Ery Burns bringt die freie Spontaneität von Doodles in das Projekt What’s in a Lamp? von Foscarini. In jeder Zeichnung wird das Licht zu einem unmittelbaren und fantasievollen Ausdruck, der unerwartete Geschichten zum Leben erweckt, reich an Details, lebhaften Farben und einem Hauch von Humor.
Ery Burns ist eine britische Künstlerin und Illustratorin mit einem sofort erkennbaren Stil, der sich durch spontane Striche, lebendige Farben und detaillierte Muster auszeichnet. Sie sagt, dass sie ihr Doodle-Gen von ihrer Urgroßmutter geerbt habe, einer indischen Künstlerin, die am Fuße des Himalayas aufgewachsen ist. Ihr Strich entsteht aus Intuition und nimmt direkt auf dem Papier Gestalt an, ohne festgelegte Muster, in einem Fluss, der organische Formen, wiederkehrende Motive und einen Hauch von Ironie miteinander verwebt. Das Ergebnis ist ein visuelles Universum, das zwischen Fantasie und Realität schwankt und in der Lage ist, jene kindliche Verwunderung zu wecken, die wir beim Erwachsenwerden oft verlieren.
Für das Projekt What’s in a Lamp? von Foscarini hat Ery Burns die Lampen des Unternehmens durch die Linse ihrer Fantasie neu interpretiert und die emotionale Essenz des Lichts erforscht. Sie sah Gesichter, Kreaturen und Welten zum Entdecken und ließ diese mit ihrer Linie zum Leben erwecken, indem sie sich von den Formen und Volumen der Lampen leiten ließ und jede Lampe in eine visuelle Erzählung zwischen Natur und Fantasie verwandelte, mit einem verspielten und hypnotischen Strich, der den Blick fesselt.
“Ich dachte an das, was mir die Lampen von Foscarini vermitteln, und sofort kam dieses Gefühl von Trost auf, das man empfindet, wenn man ein Licht in der Dunkelheit findet. Wenn ich sie anschaue, sehe ich mehr als nur ein Objekt, das Licht spendet. Ich sehe Welten zum Entdecken, Geschichten zum Erzählen, Kreaturen, die in ihren Formen leben. Es ist, als hätte jede Lampe ihre eigene Persönlichkeit, bereit, ihre Geschichte zu erzählen.”
Ery Burns
/ Doodle Artist
In diesem Interview sprachen wir mit Ery Burns über ihren spontanen Ansatz zum Zeichnen und darüber, wie sie die Lampen von Foscarini mit ihrem unverwechselbaren Strich neu interpretiert hat. Entdecke die gesamte Serie What’s in a Lamp? auf Instagram.
Kannst du uns den Weg erzählen, der dich zur Illustratorin gemacht hat? Gab es entscheidende Momente, die deinen Weg geprägt haben?
Ich antworte auf diese Frage immer auf die gleiche Weise, weil es so viele positive Gründe gibt, warum ich es liebe zu zeichnen, und ich versuche immer, wie eine normale Person zu wirken! Aber die Wahrheit ist, dass ich in einer großen Familie aufgewachsen bin, und das bedeutet nicht unbedingt, dass man sich nicht einsam oder unbeachtet fühlen kann. Ich war das jüngste von fünf Geschwistern, also war ich immer von Menschen und Persönlichkeiten umgeben und wurde von den Älteren beeinflusst. Mein Vater war Anwalt (und ein sehr harter Arbeiter), daher hatte er nicht viel Zeit für uns.
Ich erinnere mich, dass meine Buntstifte eine Art Zuflucht waren: Ich konnte Welten erschaffen und meiner Fantasie freien Lauf lassen. Zeichnen war wie Sauerstoff, es half mir, ein Gleichgewicht zu finden. Jedes Mal, wenn ich mich überwältigt fühlte, zog ich mich in meine Doodles zurück. Also ja, der entscheidende Moment war genau die Flucht aus der Realität! Ich zeichnete jedes Mal, wenn ich die Welt um mich herum abschalten wollte, was leider oft auch die Schule einschloss… Ich bin schrecklich in Mathematik!
