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Francesca Gastone, diplômée en architecture du Politecnico di Milano et spécialisée en illustration éditoriale, puise son inspiration dans ses expériences dans des métropoles telles que São Paulo et Hong Kong. Ses illustrations capturent l’essence des interactions humaines, des émotions, de l’unicité de chaque individu dans la foule, tandis que sa formation en architecture se manifeste dans la gestion attentive de l’espace et la composition.

Dans sa série pour “What’s in a lamp?”, Francesca Gastone illustre, avec la technique du collage numérique, des récits de vie prenant forme autour d’une sélection de lampes de la collection Foscarini. Dans ces illustrations suggestives, chaque lampe illumine des épisodes de la vie quotidienne dans des micro-mondes à la fois familiers et surréalistes, développant des narrations dans lesquelles il est naturel de s’immerger et dessinant des protagonistes avec lesquels s’identifier. Des histoires visuelles qui, comme des ponts vers les lampes qui les animent, tracent des chemins qui nous rapprochent de leur lumière.

Dans cette interview exclusive, Gastone offre un aperçu de son processus créatif, retracant son parcours depuis une fascination infantile pour le dessin jusqu’à son évolution en tant qu’illustratrice et architecte. Elle explore l’inspiration derrière sa collaboration avec Foscarini, partageant les influences qui façonnent sa vision artistique.

Salut, Francesca ! Pouvez-vous nous parler un peu de vous et de votre parcours artistique ? Quand avez-vous commencé à dessiner et quand avez-vous réalisé que vous vouliez devenir illustratrice ?

Le dessin m’est toujours venu naturellement, et mon amour pour l’art sous toutes ses formes m’a amenée à obtenir un diplôme d’une école d’art et à poursuivre ensuite des études en architecture. J’ai commencé à travailler en tant qu’architecte en Italie, puis à São Paulo, au Brésil, et à Hong Kong. Mon premier contact avec l’illustration est survenu de manière fortuite par la nécessité de résoudre des problèmes de design intérieur. Pendant mon séjour à São Paulo, ville riche culturellement, j’ai trouvé un terrain fertile pour plonger dans ce monde : j’ai commencé à acheter de plus en plus de magazines et de livres illustrés, à participer à des ateliers et à des cours, mais j’avais très peu conscience de la manière dont l’illustration pouvait devenir une véritable profession. La naissance de ma fille Olivia a coïncidé avec mon déménagement à Hong Kong. Cette période, caractérisée par des rythmes lents mais intenses, la découverte, la curiosité et une véritable immersion dans les livres d’images, a été un tournant. Un jour, j’ai pris un avion pour Shanghai et j’ai passé trois jours à exposer mes œuvres (à ce moment-là, encore très brutes) au Salon du livre pour enfants de Shanghai. Je n’ai pas recueilli beaucoup, mais j’ai compris que c’était un chemin réel et réalisable, et l’illustration est devenue une nécessité. Cependant, j’ai senti que je manquais de bases solides, alors en 2021, j’ai décidé de m’inscrire à un programme de maîtrise à Milan. À partir de ce moment-là, ma perspective sur cette profession a changé, et j’ai réalisé que l’illustration encapsulait dans la bonne mesure tout ce que j’aimais.

Comment les deux âmes de Francesca Gastone, l’architecte et l’illustratrice, coexistent-elles et s’influencent-elles mutuellement ?

Elles coexistent et s’influencent mutuellement constamment au point qu’il est parfois difficile de distinguer où l’une se termine et où l’autre commence. Je me souviens qu’à l’âge de 7 ans, je dessinais seulement des toits et des tuiles, et mon professeur a plaisanté en disant à ma mère que je deviendrais architecte. Que ce soit par sa confiance inébranlable en son jugement ou par une inclination réelle qui m’a motivée, j’ai pris ces mots comme une révélation, comme si j’avais reçu un cadeau, et le chemin devant moi était miraculeusement devenu clair. L’image de l’architecte me semblait magique et incroyablement puissante ; personne dans ma famille n’avait jamais osé se lancer dans ce domaine. Cette anecdote me fait toujours sourire aujourd’hui, et je crois que l’architecture reste l’une de mes plus grandes passions ; je lui dois beaucoup. Cependant, au fil des ans, et après avoir vécu sur trois continents avec des approches différentes du travail de l’architecte, j’ai réalisé que ce rôle me semblait souvent contraignant. L’illustration a d’une certaine manière résolu beaucoup de choses qui étaient restées en suspens en moi, mais la vérité est que je me sens comme une architecte même quand j’illustre. L’école polytechnique m’a inculqué une méthode que j’applique presque inconsciemment à tous les aspects de ma vie professionnelle. C’est un bagage inestimable mais parfois aussi pesant qui m’entraîne souvent dans des schémas dont il est difficile de se libérer.

Comment décririez-vous votre style artistique et comment a-t-il évolué au fil du temps ?

En fait, j’ai commencé en faisant ce que j’ai toujours fait en architecture, mais au lieu de plans et de dessins techniques, j’ai commencé à créer des structures imaginaires et métaphoriques et à les faire vivre. L’architecture ne concerne pas seulement les bâtiments ; c’est un outil pour explorer n’importe quel thème, car il résonne en chacun de nous. Les humains peuvent habiter non seulement des espaces physiques, mais aussi des émotions, des sensations et des idées. Nous avons le pouvoir de décider combien de nous-mêmes investir, que ce soit pour remplir un espace ou le laisser vide – créer un vide, un silence, à la fois physiquement et conceptuellement. C’est ce qui me motive. Souvent, comme avec Foscarini, je joue avec les contrastes, transformant les objets en petits mondes habités. La surprise qui en résulte est mon indicateur de succès ; si je parviens à susciter l’émerveillement, alors je sais que j’ai bien fait mon travail. Un autre aspect crucial est le collage : bien que j’abstraie parfois des éléments pour transmettre rapidement un thème, j’incorpore toujours de vrais personnages et objets. Cette connexion à la réalité est essentielle pour moi, et je choisis méticuleusement leurs expressions, leurs positions et leurs regards.

Quelle est votre principale source d’inspiration quotidienne, et comment cultivez-vous votre créativité ?

