Los Microcosmos Surrealistas de Francesca Gastone con Lámparas Foscarini

Francesca Gastone, graduada en Arquitectura por el Politécnico de Milán y con una especialización en ilustración editorial, encuentra inspiración en sus experiencias en metrópolis como São Paulo y Hong Kong. Sus ilustraciones capturan la esencia de las interacciones humanas, las emociones, la singularidad de cada individuo en la multitud, mientras que su formación en arquitectura se refleja en la cuidadosa gestión del espacio y la composición.

En su serie para “What’s in a lamp?”, Francesca Gastone ilustra, con la técnica del collage digital, relatos de vida que toman forma alrededor de una selección de lámparas de la colección Foscarini. En estas sugerentes ilustraciones, cada lámpara ilumina episodios de la vida cotidiana en micro-mundos que resultan familiares y surrealistas al mismo tiempo, desarrollando narrativas en las que es natural sumergirse y delineando protagonistas con los que identificarse. Historias visuales que, como puentes hacia las lámparas que las animan, trazan caminos que nos acercan a su luz.

En nuestra entrevista exclusiva, Gastone ofrece ideas sobre su proceso creativo, trazando su trayectoria desde una fascinación infantil por el dibujo hasta su evolución como ilustradora y arquitecta. Ella profundiza en la inspiración detrás de su colaboración con Foscarini, compartiendo las influencias que moldean su visión artística.

¡Hola, Francesca! ¿Puedes contarnos algo sobre ti y tu trayectoria artística? ¿Cuándo comenzaste a dibujar y cuándo te diste cuenta de que querías convertirte en ilustradora?

El dibujo siempre me ha resultado natural, y mi amor por el arte en todas sus formas me llevó a graduarme de una escuela de arte y luego seguir una carrera en arquitectura. Comencé a trabajar como arquitecta en Italia y luego en São Paulo, Brasil, y Hong Kong. Mi primer acercamiento a la ilustración surgió casualmente por la necesidad de resolver problemas de diseño interior. Durante mi estadía en São Paulo, una ciudad culturalmente rica, encontré terreno fértil para adentrarme en este mundo: comencé a comprar cada vez más revistas y libros ilustrados, a asistir a talleres y cursos, pero tenía muy poca conciencia de cómo la ilustración podría convertirse en una verdadera profesión. El nacimiento de mi hija Olivia coincidió con mi mudanza a Hong Kong. Este tiempo, caracterizado por ritmos lentos pero intensos, descubrimiento, curiosidad y una verdadera inmersión en los libros ilustrados, fue un punto de inflexión. Un día tomé un avión a Shanghái y pasé tres días mostrando mis obras (en ese momento, aún muy rudimentarias) en la Feria del Libro Infantil de Shanghái. No reuní mucho, pero entendí que era un camino real y alcanzable, y la ilustración se convirtió en una necesidad. Sin embargo, sentí que me faltaban bases sólidas, así que en 2021 decidí inscribirme en un programa de maestría en Milán. A partir de ese momento, mi perspectiva sobre esta profesión cambió, y me di cuenta de que la ilustración encapsulaba en la medida correcta todo lo que amaba.

¿Cómo coexisten y se influencian mutuamente las dos almas de Francesca Gastone, la arquitecta y la ilustradora?

Coexisten y se influyen mutuamente constantemente hasta el punto de que a veces es difícil distinguir dónde termina una y dónde comienza la otra. Recuerdo que a los 7 años solo dibujaba techos y tejas, y mi maestra bromeó diciéndole a mi madre que me convertiría en arquitecta. Ya sea por su confianza inquebrantable en su juicio o por una inclinación genuina que me motivó, tomé esas palabras como una revelación, como si hubiera recibido un regalo, y el camino por delante milagrosamente se volvió claro. La imagen del arquitecto me parecía mágica e increíblemente potente; nadie en mi familia se había aventurado nunca en este campo. Esta anécdota aún me hace sonreír hoy, y creo que la arquitectura sigue siendo una de mis mayores pasiones; le debo mucho. Sin embargo, con el paso de los años, y después de vivir en tres continentes con enfoques diferentes sobre el trabajo del arquitecto, me di cuenta de que ese papel a menudo me parecía restrictivo. La ilustración de alguna manera resolvió muchas cosas que estaban sin resolver en mí, pero la verdad es que me siento como una arquitecta incluso cuando estoy ilustrando. La escuela de arquitectura me inculcó un método que aplico casi subconscientemente a todos los aspectos de mi vida profesional. Es un equipaje invaluable pero a veces también pesado que a menudo me atrapa en patrones de los que me resulta difícil liberarme.