Deine Doodles sind lebendig, voller Details, Muster und kräftiger Farben. Wie hast du diesen so erkennbaren Stil entwickelt? Welche Einflüsse haben zu seiner Entwicklung beigetragen?
Ich habe immer gewusst, irgendwie, dass ich eine besondere Art habe, die Welt zu interpretieren. Es war ein unbewusster Prozess, aber als Kind gab es Zeiten, in denen ich mich von Künstlern oder Animationen inspirieren ließ, die mir auf meinem Weg begegneten.
Ich bin mit den Filmen von Terry Gilliam und Monty Python aufgewachsen, und in den 90er Jahren waren Keith Haring und Basquiat überall. Ich glaube, sie haben mich mehr beeinflusst, als ich mir bewusst bin. Ich mochte auch Kandinsky sehr, der mit mir die Liebe zu Details und klaren Linien teilte.
Vielleicht hat es auch damit zu tun, dass ich von ikonischer Musik und Plattencovern umgeben war—mein Vater hatte eine unglaubliche Sammlung: The Rolling Stones, Led Zeppelin, Bob Dylan, The Beatles, Cream.
Kürzlich habe ich durch einen DNA-Test herausgefunden, dass ich zu 4% indische und kasachische Vorfahren habe, zwei unglaublich reiche und farbenfrohe Kulturen. Ich stelle mir vor, dass dieses Erbe etwas ist, das ich in mir trage und das irgendwie meine Doodles und meine Art, Kunst zu machen, beeinflusst.
Doodling wird oft mit Spontaneität und Intuition in Verbindung gebracht. Wie viel von deinem kreativen Prozess ist instinktiv und wie viel ist das Ergebnis einer klaren, von Anfang an sichtbaren kompositorischen Vision?
Es kommt auf das Projekt an, aber normalerweise sind die ersten Skizzen völlig spontan, eine Explosion von Ideen! Für Foscarini hatte ich eine Intuition darüber, wie das fertige Werk aussehen sollte, aber es war mehr ein Gefühl als ein klares Bild. Ich konnte es noch nicht sehen, aber ich fühlte es und wusste, dass es auf dem Papier Gestalt annehmen würde.
Wie weißt du, wann ein Werk „fertig“ ist? Gibt es einen Moment, in dem du das Gefühl hast, das maximale Potenzial des Stücks erreicht zu haben?
Man spürt es am Gleichgewicht der Illustration—wenn die Elemente gut miteinander kommunizieren, wenn der Fluss harmonisch ist oder wenn etwas nicht an seinem Platz ist. Auch die Wahl der Farbpalette kann ein Werk machen oder zerstören. Ich musste ein Stück, das ich für Foscarini gemacht hatte, wegwerfen, weil es wie ein schlechtes Jurassic Park aussah. Es ist einfach: Wenn es richtig ist, spürt man es.
Kannst du uns deinen kreativen Prozess erzählen, wenn du ein Muster entwickelst?
Ich versuche es! Ich mache viele Skizzen und recherchiere auf Google, besonders wenn ich etwas realistischer zeichnen muss. Bei Projekten wie Verpackungen oder Kunstwerken für Bierdosen muss die Illustration sofort die Aufmerksamkeit auf sich ziehen—je seltsamer, desto besser! In solchen Fällen kann ich meine Fantasie natürlicher fließen lassen. Ich verwende viele zufällige Details in den Linien, um die Bilder miteinander zu verweben.
Gibt es wiederkehrende Elemente oder Themen, die in deinen Zeichnungen natürlich auftauchen?
Gute Frage. Mein Prozess ist sehr instinktiv, daher ist es nicht immer einfach, ihn zu erklären. Normalerweise beginne ich mit einer zufälligen Form, und von dort aus entwickelt es sich organisch, als würde es aus einem kleinen „Ery-Samen“ wachsen.