Sans aucun doute, les gens et leur diversité sont ma principale source d’inspiration. Mes illustrations ne crient que rarement un message direct, devenant sortes de manifestes. Elles peignent plutôt une image d’un avenir idéal pour moi. Elles mettent principalement en vedette des gens ; l’élément humain est essentiel pour interpréter l’image elle-même. Vivre dans des métropoles animées comme São Paulo et Hong Kong a aiguisé ma perception de la vie des autres, me permettant de reconnaître l’unicité au sein de la multitude. Peut-être est-ce pour cela que j’aime les grandes villes : ce sentiment partagé d’identité est plus courant et semble tangible, presque nécessaire. Je cultive ma créativité en observant et en capturant continuellement des sujets, des lieux et des atmosphères à travers la photographie ; mon ordinateur est rempli de d’innombrables dossiers d’images que je revisite et utilise au besoin. Cependant, rien de tout cela ne serait possible sans une étude continue et une curiosité insatiable pour le passé (ce qui a déjà été fait, les maîtres, le bagage que nous portons) ainsi que pour le présent. Nous vivons à une époque où les stimuli sont excessifs et partout, et nous devons développer notre propre perspective critique. Je crois que cela est extrêmement important.

Parlez-nous de la collaboration avec Foscarini.

Foscarini a été une présence constante dans ma vie en tant qu’architecte, de leurs produits à Inventario. Collaborer avec eux est ce que je qualifierais de “projet de rêve” – c’est la fusion parfaite de tout ce que je chéris.

Dans le projet “What’s in a lamp?” pour Foscarini, vous avez créé des ‘micro-mondes’ fascinants autour des lampes de la collection. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’inspiration derrière cette série ?

Le point de départ étaient les produits Foscarini eux-mêmes. Je voulais qu’ils soient au centre de la narration, donc j’ai commencé à les examiner en termes de leur jeu de pleins et de vides, chacun ayant sa propre vie définie par le temps et la lumière – qu’elle soit naturelle ou artificielle – et les ombres résultantes. Il semblait presque instinctif de les envisager comme des architectures miniatures autour desquelles la vie tourne. Le temps se déroule en une séquence de matinées, d’après-midis, de soirées et de nuits ; les lampes elles-mêmes semblent rester inchangées, mais elles possèdent cette capacité remarquable d’illuminer et de prendre vie, transformant subtilement l’espace et la vie autour d’elles. C’est une subtile enchantement, une réflexion sur la magie quotidienne qui nous entoure – seule différence ici : elle est amplifiée à une échelle différente.

Y a-t-il des objets qui, comme les lampes Foscarini dans votre série, représentent des points fixes, des présences constantes autour desquelles se développent vos expériences quotidiennes ?

J’ai vécu dans de nombreuses maisons et entretiens une relation compliquée avec la notion de maison elle-même (peut-être est-ce là que vient mon obsession pour l’habitat), et avec le temps, je suis devenue de plus en plus sélective dans le choix des objets qui m’entourent. Cependant, le constant, l’ “ancre” dans chacune de ces maisons, je crois, a toujours été la table à manger. La vie dans toute la maison tourne autour de cette table – des repas à la préparation, des études au travail, de l’expérimentation au jeu, de la conversation à l’hospitalité. En fait, elle occupe actuellement presque toute la maison. Si je devais identifier des objets spécifiques qui m’ont accompagnée dans ces onze maisons, ce sont tous des objets petits et faciles à transporter : une figure en bois du Saint-Esprit, un cadeau d’un ami ; un livre de Zumthor ; une vieille photo de mon grand-père capturant l’éclosion d’une plante succulente ; une gravure d’un groupe d’araucarias brésiliennes. C’est comme une petite Wunderkammer portable.

Pouvez-vous approfondir l’aspect narratif de votre processus créatif ?

La narration derrière chaque pièce est cruciale et joue un rôle significatif ; elle enrichit et façonne le travail lui-même. Décider quoi dire, dans quelle mesure, comment l’exprimer et quelle tonalité adopter influence toutes les décisions formelles ultérieures, de la composition à la palette de couleurs. Personnellement, les œuvres que je préfère sont celles qui ne visent pas à fournir des réponses définitives mais plutôt à susciter des questions. Je crois que les illustrations créées pour Foscarini illustrent cette approche : elles dépeignent la vie qui se déroule autour des lampes, mais elles ne nous donnent pas d’instructions sur la façon dont nous devrions interagir avec elles. Elles nous incitent plutôt à réfléchir, à nous voir en elles, et à réfléchir au rôle que nous aurions pu jouer, aux moments de la journée qui résonnent en nous, et au type de lumière qui nous met le plus à l’aise. Elles servent de lien avec les lampes représentées, traçant des chemins qui nous rapprochent d’elles et nous donnent envie de participer à ce carrousel de la vie.

Quelle est votre illustration préférée dans ce projet, et que signifie-t-elle pour vous ?

Chacune de ces illustrations a été un voyage personnel pour moi, mais je dois dire que j’ai une affection particulière pour la nuit de Cri Cri. C’est la seule lampe que j’ai représentée éclairée pendant les heures nocturnes parce que sa ressemblance avec une petite lanterne évoquait immédiatement l’enchantement d’une nuit remplie de vie. Dans ce moment intime et magique, un enfant est captivé, absorbé par les pages d’un livre, rendant l’espace vivant de possibilités.

Quel est votre sujet préféré à dessiner ?

Les enfants sont mon sujet préféré à dessiner, pour plusieurs raisons. Premièrement, ils transmettent sans effort des concepts et des émotions, car leurs activités incarnent souvent des idées complexes de manière simple et immédiate. Leur jeu sert de métaphore pour la vie elle-même. De plus, ils sont un plaisir à dessiner ; On m’a dit que je souriais en les esquissant. En bref, ce sont les meilleurs antidépresseurs.

Que représente la créativité pour vous ?

Je répondrai en écho au verbe que vous avez choisi dans les questions précédentes pour parler de la créativité : cultiver. Je pense que ce verbe encapsule parfaitement son essence : elle est vivante. La créativité demande une nourriture quotidienne, de l’attention et des soins, mais aussi la capacité de la faire grandir et briller. Une capacité qui est liée à la préparation, ainsi qu’à une prédisposition innée.

