Tagträume und alltägliche Magie: Mattia Riami für „What’s in a Lamp?”

Schon in jungen Jahren zeigte Mattia Riami eine angeborene Leidenschaft für Zeichnen und visuelle Künste. Er verfeinerte seine Fähigkeiten an der Kunstschule in Venedig und dem IED in Mailand. Seine Arbeit zeichnet sich durch einen „schnellen, nihilistischen und nervösen“ Stil aus, ergänzt durch einen raffinierten Einsatz von Farben, die an die warmen, nostalgischen Paletten von Vintage-Werbung aus den 1940er- und 1950er-Jahren erinnern.

Für Foscarinis „What’s in a Lamp?“-Projekt – bei dem Künstler, Designer und Kreative eingeladen werden, Licht durch Foscarini-Lampen zu interpretieren – erkundet Riami das tägliche Leben durch sechs Illustrationen, die Szenen vertrauter Normalität zeigen. Doch immer gibt es ein unerwartetes Detail, das die Perspektive auf den Kopf stellt: Foscarini-Lampen verwandeln sich in Wolken, Raumschiffe und Trompeten und werden so zum besonderen Element, das das Gewöhnliche außergewöhnlich macht. Dies schafft eine Atmosphäre der Freiheit und Leichtigkeit und lädt dazu ein, die Welt aus einer neuen Perspektive zu betrachten.

Riami’s Illustrationen sind gleichzeitig vertraut und traumhaft und offenbaren die transformative Kraft der Foscarini-Lampen auf eine ganz besondere Weise. Genau wie in den Illustrationen übersteigen diese Lampen ihre bloße Funktionalität und verwandeln jeden Raum in eine Umgebung, die die Persönlichkeit derer widerspiegelt, die sie wählen – sie erzählen Geschichten und drücken Wünsche und Emotionen aus.

Entdecken Sie Riamis vollständige Serie für „What’s in a Lamp?“ auf Instagram @foscarinilamps und tauchen Sie tiefer in seine künstlerische Vision ein in unserem Interview.

Wie begann Ihre künstlerische Reise? Wussten Sie immer, dass Kunst Ihr Weg sein würde?
„Ja, in dieser Hinsicht hatte ich großes Glück; ich habe schon immer gezeichnet, seit ich ein Kind war. Ich zeichnete, ohne zu wissen, dass es einmal mein Beruf, meine Ausdrucksweise werden würde – ich zeichnete einfach. Ich zeichnete Disney-Figuren, kopierte Abbildungen aus illustrierten Büchern und bastelte meine eigenen Prototyp-Bücher, indem ich ein paar A4-Blätter zusammenheftete, um meine Geschichte zu erzählen. Als ich älter wurde, wurde mir immer bewusster, dass dies etwas Ernsthaftes werden könnte, und so konzentrierte ich mein Studium auf die visuellen Künste, um aus diesen Kindheitsspielen meinen Beruf zu machen.“

Was motiviert Sie zum Schaffen und woher kommt Ihre Inspiration: Neugier, die Suche nach Bedeutung oder reine visuelle Ausdruckskraft?
„Ich muss sagen, reine visuelle Ausdruckskraft zieht mich stark an und beeinflusst mich. Im Alltag werde ich von vielen visuellen Reizen angezogen – Zeichnungen, Illustrationen, Gemälde, Plakate und vieles mehr – und das weckt in mir den Wunsch, einfach nur Formen und Farben auszudrücken, die in mir aufkommen. Während der Entwurfsphase jedoch bekommen all diese Formen eine Bedeutung, und ich genieße es, eine Geschichte hinter jedem Projekt aufzubauen, so wie ich es bei ‚What’s in a Lamp?‘ getan habe.“