¿Cómo describirías tu estilo artístico y cómo ha evolucionado a lo largo del tiempo?

En realidad, comencé haciendo lo que siempre hacía en arquitectura, pero en lugar de planos y dibujos técnicos, comencé a crear estructuras imaginarias y metafóricas y a darles vida. La arquitectura no se trata solo de edificios; es una herramienta para explorar cualquier tema, ya que resuena dentro de todos nosotros. Los seres humanos pueden habitar no solo espacios físicos, sino también emociones, sensaciones e ideas. Tenemos el poder de decidir cuánto de nosotros mismos invertir, ya sea para llenar un espacio o dejarlo vacío, creando un vacío, un silencio, tanto física como conceptualmente. Eso es lo que me impulsa. A menudo, como con Foscarini, juego con los contrastes, convirtiendo los objetos en pequeños mundos habitados. La sorpresa resultante es mi indicador de éxito; si logro evocar asombro, entonces sé que he hecho un buen trabajo. Otro aspecto crucial es el collage: aunque a veces abstraigo elementos para transmitir rápidamente un tema, siempre incorporo personajes y objetos reales. Esta conexión con la realidad es vital para mí, y elijo meticulosamente sus expresiones, posiciones y miradas.

¿Cuál es tu mayor fuente de inspiración diaria y cómo cultivas tu creatividad?

Sin duda, las personas y su diversidad son mi principal fuente de inspiración. Mis ilustraciones rara vez gritan un mensaje directo, convirtiéndose en una especie de manifiestos. Más bien pintan una imagen de un futuro ideal para mí. Principalmente presentan personas; el elemento humano es esencial para interpretar la imagen en sí. Vivir en metrópolis bulliciosas como São Paulo y Hong Kong ha agudizado mi percepción de la vida de los demás, permitiéndome reconocer la singularidad dentro de la multitud. Tal vez por eso me encantan las grandes ciudades: este sentido compartido de identidad es más común y parece tangible, casi necesario. Cultivo mi creatividad observando y capturando continuamente sujetos, lugares y atmósferas a través de la fotografía; mi ordenador está lleno de innumerables carpetas de imágenes que reviso y utilizo según sea necesario. Sin embargo, nada de esto sería posible sin un estudio continuo y una curiosidad insaciable por el pasado (lo que ya se ha hecho, los maestros, el bagaje que llevamos) así como por el presente. Vivimos en una era donde los estímulos son excesivos y están por todas partes, y debemos desarrollar nuestra propia perspectiva crítica. Creo que esto es extremadamente importante.

Cuéntanos sobre la colaboración con Foscarini.

Foscarini ha sido una presencia constante en mi vida como arquitecta, desde sus productos hasta Inventario. Colaborar con ellos es lo que llamaría un “proyecto de ensueño” – es la fusión perfecta de todo lo que aprecio.

En el proyecto “What’s in a lamp?” para Foscarini, creaste fascinantes ‘micro-mundos’ alrededor de las lámparas de la colección. ¿Puedes contarnos más sobre la inspiración detrás de esta serie?

El punto de partida fueron los productos Foscarini en sí mismos. Quería que ocuparan un lugar central en la narrativa, así que comencé a examinarlos en términos de su juego de llenos y vacíos, cada uno con su propia vida definida por el tiempo y la luz – ya sea natural o artificial – y las sombras resultantes. Parecía casi instintivo imaginarlos como arquitecturas en miniatura alrededor de las cuales gira la vida. El tiempo se desarrolla en una secuencia de mañanas, tardes, noches y noches; las lámparas mismas parecen permanecer sin cambios, pero poseen esta capacidad notable de iluminar y cobrar vida, transformando sutilmente el espacio y la vida a su alrededor. Es un encantamiento sutil, una reflexión sobre la magia cotidiana que nos rodea – la única diferencia aquí: está magnificada a una escala diferente.