Fausto Gilberti est un artiste aux multiples facettes : peintre, dessinateur et auteur de livres qui racontent l’art, en particulier l’art contemporain et conceptuel, avec ironie et curiosité. Son style particulier, entre peinture et dessin, en passant par le graphisme et l’illustration, raconte des histoires à travers des images dans lesquelles des personnages stylisés aux grands yeux émergent sur un fond blanc indéfini, créant des scénarios uniques et immédiatement reconnaissables.

Les petits hommes emblématiques se déplacent dans un espace éthéré où ils interagissent avec les lampes Foscarini, créant des situations ironiques et surréalistes. Un trait minimaliste et synthétique, résultat d’années de recherche visant à trouver un signe graphique personnel et universel qui représente la figure humaine réduite à son minimum. En cela, il trouve un fil conducteur avec le design des lampes Foscarini : la recherche de la synthèse, l’élimination du superflu pour atteindre l’essentiel. Gilberti déclare : « Avec le dessin, j’ai toujours recherché la simplicité de la forme et la pureté du signe. J’ai également retrouvé ces éléments formels dans les lampes Foscarini. En les dessinant, je me suis immédiatement rendu compte que leur forme était en parfaite harmonie avec celle de mes personnages ».

Dans cette série de dessins sans précédent, l’archétype du petit homme de Gilberti interagit avec les lampes de la collection Foscarini, les soutenant, les embrassant et s’immergeant figurativement dans leur lumière et leur forme. Un regard unique sur la relation intime entre l’individu et la lumière.

Les illustrations en noir et blanc sont vibrantes et expressives ; de petits détails distinguent les personnages stylisés, et les lampes – la seule note de couleur – aident à définir la personnalité du personnage qui interagit avec elles, tout comme – lorsque nous les choisissons pour nos maisons – elles révèlent quelque chose sur nous.

Suivez le projet « What’s in a Lamp? » sur Instagram pour découvrir l’ensemble de la série et lire notre entretien exclusif avec l’artiste Fausto Gilberti, découvrir ses sources d’inspiration, sa recherche artistique et en savoir plus sur sa collaboration avec Foscarini.

Comment votre aventure artistique a-t-elle commencé ? Avez-vous toujours pensé que l’art serait votre voie ? Quelle a été votre première expérience significative dans ce monde ?

Enfant, je regardais mon frère Mario peindre et je l’imitais. Mario est beaucoup plus âgé que moi et il avait l’habitude de m’emmener à ses expositions dans toute l’Italie et dans les villes d’art pour voir les vieux peintres. C’est Fra Angelico qu’il préfère encore.

C’était en 1987 et je fréquentais une école d’art. Pendant le cours de géométrie, je complétais en cachette un dessin représentant quelques centaines de petits bonshommes qui remplissaient entièrement une petite feuille. À un moment donné, le professeur a remarqué que je n’écoutais pas le cours. Il s’est alors approché de moi de manière menaçante et a découvert que je dessinais pour moi. Cependant, à ma grande surprise et à celle de tous mes camarades de classe, au lieu de s’énerver, il m’a dit : « Bravo Gilberti, continue ! »

Ce dessin, que je conserve encore aujourd’hui, est une composition de 562 petits bonshommes de deux centimètres et demi disposés en dix rangées. Tous différents. Il est intitulé : « La Nonne ». Je considère cet épisode comme le début de tout.

Qu’est-ce qui vous motive à créer ? Votre inspiration vient-elle de la curiosité, de la recherche de sens ou de l’expression visuelle pure ?

Je suis attirée par toutes les images que je vois, pas seulement les images artistiques. Même ceux qui sont postés sur les réseaux sociaux ou publiés dans un simple magazine de papier glacé m’intéressent. Même ceux décrits par un texte littéraire ou projetés par un film ou évoqués par l’écoute d’une musique. Toute image qui me frappe peut être une source d’inspiration.

Votre style minimaliste et synthétique, avec des personnages stylisés aux grands yeux hagards, est devenu votre marque de fabrique. Comment avez-vous développé ce style particulier ?

Ce fut un lent processus de synthèse et de réduction de mon signe.

Comme je l’ai dit, il y a quelques années, j’avais l’habitude de dessiner des figures humaines riches en détails. Chaque petit bonhomme était différent. Chacun d’entre eux avait des caractéristiques uniques : c’étaient des personnages. Or, le petit bonhomme que je dessine est une représentation de l’homme dans une tonalité universelle réduite au strict minimum.

Parlons du projet avec Foscarini, « What’s in a lamp? ». Qu’est-ce qui vous a particulièrement inspiré dans cette collaboration ? Quelle est votre œuvre préférée dans le cadre de ce projet et que signifie-t-elle pour vous ?

En dessin, j’ai toujours recherché la simplicité de la forme et la pureté du signe. J’ai également retrouvé ces éléments formels dans les lampes Foscarini. En les dessinant, je me suis immédiatement rendu compte que leur forme était en parfaite harmonie avec celle de mes personnages.

Parmi les dessins que j’ai réalisés, mon préféré est celui de la lampe Gregg. Je voulais transmettre la douceur, la poésie et l’élégance de cette lampe. Et le sujet de l’étreinte m’est venu presque automatiquement.

Malgré un style minimaliste, nombre de vos œuvres parviennent à raconter des histoires, des vies, des situations et des émotions en quelques traits. Pouvez-vous nous parler de l’aspect narratif de votre processus de création ?

Il suffit parfois de modifier l’épaisseur d’une ligne pour que le dessin change d’aspect et de sens. Mettre des signes, des formes et des couleurs sur le papier, c’est un peu comme composer un morceau de musique, les notes sont toujours les mêmes, mais vous avez un nombre infini de possibilités de les combiner, il suffit d’un rien, et la musique change.

Quelles sont les sources d’inspiration qui guident votre travail ? Qu’est-ce qui vous fascine dans la réalité qui vous entoure et comment cela se reflète-t-il dans votre style ?