Ihr grafischer Stil ist unverwechselbar und wiedererkennbar. Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben und wie hat er sich im Laufe der Zeit entwickelt?
„Ich würde ihn mit einigen Worten beschreiben, die andere verwendet haben, um ihn für mich zu beschreiben: ‚eine schnelle, nihilistische und nervöse Linie.‘ Ich bestätige das; ich habe immer eine sehr physische Beziehung zu meiner Arbeit, sei es auf Papier oder mit digitalen Pinseln. Ich benutze energisch Bleistifte auf Papier, manchmal durchbohre ich es sogar versehentlich oder habe Angst, den Bildschirm zu beschädigen. Ich mag es, dass der Weg, den meine Hand nimmt, um diese Linie zu ziehen, spürbar ist, und ich fühle eine geheimnisvolle Kraft, die mich dazu drängt, auf eine bestimmte Weise zu zeichnen oder zu kolorieren. Mein Ansatz war schon immer so, beeinflusst von meinen Professoren am IED in Mailand, aber er hat sich im Laufe der Zeit durch Studium und Forschung verfeinert.“

In dieser Serie zeigen Sie Szenen des alltäglichen Lebens, insbesondere häusliche Szenen, in denen Lampen zu transformierenden Elementen werden, die die Wahrnehmung der Szene magisch verändern und neue, unerwartete und surreale Interpretationen schaffen. Können Sie uns mehr über die Inspiration hinter dieser Arbeit erzählen?
„Natürlich, das war der unterhaltsamste Teil! Ich wollte ein Gefühl des Alltagslebens vermitteln und die Lampen spielerisch in Objekte verwandeln, die anders sind, als sie erscheinen, so als wären die Figuren in den Illustrationen überrascht, dass eine Lampe einem anderen Objekt ähnelt oder eine andere Verwendung hat. Wie damals, als wir Kinder waren und eine leere Küchenpapierrolle als Fernrohr oder Megafon benutzt haben. Ich ließ mich von den Formen der Lampen inspirieren und versuchte, in die Kindheit zurückzukehren! So sah ich Wolken, ein Raumschiff, eine Trompete, einen Baseballschläger und vieles mehr; ich hätte dieses Spiel endlos fortsetzen können.“

Welche Illustrationen dieser Serie sind Ihre Favoriten und warum?
„Mein absoluter Favorit ist NUEE, weil ich denke, dass er perfekt die Mischung aus Surrealität und Realität einfängt, die ich anstrebte. Ich liebe auch MITE aus demselben Grund und LE SOLEIL wegen seiner Atmosphäre der Freiheit und Leichtigkeit.“

Es ist bemerkenswert, wie Sie mit wenigen Strichen ganze Geschichten, Leben, Situationen und Emotionen erzählen. Können Sie den erzählerischen Aspekt Ihres kreativen Prozesses erklären?
„Instinktiv nutze ich immer die menschliche Figur in meiner Arbeit; es kommt selten vor, dass ich eine Landschaft ohne Menschen oder andere Subjekte zeichne. Der Mensch wird somit zum Protagonisten meiner Werke, und seine Emotionen bilden die Grundlage, auf der ich meine Geschichten aufbaue. Durch die Protagonisten kann man lesen und erahnen, was passiert, was die Geschichte ist und welche Situationen und Ereignisse sie prägen. Ich denke an die Illustration der TOBIA-Lampe, wo wir ein Paar sehen, das gerade eingezogen ist und beginnt, Kartons auszupacken – mit der Freude und Aufregung eines neuen Zuhauses, wobei sie die Lampe wie eine Trompete benutzen, um die Euphorie des Moments zu feiern. Es könnte aber genauso gut um neue Einkäufe für das Haus gehen; die Atmosphäre bleibt dieselbe, und der Betrachter sieht, was für ihn am meisten mit seiner eigenen Erfahrung in Resonanz steht.“