Ich denke, Augen und Hände kommen oft in meinen Zeichnungen vor, vielleicht, weil sie ein Gefühl von Präsenz und Verbindung vermitteln. Vielleicht stelle ich mir vor, dass die Figuren traurig wären, wenn sie nicht sehen oder anfassen könnten. Ich greife auf Elemente der Natur, der Evolution und ein wenig Humor zurück.
Farbe ist ein wesentliches Element in deiner Arbeit. Wie wählst du deine Farbpaletten?
Farbe ist entscheidend und kann die Atmosphäre eines Werkes bestimmen. Wie bei meinem Stil ist auch meine Wahl der Farben ziemlich intuitiv und instinktiv.
Es kommt sehr auf das Projekt an: ob es kommerziell oder persönlich ist. Bei meinen intimeren Arbeiten neige ich dazu, dunklere Farben mit erdigen Tönen zu verwenden, inspiriert von der Natur. Für Kinderillustrationen würde ich wahrscheinlich kühnere, leuchtendere Paletten wählen.
Für What’s in a Lamp? von Foscarini, wie hast du die Illustrationen entwickelt? Gab es spezifische Aspekte der Lampen, die deine Vision inspiriert haben?
Zuerst dachte ich darüber nach, was mir die Lampen von Foscarini vermitteln, und sofort kam dieses Gefühl von Trost auf, das man empfindet, wenn man ein Licht in der Dunkelheit findet.
Als ich ihre Formen und Materialien betrachtete, sah ich Gesichter, ein Ei, Froscheier, Wasser. Also versuchte ich, all diese Elemente miteinander zu verweben und sie in ein Kunstwerk zu verwandeln, das die unterschiedlichen Persönlichkeiten der Lampen widerspiegelt.
Viele deiner Arbeiten sind ironisch, verspielt und fast hypnotisch, da sie den Betrachter dazu bringen, länger hinzusehen. Siehst du deine Kunst als eine Form der Erzählung?
Ich stellte mir die Lampen als kleine Welten vor, die von Kreaturen bewohnt werden, die auf unerwartete Weise mit ihren Formen interagieren.
Ich mochte die Idee, dass der Betrachter meiner Zeichnungen das Gefühl hat, gerade aufgewacht zu sein und sich fragt, ob er träumt oder noch halb im Schlaf ist. Buds zum Beispiel bekam eine neugierige Ausstrahlung, die mich fasziniert.
Gregg, hingegen, sah ich als frisch abgelegtes Ei, das von einer Fledermaus-Katze gepflegt wurde, die eine Schnecke bei sich trägt. Und Twiggy ist meine Lieblingsfigur: Sie hat eine Seele der 60er Jahre, einen Hauch von Weltraum und viele Regenbögen. Und dann macht sie sogar eine freche Zunge—was für eine freche Lampe!
Hat dieses Projekt für Foscarini besondere Herausforderungen oder Chancen geboten?
Die größte Herausforderung war das Fehlen eines klaren Briefings. Ich hatte völlige kreative Freiheit, was großartig ist, aber es bringt einen dazu, ständig seine Entscheidungen in Frage zu stellen.
Wie findest du Inspiration und entwickelst weiter dein Werk?
Es hilft mir, Körper und Geist im Gleichgewicht zu halten: Musik hören, durch den Wald laufen oder wie verrückt in meinem Lieblingsclub tanzen. Und mich nicht zu sehr von den sozialen Medien beeinflussen lassen—meinen eigenen Rhythmus verfolgen, auch in den schwierigsten Momenten.
Was bedeutet Kreativität für dich?
Alles und nichts zu sein—wie ein Sandkorn im Universum.
Entdecke mehr über die Zusammenarbeit mit Ery Burns und die gesamte Serie auf dem Instagram-Kanal @foscarinilamps und erkunde alle Werke des Projekts What’s in a Lamp?, bei dem internationale Künstler eingeladen werden, das Licht und die Lampen von Foscarini zu interpretieren.