J’ai toujours aimé la peinture médiévale et du début de la Renaissance, et j’ai toujours essayé de composer mes œuvres en m’inspirant des caractéristiques formelles de ces périodes artistiques : le symbolisme, l’essentialité et la nature statique de la peinture médiévale ; l’harmonie, l’équilibre et la puissance narrative de la peinture de la Renaissance. J’ai suivi une formation artistique dans le monde de l’art contemporain, mais en même temps, j’ai toujours regardé et étudié d’autres domaines créatifs.

Il y a quelques années, l’une de mes principales sources d’inspiration était la musique, les vidéoclips, les pochettes d’album, ainsi que l’imagerie dont s’inspiraient certains genres musicaux. J’ai peint de nombreux tableaux sur ce thème et j’ai publié un livre contenant environ 200 dessins.

Le cinéma m’a également souvent inspiré : en 1999, pour l’une de mes toutes premières expositions personnelles, j’ai créé une série d’œuvres (huiles sur toile, dessins et peintures murales) inspirées par Twin Peaks de David Lynch.

Je suis convaincu que chaque artiste se raconte toujours, que son œuvre est toujours « autobiographique ». Toutes mes expériences de vie, mes passions et mes obsessions se reflètent dans mon travail.

Vous avez créé une série de livres illustrés avec Corraini Edizioni qui racontent la vie de différents artistes, tels que Piero Manzoni, Banksy, Yayoi Kusama. Pourquoi avez-vous choisi de raconter la vie et l’œuvre d’autres artistes, et quelle est l’importance de le faire à travers l’objectif d’un collègue artiste ? Comment votre approche artistique se reflète-t-elle dans ces biographies ?

Le premier livre de la série sur les artistes contemporains est né presque par hasard. L’idée m’est venue lors de la visite de l’exposition Piero Manzoni à Milan en 2014. J’avais également emmené Emma et Martino (mes deux enfants, âgés de 7 et 8 ans à l’époque) avec moi, même si je craignais qu’ils ne s’ennuient. Je les ai vus déambuler dans les couloirs du Palais royal, intrigués et amusés, et regarder avec étonnement les œuvres bizarres de Manzoni. C’est là que j’ai réalisé que mon prochain livre raconterait une histoire vraie ! Celle de Piero Manzoni. Après avoir publié le livre, je me suis rendu compte qu’il existait d’autres artistes conceptuels et révolutionnaires comme Manzoni, souvent considérés avec préjugés par les adultes, dont on n’avait pas encore parlé aux enfants. Avec Corraini, nous avons donc réfléchi puis décidé de lancer une série dédiée.

Je réalise ces livres avec une approche très similaire à celle que j’ai lorsque je dessine ou peins pour une exposition. Je travaille en toute liberté et ne me fixe aucun objectif didactique ou pédagogique. J’essaie de divertir et d’amuser le public en lui racontant une histoire, même complexe, de la manière la plus minimale et la plus efficace possible, en faisant un excellent travail de synthèse du signe graphique et surtout du texte.

Quels ont été vos professeurs ou vos influences les plus importants dans la formation de votre vision artistique ?

Des artistes contemporains comme Yves Klein, Keith Haring, Jean Dubuffet, Jochum Nordstrom, Raymond Pettibon et bien d’autres. Des peintres anciens tels que Rosso Fiorentino, Piero della Francesca, Jan Van Eyck. Des écrivains tels que Cormac McCarthy et Raymon Carver. Des réalisateurs tels que David Lynch et Lars Von Trier. Des musiciens tels que Miles Davis, The Cure, Joy Division, Radiohead, Apex Twin, Nine Inch Nails, Bon Iver, Alt-J.

Avez-vous un rituel de dessin ? Avez-vous des habitudes ou des méthodes particulières pour dessiner ?

Disons que je ne dessine pratiquement jamais en silence. Je le fais soit en écoutant de la musique, soit en écoutant un film ou une série télévisée et en jetant un coup d’œil entre les pauses (c’est-à-dire lorsque je retire mon pinceau du papier).

Qu’est-ce que la créativité pour vous ?

C’est la capacité de regarder le monde et tout ce qui s’y trouve de plusieurs points de vue. À la recherche de quelque chose qui n’est pas immédiatement apparent pour la plupart des gens. Et de retravailler de manière personnelle ce que nous avons découvert et compris.

L’artiste milanais Stefano Colferai apparaît comme un talent aux multiples facettes. De graphiste et illustrateur, il est passé à la modélisation 3D puis à la sculpture, adoptant un matériau peu utilisé – la pâte à modeler – comme moyen d’expression. Ses personnages et animations humoristiques et attachants ont attiré l’attention d’éditeurs et de magazines, y compris à l’étranger, qui ont contribué à faire connaître son art à un public international.

Dans sa série pour le projet éditorial de Foscarini « What’s in a Lamp ? » Stefano Colferai, inspiré par le projet photographique VITE (de Foscarini et Gianluca Vassallo, plus d’informations ici [lien]), explore la relation entre la lumière, la lampe, la personne et la maison en créant une série animée unique. Les lampes Foscarini font partie intégrante de la routine quotidienne d’un adorable personnage en pâte à modeler créé par l’artiste, l’accompagnant du petit-déjeuner au visionnage du soir.

Dans cette interview exclusive, nous explorons l’univers créatif de Stefano Colferai et nous nous penchons sur sa collaboration avec Foscarini. L’artiste nous fait part de son parcours artistique, de son choix de la pâte à modeler comme matériau emblématique et de l’importance cruciale de la lumière dans son art.

Parlez-nous un peu de vous : avez-vous toujours su que vous vouliez devenir artiste ? Quel est le chemin qui vous a conduit à la sculpture ?

Je pense que oui ! J’ai toujours eu le désir, la volonté et le besoin d’exprimer mes idées et de les transmettre par différents moyens, en cherchant constamment celui qui correspondrait le mieux à mon imagination et me donnerait satisfaction. Il s’agit d’un parcours autodidacte qui a toujours eu pour fil conducteur la création de personnages, passant du dessin sur papier au dessin numérique et de la peinture à la sculpture.

Pourquoi avez-vous choisi de travailler avec un matériau tel que la pâte à modeler ? Comment avez-vous appris à l’utiliser ?

