Cada detalle es una historia: la magia de los doodles de Ery Burns

Ery Burns es una artista e ilustradora británica con un estilo inmediatamente reconocible, caracterizado por trazos espontáneos, colores intensos y detalles intrincados. Ella dice que heredó su gen de los doodles de su tatarabuela, una artista india que creció a los pies del Himalaya. Su trazo nace de la intuición y toma forma directamente sobre el papel, sin esquemas preestablecidos, en un flujo que entrelaza formas orgánicas, patrones repetitivos y un toque de ironía. El resultado es un universo visual que oscila entre la imaginación y la realidad, capaz de evocar esa fascinación casi infantil que tendemos a perder al crecer.

Para el proyecto What’s in a Lamp? de Foscarini, Ery Burns ha reinterpretado las lámparas de la marca a través del lente de su imaginación, explorando la esencia emocional de la luz. Ha visto rostros, criaturas y mundos por explorar, y los ha hecho surgir con su trazo, dejándose guiar por las formas y volúmenes, transformando cada lámpara en un relato visual entre la naturaleza y la fantasía, con un trazo juguetón e hipnótico que captura la mirada.

Buds adoptó la forma de un personaje curioso e interrogante, Gregg se convirtió en un huevo recién puesto, cuidado por una criatura híbrida entre murciélago y gato, Twiggy juega, irónica y traviesa, en un contexto de arcoíris y patrones que recuerdan los años 60.

En esta entrevista, hablamos con Ery Burns sobre su enfoque espontáneo del dibujo y cómo reinterpretó las lámparas Foscarini con su trazo inconfundible. Descubre toda la serie What’s in a Lamp? en Instagram.

¿Puedes contarnos el camino que te llevó a convertirte en ilustradora? ¿Hubo momentos decisivos que marcaron tu trayectoria?

Siempre respondo de la misma manera a esta pregunta, porque hay muchas razones positivas por las que me encanta dibujar, ¡y siempre trato de parecer una persona normal! Pero la verdad es que crecí en una familia numerosa, y esto no significa necesariamente que no se pueda sentir soledad o no ser visto. Era la más pequeña de cinco hermanos, así que siempre estaba rodeada de personas, personalidades e influenciada por los mayores. Mi padre era abogado (y un gran trabajador), por lo que no tenía mucho tiempo para nosotros.

Recuerdo que mis crayones eran como un refugio: podía crear mundos y dar espacio a mi imaginación. Dibujar era como oxígeno, me ayudaba a encontrar un equilibrio. Cada vez que me sentía abrumada, me refugiaba en mis doodles. Así que sí, el momento decisivo fue precisamente la escapatoria de la realidad. Dibujaba cada vez que quería apagar el mundo a mi alrededor, lo que, lamentablemente, incluía gran parte de la escuela… ¡Soy terrible en matemáticas!

Tus doodles son vibrantes, llenos de detalles, patrones y colores audaces. ¿Cómo has desarrollado este estilo tan reconocible? ¿Qué influencias han contribuido a su evolución?

Siempre supe, de alguna manera, que tenía una forma particular de interpretar el mundo. Era un proceso inconsciente, pero de niña pasaba por etapas en las que me dejaba inspirar por artistas o animaciones que encontraba en el camino.

Crecí viendo las películas de Terry Gilliam y Monty Python, y en los años 90, Keith Haring y Basquiat estaban por todas partes. Creo que me influenciaron más de lo que soy consciente. También me gustaba mucho Kandinsky, quien compartía conmigo el amor por los detalles y las líneas firmes.

Tal vez también influyó el hecho de haber estado rodeada de música icónica y portadas de discos de vinilo—mi padre tenía una colección increíble: The Rolling Stones, Led Zeppelin, Bob Dylan, The Beatles, Cream.

Recientemente descubrí, gracias a una prueba de ADN, que tengo un 4% de ascendencia india y kazaja, dos culturas increíblemente ricas y coloridas. Me gusta imaginar que esa herencia es algo que llevo dentro y que de alguna manera influye en mis doodles y mi manera de hacer arte.

El doodling se asocia a menudo con la espontaneidad y la intuición. ¿Cuánto de tu proceso creativo es instintivo y cuánto es el resultado de una visión compositiva clara desde el principio?

Depende del proyecto, pero normalmente los primeros bocetos son completamente espontáneos, ¡una explosión de ideas! Para Foscarini, tuve una intuición sobre cómo quería que apareciera el trabajo terminado, pero era más una sensación que una imagen clara. No podía verlo todavía, pero lo sentía y sabía que tomaría forma en el papel.

