohl physisch als auch konzeptionell zu schaffen. Das ist es, was mich antreibt. Oft spiele ich wie bei Foscarini mit Kontrasten und verwandle Objekte in kleine bewohnte Welten. Die resultierende Überraschung ist mein Maßstab für Erfolg; Wenn es mir gelingt, Staunen hervorzurufen, weiß ich, dass ich gute Arbeit geleistet habe. Ein weiterer entscheidender Aspekt ist die Collage: Während ich manchmal Elemente abstrahiere, um ein Thema schnell zu vermitteln, integriere ich immer echte Charaktere und Gegenstände. Diese Verbindung zur Realität ist mir wichtig, und ich wähle ihre Ausdrücke, Positionen und Blicke sorgfältig aus.

Was ist Ihre größte tägliche Inspirationsquelle, und wie pflegen Sie Ihre Kreativität?

Ohne Zweifel sind Menschen und ihre Vielfalt meine wichtigste Inspirationsquelle. Meine Illustrationen schreien selten eine direkte Botschaft heraus, sie werden irgendwie zu Manifesten. Stattdessen zeichnen sie ein Bild einer idealen Zukunft für mich. Sie zeigen überwiegend Menschen; das menschliche Element ist entscheidend für die Interpretation des Bildes selbst. Das Leben in pulsierenden Metropolen wie São Paulo und Hongkong hat meine Wahrnehmung des Lebens anderer geschärft und mir ermöglicht, die Einzigartigkeit innerhalb der Vielzahl zu erkennen. Vielleicht liebe ich deshalb große Städte: Dieses gemeinsame Identitätsgefühl ist häufiger und fühlt sich greifbarer an, fast notwendig. Ich pflege meine Kreativität, indem ich beobachte und kontinuierlich Themen, Orte und Atmosphären durch Fotografie einfange; mein Computer ist voller unzähliger Ordner mit Bildern, die ich immer wieder besuche und je nach Bedarf nutze. Allerdings wäre nichts davon ohne kontinuierliches Studium und eine unersättliche Neugier auf die Vergangenheit (was bereits getan wurde, die Meister, das Gepäck, das wir tragen) sowie auf die Gegenwart möglich. Wir leben in einer Ära, in der Reize übermäßig und überall vorhanden sind, und wir müssen unsere eigene kritische Perspektive entwickeln. Ich glaube, das ist extrem wichtig.

Erzählen Sie uns, wie die Zusammenarbeit mit Foscarini zustande kam.

Foscarini war als Architektin ständig in meinem Leben präsent, von ihren Produkten bis hin zu Inventario. Mit ihnen zusammenzuarbeiten ist das, was ich ein “Traumprojekt” nennen würde – es ist die perfekte Fusion von allem, was mir wichtig ist.

Bei dem Projekt “What’s in a lamp?” für Foscarini haben Sie faszinierende “Mikrowelten” um die Lampen der Kollektion geschaffen. Können Sie uns mehr über die Inspiration hinter dieser Serie erzählen?

Der Ausgangspunkt waren die Produkte von Foscarini selbst. Ich wollte, dass sie im Mittelpunkt der Erzählung stehen, also begann ich, sie im Hinblick auf ihr Zusammenspiel von Festkörpern und Hohlräumen zu untersuchen, von denen jeder sein eigenes Leben hat, das durch Zeit und Licht definiert ist – sei es natürlich oder künstlich – und die resultierenden Schatten. Es fühlte sich fast instinktiv an, sie als Miniaturarchitekturen zu sehen, um die sich das Leben dreht. Die Zeit entfaltet sich in einer Abfolge von Morgen, Nachmittagen, Abenden und Nächten; Die Lampen selbst scheinen unverändert zu bleiben, aber sie besitzen die bemerkenswerte Fähigkeit, zu leuchten und lebendig zu werden und so den Raum und das Leben um sie herum subtil zu verändern. Es ist eine subtile Verzauberung, eine Reflexion über die alltägliche Magie, die uns umgibt – der einzige Unterschied hier: Sie wird auf einer anderen Ebene vergrößert.

Gibt es Objekte, die wie die Foscarini-Lampen in Ihrer Serie feste Punkte, konstante Präsenzen darstellen, um die sich Ihre täglichen Erfahrungen entwickeln?