Lors de la phase de recherche stylistique, j’ai été très attiré par le monde 3D et par la possibilité de donner plus de profondeur aux personnages et aux illustrations que je faisais (il y a une dizaine d’années). En approchant et en rencontrant le langage 3D, et venant déjà d’une période d’expérimentation numérique, j’ai réalisé qu’en fait mon virage créatif pouvait évoluer vers une direction plus artisanale et me rapprocher de l’attitude authentique du travail avec mes mains. J’ai ensuite commencé à travailler avec de la pâte à modeler et à la photographier, car j’ai eu l’intuition que je pouvais l’utiliser comme matériau pour mes sculptures tout en restant fidèle à mon style de l’époque et en simulant un véritable effet 3D.

Quel est votre processus de création ? Avez-vous un rituel lorsque vous créez vos sculptures ?

C’est très spontané, je fais rarement des croquis d’idées parce que je préfère visualiser immédiatement et donner forme avec mes mains à une idée que j’ai eue. Mon rituel consiste peut-être à noter toutes les idées que j’ai sur les notes de mon téléphone afin de ne pas les laisser filer et de les reprendre lorsque je peux les réaliser. Depuis lors, il s’agit d’un flux continu entre la sculpture, la photographie, l’animation et la post-production.

Quel est le rôle de la lumière dans votre art ?

Le rôle de la lumière est crucial : Mes œuvres n’existeraient pas sans la photographie ! Bien qu’il y ait une grande continuité en termes d’éclairage dans mes travaux, j’ai fait beaucoup de recherches au fil des ans pour trouver la meilleure relation entre mes sujets, mon décor, mon environnement et l’éclairage, en essayant de construire une narration à travers la lumière. En communiquant par le biais de photos et de vidéos, un éclairage correct peut incroyablement mettre en valeur une sculpture réalisée et des images séquencées qui créent une animation, créent l’atmosphère appropriée, définissent le corps et le caractère de chaque scène. L’étude de la lumière de chaque animation ou image fixe est l’un des moments auxquels je consacre le plus de temps, avec le modelage.

Comment est née la collaboration avec Foscarini ?

Certainement de la communion pour l’intérêt réciproque de quelques éléments très importants tels que la lumière, l’attention, le sens de la forme et l’artisanat.

Dans ce projet, vous avez décrit des scènes domestiques et familières dans lesquelles la lumière et les lampes Foscarini accompagnent le personnage principal et racontent quelque chose sur sa personnalité en activant des sentiments et des émotions dans lesquels il est facile de s’identifier. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’inspiration de cette série ?

J’ai immédiatement trouvé très intéressant le projet VITE de Foscarini, qui raconte l’histoire de la relation entre la lumière/lampe, la personne et la maison par le biais de la photographie. Pour moi, il était inspirant de capturer l’imperfection dans les prises de vue de ces histoires où la lumière est importante et d’essayer de questionner la façon dont la relation entre la personne et la maison a changé au fil des ans. En ce qui concerne la conception du personnage et stimulé par ce projet Foscarini, j’ai voulu créer mon propre personnage ad hoc et le faire vivre dans différents environnements hypothétiques, comme s’il s’agissait d’instantanés de Vite. Le personnage poursuit donc sa vie quotidienne, accompagné par la lumière et la forme des lampes dans les différentes pièces où il se trouve, en conservant intact, dans les actions qu’il accomplit, le langage qui caractérise mon style, avec la même spontanéité que les histoires de VITE.

Y a-t-il des objets qui, où que vous alliez, vous donnent l’impression d’être chez vous ?

Oui, et je mettrais sur la liste les tasses à café, les fauteuils, les tables en bois, les lampes, les cadres et les gravures, les cartes géographiques, les commodes et les étagères à chaussures, les tourne-disques et les disques, les jeux de société et les cartes à jouer. Je pourrais continuer, la liste est longue !

Quelle(s) scène(s) préférez-vous dans cette série et pourquoi ?

Je me suis attaché à la scène du peintre, que je relie à mon grand-père, tant en termes de construction de décors que de lumière et d’ambiance. Il a toujours peint en reproduisant des paysages de cartes postales, des photos de paysages issus de journaux ou d’autres souvenirs de ses lieux. La peinture de Venise qui compose le personnage est un easter egg qui mentionne les origines de Foscarini mais qui me rappelle aussi beaucoup lui.

Quelles sont vos sources d’inspiration et comment cultivez-vous votre créativité ?

J’en ai plusieurs et j’essaie de les faire vivre : j’aime beaucoup les marchés, où l’on peut rencontrer toutes sortes de gens, observer des situations inattendues, sentir des odeurs et écouter des sons, des bruits et des langues différents. Je suis très inspirée par le fait d’aller dans des galeries et d’essayer de comprendre des artistes que je ne connaissais pas, de les aimer ou de ne pas les aimer. Je suis inspiré par tout ce qui implique un effort manuel et fait appel à la créativité, je suis inspiré par les personnes qui repoussent leurs limites et par les exploits sportifs. Je suis inspiré par ceux qui atteignent leurs objectifs, mais aussi par ceux qui n’y parviennent pas malgré leurs efforts. Je suis inspiré par ceux qui apportent le changement et je trouve inspirant d’être sous la douche. Je suis inspiré par les voyages et j’aime sortir de ma zone de confort. Les histoires m’inspirent. Beaucoup de choses m’inspirent et j’essaie de cultiver ma créativité comme si toutes ces choses étaient des ampoules à allumer au bon moment !

Que signifie la créativité pour vous ?

Rendre visible ce qui n’a pas encore été créé.

Nouveau chapitre dans le projet éditorial de Foscarini « What’s in a Lamp ? » : l’artiste italien Luccico réinterprète artistiquement le concept de « réalité augmentée » d’une manière nouvelle et surprenante. Les natures mortes raffinées du photographe Massimo Gardone rencontrent l’imagination de Luccico, créant des récits inattendus et surréalistes dans lesquels les lampes iconiques de Foscarini occupent le devant de la scène et deviennent les protagonistes de contes de fées figuratifs.