¿Cómo sabes cuándo una obra está “terminada”? ¿Hay un momento en el que sientes que has alcanzado el máximo potencial de la pieza?

Lo percibes por el equilibrio de la ilustración—si los elementos dialogan bien entre ellos, si el flujo es armonioso o si algo está fuera de lugar. Incluso la elección de la paleta de colores puede hacer o destruir una obra. Tuve que desechar una pieza que había hecho para Foscarini porque parecía un mal Jurassic Park. Simplemente: cuando está bien, lo sientes.

¿Puedes contarnos tu proceso creativo cuando desarrollas un patrón?

¡Lo intento! Hago muchísimos bocetos y busco en Google, especialmente si tengo que dibujar algo de manera más realista. Para proyectos como el embalaje o el arte para latas de cerveza, la ilustración tiene que captar la atención de inmediato—¡cuanto más extraño, mejor! En esos casos puedo dejar fluir mi imaginación de forma más natural. Utilizo muchos detalles aleatorios en las líneas para entrelazar las imágenes.

¿Hay elementos o temas recurrentes que surjan naturalmente en tus dibujos?

Buena pregunta. Mi proceso es muy instintivo, por lo que no siempre es fácil de explicar. Normalmente empiezo con una forma aleatoria y a partir de ahí se desarrolla de manera orgánica, como si creciera de una pequeña “semilla de Ery”.

Creo que los ojos y las manos aparecen a menudo en mis dibujos, tal vez porque dan una sensación de presencia y conexión. Tal vez imagino que las figuras se entristecerían si no pudieran ver o tocar. Creo que extraigo elementos de la naturaleza, la evolución y un toque de humor.

El color es un elemento fundamental en tu trabajo. ¿Cómo eliges las paletas cromáticas?

El color es esencial y puede determinar la atmósfera de una obra. Al igual que con mi estilo, mi elección de colores también es bastante intuitiva e instintiva.

Depende mucho del proyecto: si es comercial o personal. En mis trabajos más íntimos tiendo a usar colores más oscuros, con tonos terrosos inspirados en la naturaleza. Para ilustraciones infantiles, probablemente elegiría paletas más audaces y brillantes.

Para What’s in a Lamp? de Foscarini, ¿cómo desarrollaste las ilustraciones? ¿Hubo aspectos específicos de las lámparas que inspiraron tu visión?

Primero, pensé en lo que me transmitían las lámparas de Foscarini, y esa sensación de consuelo que se experimenta cuando se encuentra una luz en la oscuridad llegó de inmediato.

Mirando sus formas y materiales, vi rostros, un huevo, huevos de rana, agua. Así que traté de entrelazar todos esos elementos y transformarlos en una obra de arte que reflejara las diferentes personalidades de las lámparas.

Muchos de tus trabajos son irónicos, juguetones y casi hipnóticos al hacer que el espectador los mire más de cerca. ¿Ves tu arte como una forma de narración?

Imaginé las lámparas como pequeños mundos habitados por criaturas que interactúan con sus formas de maneras inesperadas.

Me gustaba la idea de que quien mira mis dibujos tenga la sensación de haberse despertado recién, preguntándose si está soñando o aún medio dormido. Buds, por ejemplo, terminó adquiriendo un aire curioso que me fascina.

Gregg, en cambio, la vi como un huevo recién puesto, cuidado por un gato-murciélago que lleva consigo una caracol. Y Twiggy es mi favorita: tiene un alma de los años 60, un toque espacial y un montón de arcoíris. ¡Y además saca la lengua como una traviesa—qué lámpara tan descarada!

¿Este proyecto para Foscarini presentó desafíos u oportunidades particulares?

El mayor desafío fue la ausencia de un brief real. Tenía total libertad creativa, lo cual es genial, pero también te lleva a cuestionar continuamente tus decisiones.

¿Cómo encuentras inspiración y sigues haciendo evolucionar tu trabajo?

Me ayuda mantener el cuerpo y la mente equilibrados: escuchar música, correr por el bosque o bailar como loca en mi club favorito. Y no dejarme influenciar demasiado por las redes sociales—seguir mi propio ritmo, incluso en los momentos más difíciles.

¿Qué significa para ti la creatividad?

Ser todo y nada—como un grano de arena en el universo.