Ich habe in zahlreichen Häusern gelebt und eine komplizierte Beziehung zur Vorstellung von Zuhause selbst (vielleicht kommt daher meine Obsession mit dem Wohnen), und im Laufe der Zeit bin ich immer wählerischer geworden bei der Auswahl der Gegenstände, die mich umgeben. Der eine konstante, der “Anker” in jedem dieser Häuser, glaube ich, war immer der Esstisch. Das Leben im gesamten Haus dreht sich um diesen Tisch – von Mahlzeiten über Vorbereitungen, vom Studium bis zur Arbeit, von Experimenten bis zum Spielen, von Gesprächen bis zur Gastfreundschaft. Tatsächlich dominiert es derzeit fast das gesamte Haus. Wenn ich spezifische Gegenstände nennen müsste, die mich in diesen elf Häusern begleitet haben, sind es allesamt kleine und leicht zu tragende Gegenstände: eine hölzerne Heilige Geistfigur, ein Geschenk von einem Freund; ein Buch von Zumthor; ein altes Foto meines Großvaters, das das Blühen einer Sukkulente einfängt; eine Gravur einer Gruppe brasilianischer Araukarien. Es ist wie eine kleine, tragbare Wunderkammer.

Können Sie auf den narrativen Aspekt Ihres kreativen Prozesses eingehen?

Die Erzählung hinter jedem Stück ist entscheidend und spielt eine wichtige Rolle; sie bereichert und formt das Werk selbst. Die Entscheidung, was gesagt werden soll, in welchem ​​Umfang, wie es ausgedrückt werden soll und welche Tonart angenommen werden soll, beeinflusst alle folgenden formalen Entscheidungen, von der Komposition bis zur Farbpalette. Persönlich bevorzuge ich die Werke, die keine endgültigen Antworten geben, sondern Fragen aufwerfen sollen. Ich glaube, die Illustrationen, die ich für Foscarini geschaffen habe, veranschaulichen diesen Ansatz: Sie zeigen das Leben, das sich um die Lampen entfaltet, geben uns aber keine Anweisungen, wie wir mit ihnen interagieren sollen. Stattdessen regen sie uns zum Nachdenken an, uns in ihnen zu sehen und zu überlegen, welche Rolle wir gespielt haben könnten, welche Momente des Tages für uns resonieren und welche Art von Licht uns am meisten beruhigt. Sie dienen als Verbindung zu den dargestellten Lampen und zeichnen Pfade, die uns näher an sie heranführen und uns dazu bringen, an diesem Lebenskarussell teilnehmen zu wollen.

Was ist Ihre Lieblingsillustration in diesem Projekt, und was bedeutet sie für Sie?

Jede dieser Illustrationen war für mich eine persönliche Reise, aber ich muss sagen, ich habe eine besondere Zuneigung für Cri Cri’s Nacht. Es ist die einzige Lampe, die ich während der Nachtstunden beleuchtet dargestellt habe, weil ihre Ähnlichkeit mit einer kleinen Laterne sofort den Zauber einer mit Leben gefüllten Nacht hervorrief. In diesem intimen und magischen Moment ist ein Kind fasziniert, vertieft in die Seiten eines Buches, was den Raum mit Möglichkeiten lebendig macht.

Was ist Ihr Lieblingsthema zum Zeichnen?

Kinder sind mein Lieblingsthema zum Zeichnen, aus mehreren Gründen. Erstens vermitteln sie mühelos Konzepte und Emotionen, da ihre Aktivitäten oft komplexe Ideen auf einfache und unmittelbare Weise verkörpern. Ihr Spiel dient als Metapher für das Leben selbst. Außerdem macht es mir Freude, sie zu zeichnen; Mir wurde gesagt, dass ich lächle, während ich sie skizziere. Kurz gesagt, sie sind das beste Antidepressivum.

Was bedeutet Kreativität für Sie?

Ich werde Ihre Wahl des Verbs, um über Kreativität zu sprechen, aufgreifen: kultivieren. Ich glaube, dieses Verb umschreibt ihre Essenz perfekt: sie ist lebendig. Kreativität verlangt tägliche Nahrung, Aufmerksamkeit und Pflege, aber auch die Fähigkeit, sie wachsen und erstrahlen zu lassen. Eine Fähigkeit, die mit Vorbereitung und angeborener Veranlagung verbunden ist.