Luciano Cina, plus connu sous le nom de Luccico, n’est pas seulement un artiste : c’est un conteur qui sait donner un nouvel éclairage aux choses ordinaires. Spécialisé en écoconception à l’École polytechnique de Turin, sa carrière artistique a commencé par un surnom – Luccico – né par hasard au cours de ses études universitaires. En 2014, il a lancé le projet #MoreThanAPics sur Instagram : des photographies d’aperçus quotidiens qui deviennent surréalistes par la seule utilisation de ses doigts, d’une tablette et de sa touche personnelle de créativité, de légèreté et d’ironie. C’est ainsi qu’un théâtre se transforme en aquarium, une fosse d’asphalte en ours polaire, une nappe de pétrole en cheval sauvage et la colonnade de Saint-Pierre en ensemble de jazz. Pour Luciano Cina, même le détail le plus banal peut devenir une œuvre d’art.

Parlez-nous un peu de vous et de votre parcours artistique : comment est né « Luccico » ? Quand avez-vous commencé à dessiner ?

Luccico est un surnom que l’on m’a donné lorsque j’étais à l’université. En jouant avec mon nom, Luciano est devenu Lucio, puis Luce, boom, Luccico est apparu.
J’ai commencé à dessiner un peu par hasard. Je venais de prendre mon billet d’avion pour ce qui allait être ma nouvelle ville, et alors que j’étais perdue dans mes mille pensées, j’ai fait un croquis sur mon smartphone : un avion dans les nuages sur une photo. Je l’ai partagé sur les réseaux sociaux et ma vie a changé. Et aujourd’hui, presque dix ans plus tard, je continue à raconter cette histoire.

En 2014, vous avez commencé à peupler Instagram de votre « réalité augmentée », des clichés photo qui prennent vie grâce à vos illustrations en surimpression. Quand et comment est né votre projet créatif ?

La réalité augmentée est l’expression la plus appropriée pour décrire le projet #MoreThanAPics, car elle va au-delà de la simple photographie.
L’idée est venue du désir d’ajouter quelque chose de plus aux photos, un message, une pensée. Je suis constamment à la recherche de petits détails qui peuvent servir de passerelle vers mon monde imaginaire. J’aime combiner des scènes de la vie quotidienne, des moments et des lieux emblématiques avec des paysages fantastiques et surréalistes. Un monde de rêve où la seule limite est celle de notre imagination.

Vos images racontent des histoires, grâce à l’universalité du langage visuel. Dans votre processus de création, comment développez-vous la composante narrative pour créer une histoire à partir d’une image ?

J’aime vraiment me laisser porter par les émotions que je ressens à un moment donné.
Pour trouver l’inspiration, j’observe tout ce qui m’entoure. C’est souvent le même sujet vu sous différents angles qui enflamme ma créativité.

La collaboration avec Foscarini a débuté en 2015, presque par hasard, et est aujourd’hui renouvelée pour le projet « What’s in a lamp ? ». Six photos de produits, prises par le photographe Massimo Gardone, rencontrent votre imagination et donnent vie à des situations inattendues et surréalistes. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’inspiration de cette série ?

La première collaboration est un souvenir indélébile. Pour un étudiant en design comme moi, c’était comme réaliser un rêve.
Foscarini a toujours été connu pour son originalité et son innovation, et l’opportunité d’être associé à une marque de renommée mondiale a été une source de grande fierté.
La simplicité des compositions photographiques de Massimo Gardone, combinée à l’utilisation minimale de la lumière et de la couleur, m’a permis d’explorer et de réinterpréter ironiquement le design de ces lampes emblématiques.

Quelle est ou quelles sont votre ou vos illustration(s) préférée(s) dans cette série et pourquoi ?

Je pense au lampadaire Twiggy de Marc Sadler : la tige flexible, semblable à une canne à pêche, a été l’inspiration parfaite pour une merveilleuse histoire de pêche.

Vos œuvres font appel à la créativité et à la capacité de regarder la réalité sous des angles différents et originaux : comment conservez-vous votre fraîcheur pour faire place aux idées ? Quelles sont vos sources d’inspiration ?

L’entraînement à la créativité prend du temps. J’essaie de consacrer des moments de la journée à l’exploration, à l’expérimentation et au jeu, car l’imagination nous permet de libérer notre potentiel créatif. Ces moments peuvent consister en un croquis rapide, une promenade dans les rues de la ville, la lecture d’un livre hors de notre genre habituel, ou simplement l’observation des nuages dans le ciel.
Chaque petit geste contribue à entretenir l’étincelle de la créativité et j’espère ne jamais me lasser d’observer notre environnement avec des yeux d’enfant.

Avez-vous un sujet de prédilection à dessiner ?

J’aime dessiner des avions en papier parce que je les associe à la légèreté de la pensée.
Par ailleurs, je travaille à la création d’un personnage qui sera une présence constante et reconnaissable dans mes futurs travaux.

Avez-vous un rituel de dessin ?

Je dessine généralement le soir. Après une journée de travail bien remplie, c’est ma façon de me détendre.
J’essaie de ne pas dépasser 30 minutes de dessin car ils doivent être directs, simples, clairs et avec peu de lignes.
Travailler sur une image pendant plus de 30 minutes rend le message difficile à comprendre.

Que signifie la créativité pour vous ?

Une étincelle qui enflamme l’imagination et transforme l’ordinaire en extraordinaire.

Alessandra Bruni est une âme rêveuse, née en 1997, qui danse avec la créativité. En tant qu’artiste et tatoueuse, sa passion pour l’art a toujours été son compagnon de voyage, mais c’est au cours des dernières années qu’elle s’est imposée comme l’une des voix les plus inspirantes de la scène italienne, qui a réussi à attirer l’attention de grands journaux tels que le New York Times, L’Espresso et l’Internazionale. Sa passion pour l’illustration est quelque chose de relativement récent : ce n’est que pendant la période de pandémie déclenchée par le Covid-19 qu’Alessandra a commencé à partager ses illustrations sur Instagram. Ses œuvres, inspirées par des sujets d’actualité, parlent d’émotions et de relations humaines, offrant une vision immédiate et profonde dans un style unique et distinctif, avec un trait minimaliste mais extrêmement évocateur.