¿Hay objetos que, al igual que las lámparas Foscarini en tu serie, representan puntos fijos, presencias constantes alrededor de las cuales se desarrollan tus experiencias diarias?

He vivido en numerosas casas y tengo una relación complicada con la noción de hogar en sí misma (quizás aquí provenga mi obsesión por la vivienda), y con el tiempo, me he vuelto cada vez más selectiva en la elección de los objetos que me rodean. Sin embargo, el constante, el “ancla” en cada una de estas casas, creo, siempre ha sido la mesa del comedor. La vida en toda la casa gira en torno a esa mesa – desde las comidas hasta la preparación, desde el estudio hasta el trabajo, desde la experimentación hasta el juego, desde la conversación hasta la hospitalidad. De hecho, actualmente ocupa casi toda la casa. Si tuviera que señalar objetos específicos que me hayan acompañado en estas once casas, todos son objetos pequeños y fáciles de transportar: una figura de madera del Espíritu Santo, un regalo de un amigo; un libro de Zumthor; una vieja foto de mi abuelo capturando el florecimiento de una planta suculenta; una grabado de un grupo de araucarias brasileñas. Es como una pequeña Wunderkammer portátil.

¿Puedes profundizar en el aspecto narrativo de tu proceso creativo?

La narración detrás de cada pieza es crucial y desempeña un papel significativo; enriquece y da forma al trabajo en sí. Decidir qué decir, en qué medida, cómo expresarlo y qué tono adoptar influye en todas las decisiones formales subsiguientes, desde la composición hasta la paleta de colores. Personalmente, las obras que prefiero son aquellas que no buscan proporcionar respuestas definitivas, sino provocar preguntas. Creo que las ilustraciones creadas para Foscarini ejemplifican este enfoque: retratan la vida que se desenvuelve alrededor de las lámparas, pero no nos dan instrucciones sobre cómo deberíamos interactuar con ellas. En cambio, nos invitan a reflexionar, a vernos en ellas, y a reflexionar sobre qué papel podríamos haber jugado, qué momentos del día resuenan con nosotros y qué tipo de luz nos hace sentir más cómodos. Sirven como un vínculo con las lámparas representadas, delineando caminos que nos acercan a ellas y nos hacen querer participar en este carrusel de la vida.

¿Cuál es tu ilustración favorita dentro de este proyecto, y qué significa para ti?

Cada una de estas ilustraciones ha sido un viaje personal para mí, pero debo decir que tengo un cariño especial por la noche de Cri Cri. Es la única lámpara que representé iluminada durante las horas nocturnas porque su parecido con una pequeña linterna evocaba de inmediato el encanto de una noche llena de vida. En este momento íntimo y mágico, un niño está cautivado, absorto en las páginas de un libro, haciendo que el espacio se sienta vivo de posibilidades.

¿Cuál es tu tema favorito para dibujar?

Los niños son mi tema favorito para dibujar, por varias razones. En primer lugar, transmiten sin esfuerzo conceptos y emociones, ya que sus actividades a menudo encapsulan ideas complejas de manera simple e inmediata. Su juego sirve como metáfora de la vida misma. Además, son un placer de dibujar; Me han dicho que sonrío mientras los bosquejo. En resumen, son el mejor antidepresivo.

¿Qué es la creatividad para ti?

Responderé ecoando el verbo que elegiste en las preguntas anteriores para hablar de la creatividad: cultivar. Creo que este verbo encapsula perfectamente su esencia: está viva. La creatividad demanda nutrición diaria, atención y cuidado, pero también la capacidad de hacerla crecer y brillar. Una capacidad que está vinculada a la preparación, así como a una predisposición innata.