Was interessiert Sie am meisten an der Realität um Sie herum?
„Das ist schwer zu beantworten; sicher fasziniert mich die Natur, und ich würde sie gerne noch mehr kennenlernen und erkunden – die Formen von Pflanzen, Blättern, Blumen, Wolken – sie sind wahre natürliche Architekturen oder Designwerke. Ich bin auch immer von visueller Kommunikation im Allgemeinen fasziniert: Mein Auge bleibt oft an Plakaten, Buchumschlägen oder allem Visuellen hängen. Ich mache viele Fotos mit meinem Handy, um später zu untersuchen, was mich angezogen hat.“

Wie würden Sie Ihre Beziehung zu Farbe in Ihrer Arbeit als Illustrator beschreiben? Was hat Ihre Farbwahl für Ihre Serie „What’s in a Lamp?“ geleitet?
„Meine Beziehung zur Farbe hat sich in den letzten Jahren erneuert. Vor einiger Zeit, nach meinem Studium, habe ich hauptsächlich in Schwarz-Weiß gezeichnet und nur gelegentlich ein paar Farbakzente gesetzt. Sicherlich hat der Einfluss der vielen farbenfrohen Illustrationen, die ich um mich herum gesehen habe, in mir den Wunsch geweckt, meine eigenen Werke zu kolorieren. Ich denke, ich wurde auch von der wunderbaren Arbeit von Jean-Charles de Castelbajac beeinflusst, einem Meister, der über zwei Jahre lang mein Art Director war. Ich bin fasziniert von Vintage-Werbeplakaten der 1940er- und 1950er-Jahre; ich habe diesen Stil schon immer geliebt und habe schon immer Filme aus dieser Zeit in Schwarz-Weiß gesehen. Ich liebe die Hände, die weiße Zigaretten halten, die Kleidung, die Hüte und die Mode jener Zeit. Dies hat meine Art beeinflusst, Figuren – sowohl männliche als auch weibliche – zeitgenössisch und modern zu zeichnen, aber mit einem Hauch von Vergangenheit. Die Farbpalette, die ich für ‚What’s in a Lamp?‘ verwendet habe, spiegelt diese alten Werbungen wider; ich habe Schattierungen studiert, die auch eine gewisse Wärme vermitteln.“

Neben den Inspirationsquellen, die Sie bereits erwähnt haben, gibt es noch andere Meister, die Ihre künstlerische Vision besonders beeinflusst haben?
„Wenn ich an große Meister denke, fallen mir Egon Schiele, Picasso und vor allem Jean-Michel Basquiat ein, ebenso wie Keith Haring, der einer meiner absoluten Idole ist, mehr wegen seiner Persönlichkeit als wegen seines Stils. Zeitgenössische Künstler wie Marlene Dumas haben mich ebenfalls beeinflusst. Comics, insbesondere Graphic Novels, und Illustratoren wie Adelchi Galloni, der mein Lehrer am IED Mailand war, haben auch einen großen Einfluss auf mich gehabt.“

Haben Sie ein Ritual oder bestimmte Gewohnheiten, wenn Sie an Ihren Illustrationen arbeiten?
„Meine Methode besteht darin, zunächst zu recherchieren und zu reflektieren, was das Projekt erreichen soll. Das führt zu den ersten Ideen, die ich schnell in Tagebüchern notiere, die ich führe, wirklich nur unverständliche Kritzeleien, um die Idee festzuhalten. Dann gehe ich zu aufwändigeren Entwürfen über und schließlich zum fertigen Werk. Die Geschichte entsteht in den ersten beiden Phasen.“

Was bedeutet Kreativität für Sie?
„Ich denke, Kreativität ist die Fähigkeit, die Welt anders zu sehen, sich Möglichkeiten jenseits des Gewöhnlichen vorzustellen und abstrakte Ideen in greifbare Realität zu verwandeln. Es ist ein dynamischer Prozess, der Intuition, Inspiration und persönlichen Ausdruck beinhaltet, aber manchmal ist es auch Disziplin und ständige Bemühung, sich zu verbessern; es ist nicht immer einfach!“