Dans sa série pour le projet « What’s in a lamp », Alessandra a fait de la lumière le protagoniste, en créant des scénarios domestiques qui, bien que familiers, sont étonnamment surprenants. Des récits en images où chaque lampe résonne harmonieusement avec la personnalité du protagoniste, la révèle et active des sentiments et des émotions dans lesquels il est facile de s’identifier. Des images qui, comme autant de fenêtres ouvertes sur notre quotidien, semblent parler de nous, de ce que nous avons été ou de ce que nous serons, et créent des atmosphères presque palpables, porteuses d’une grande intimité.

Découvrez l’interview complète d’Alessandra Bruni et plongez dans son univers fascinant de lumière et d’émotion.

Parlez-nous un peu de vous : avez-vous toujours su que vous vouliez devenir illustratrice ? Quand avez-vous commencé à dessiner et comment avez-vous développé votre style ?

Je n’ai pas toujours su que je voulais devenir illustratrice, mais j’ai toujours rêvé de travailler avec l’art et d’y consacrer ma vie. J’ai commencé à dessiner dès l’enfance : à l’âge de trois ans, j’avais déjà des crayons dans la main et j’aimais gribouiller sur l’ordinateur avec Paint, ce que je pourrais décrire comme une sorte de première approche du monde numérique. Pendant ma scolarité, bien que je n’aie pas choisi une voie artistique, je m’adonnais au dessin réaliste de façon presque maniaque, copier sur le vif a été la phase initiale de mon parcours, comme si je voulais assimiler les formes des choses, des visages, des corps. En grandissant, j’ai eu besoin de donner un sens et un contenu aux images, et j’ai donc commencé à me concentrer sur l’illustration conceptuelle. Le style est en constante évolution, il s’adapte naturellement aux phases que je traverse dans mon travail et mon parcours personnel, il y a évidemment une part de recherche mais le facteur instinctif est toujours très influent.

Comment est née la collaboration avec Foscarini ?

La collaboration avec Foscarini a commencé par ce qui est peut-être le rêve de tout artiste. Foscarini a remarqué mon travail dans une librairie, lorsqu’il a lu mon nom derrière la couverture d’un livre que j’avais illustré. Je pense qu’il n’y a rien de plus gratifiant que de savoir que mon travail a été apprécié et découvert par hasard, authentiquement, avec la simplicité de trouver un peu de vérité dans un lieu commun « être au bon endroit, au bon moment ».

Vos illustrations sont en fait des histoires : elles ne sont pas racontées avec des mots, mais à travers l’immédiateté et l’universalité du langage visuel. Pouvez-vous nous parler de la partie « narrative » de votre processus de création ?

Nous vivons une période historique où chacun aspire à faire entendre sa voix en l’élevant, en essayant d’écraser celle des autres, parfois sans prendre le temps de réfléchir. J’espère aller à contre-courant avec ce travail : ce que je préfère, c’est écouter. J’essaie d’absorber autant d’informations que possible et de les transformer en une image. Il s’agit simplement de choisir les bons éléments qui, mis ensemble, en disent plus long que bien des mots.

Dans ce projet avec Foscarini, vous avez décrit des scènes domestiques à la fois familières et surprenantes : des situations dans lesquelles la lumière a un pouvoir de transformation et devient presque matérielle, créant des situations inattendues et surréalistes. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’inspiration de cette série ?

Avant de commencer à imaginer ces illustrations, j’ai eu le plaisir d’entendre les propos de Carlo Urbinati, fondateur et président de Foscarini. Ses histoires et la passion avec laquelle il vit son travail m’ont énormément inspirée. Ce projet m’a amené à manipuler la lumière et à la considérer comme vivante. La lumière, dans la vie quotidienne comme dans une manifestation artistique, nous permet de donner plus de valeur ou d’importance à un élément, ici la lumière elle-même est le protagoniste. L’idée d’« éclairer la lumière » m’a beaucoup fasciné et je me suis amusé à jouer avec elle pour créer cette série, sans oublier de donner autant d’importance aux ombres.

Dans cette série, les lampes sont le tournant, le détail qui transforme un simple « espace » en un environnement chaleureux et personnel que nous pouvons appeler maison, définissant son atmosphère, racontant quelque chose sur la personnalité du protagoniste de l’image, activant des sentiments et des émotions dans lesquels il est facile de s’identifier. Y a-t-il des objets qui, où que vous alliez, vous donnent l’impression d’être chez vous ?

En répondant à ces questions, je vis un moment unique et particulier. Je suis sur le point d’acheter ma première maison. J’ai 25 ans et tout au long de ma vie, je n’ai pensé qu’à partir sans jamais m’arrêter. C’est donc la première fois que je ressens le besoin de cela, de « chaleur », d’un espace où revenir et se sentir chez soi. Ces dernières années, j’ai été confrontée à différents contextes, j’ai déménagé à plusieurs reprises et les objets que j’ai toujours emportés avec moi sont des livres. Des cartons de livres que j’ai déjà lus, certains dans mon enfance, mais qui sont un élément fondamental de l’environnement, qui définissent l’atmosphère et me transmettent la sérénité. Honnêtement, je n’y avais pas encore pensé, mais j’ai hâte de découvrir les autres objets qui définiront ma maison.

Quelle est ou quelles sont votre ou vos illustration(s) préférée(s) dans cette série et pourquoi ?

Il n’est pas facile de choisir une illustration « préférée », car chaque image est unique, tout comme les lampes qui m’ont inspirée. Si je devais choisir, je dirais peut-être celle que j’ai créée pour Gregg à partir de la suspension. L’image montre une jeune fille absorbée par la fenêtre, la lampe générant un paradoxe puisque la lumière se reflète sur la mer à l’extérieur. J’ai ainsi élevé l’objet au rang de « soleil » de l’environnement domestique. De plus, l’intérieur et l’extérieur communiquent l’un avec l’autre et la frontière est imperceptible. Plus profondément, il s’agit d’une métaphore qui décrit comment nos mondes intérieur et extérieur sont intimement liés.

Votre production va de l’actualité aux relations humaines, des sentiments intimes aux questions environnementales et sociales. Quel est votre sujet de dessin préféré, le domaine dans lequel vous vous sentez le plus à l’aise ?

J’ai tendance à toujours chercher de nouveaux stimuli pour mon travail, une constante étant probablement la figure humaine. Presque toutes mes illustrations mettent en scène des êtres humains en interaction avec leur environnement, car je suis fascinée par les infinies facettes de leur âme et de leur psyché. Tout au long de l’histoire, l’être humain s’est montré capable de créer des œuvres incroyables et belles, mais aussi de faire des choses terribles, parfois irréparables. C’est peut-être la raison pour laquelle nous sommes des animaux si complexes. En même temps, je me sens très à l’aise pour explorer ce vaste thème, car j’éprouve moi-même des émotions contradictoires au quotidien et le dessin peut être extrêmement cathartique, ainsi qu’un moyen de communiquer avec les autres.

L’inspiration et la créativité sont au cœur de l’illustration éditoriale. Quelles sont vos sources d’inspiration ?

Mes sources d’inspiration sont multiples. J’essaie de m’inspirer de tout ce qui m’entoure, à commencer par mon environnement. Les films, les œuvres d’art et les photographies sont également de bons modèles dont on peut s’inspirer pour créer quelque chose de nouveau. En outre, je suis le travail de nombreux maîtres de l’illustration qui me stimulent et me servent d’exemple pour m’efforcer de m’améliorer constamment, et j’en mentionne quelques-uns ici : Noma Bar, Ivan Canu, Beppe Giacobbe, Pablo Amargo.

Que signifie la créativité pour vous ?

La créativité est un élan qui vient de l’intérieur et qui peut aller dans de nombreux sens. C’est le besoin atavique de relier différents éléments entre eux pour créer quelque chose de nouveau. La vie elle-même doit tout à la créativité. Pour moi, créer signifie explorer, grandir, mais surtout s’amuser. Quand je crée, j’ai l’impression de faire ce pour quoi je suis au monde, c’est un sentiment complétement irrationnel, j’en suis consciente, mais c’est aussi extrêmement agréable.

Armé d’un simple stylo, Kevin Lucbert donne vie à des scénarios suspendus entre le familier et l’inconnu. Son style unique, qui franchit les frontières entre l’écriture, le dessin et la peinture, encourage les gens à explorer leurs rêves et à commencer à griffonner. Il prend un objet de tous les jours – un stylo-bille -, le réinvente et en fait un outil d’expression créative libre.

Kevin Lucbert, qui se décrit lui-même comme un « franco-berlinois », est diplômé de l’École nationale des arts décoratifs de Paris en 2008 et vit aujourd’hui entre Berlin et Paris en tant que membre de The Ensaders, un collectif d’artistes actif dans les domaines de la performance, des expositions et des ateliers de dessin.

Sa créativité est ancrée dans le pouvoir de rêver et de concrétiser le rêve. Repoussant les limites de la conscience, il crée des mondes mystérieux qui intègrent harmonieusement des éléments naturels tels que le soleil, l’eau, la terre et le ciel. Cette combinaison suggestive est capable de brouiller la perception de la réalité et invite à un fascinant voyage imaginaire à travers l’espace et le temps. Par son coup de crayon, l’artiste devient notre guide visionnaire et nous plonge dans son univers vibrant et mystique.

Dans sa série pour le projet « What’s in a Lamp? » de Foscarini, Kevin Lucbert a exploré la collection de lampes Foscarini en laissant libre cours à son imagination. Le résultat : des scénarios surréalistes imprégnés de son style inimitable. Plongez dans les abysses de la mer et vous rencontrerez de fascinantes méduses Chouchin et d’insolites poissons-lanternes guidés par des Twiggy illuminées ; ou contemplez le ciel en regardant à travers la lampe de table Nile qui, transformée en télescope géant tourné vers la lune, devient un portail vers l’univers et la voûte céleste.

Découvrez la magie de Kevin Lucbert et laissez-vous transporter par son art dans des dimensions extraordinaires. La série complète se trouve sur la chaîne Instagram @foscarinilamps.

Parlez-nous un peu de vous et de votre parcours en tant qu’artiste. Avez-vous toujours été conscient que c’était la voie que vous vouliez suivre ?

Je suis né à Paris en 1985. Enfant, je me suis plongé dans la bande dessinée, lisant et relisant la collection familiale de classiques tels que Tintin et Astérix. J’ai ensuite découvert la bande dessinée d’auteur à travers des revues comme « Métal Hurlant » et « À Suivre ». Des artistes comme Moebius, Tardi, Hugo Pratt, Enki Bilal, Druillet et Comès ont publié des histoires bizarres mais fascinantes dans leur style personnel, avec des dessins complexes à l’encre en noir et blanc. Cela a fortement impressionné mon jeune esprit, alimentant ma passion pour la bande dessinée et l’illustration.
Des années plus tard, j’ai étudié l’art à l’École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris, en me concentrant sur la division « image imprimée ». J’y ai étudié l’illustration, la gravure, la sérigraphie, le graphisme et je me suis également essayé à la réalisation de films. L’approche pluridisciplinaire de cette école favorise l’ouverture d’esprit et a élargi mes perspectives. En 2005-2006, j’ai eu le plaisir de participer à un échange Erasmus et d’étudier le design des communications à la Kunsthochschule Berlin-Weissensee, une expérience très précieuse pour moi. En 2012, j’ai décidé de m’installer à Berlin, où ma famille et moi vivons depuis 10 ans.
Je suis également fière d’être membre du collectif d’artistes « Ensaders », que j’ai cofondé avec deux autres étudiants : Yann Bagot et Nathanaël Mikles. Depuis notre rencontre en 2002, nous avons collaboré à des projets collectifs, animé des ateliers et mis en scène des spectacles.

Votre style particulier, avec des traits de stylo-bille qui manipulent habilement les ombres et la lumière, nous intrigue. Comment décririez-vous votre style ?

Mon style est figuratif, orienté vers la simplification et l’abstraction des formes. J’oppose les lignes droites et pures et les motifs géométriques aux courbes et au chaos des éléments naturels. Le paysage urbain moderne, avec son orthogonalité, contraste avec les mers sauvages ou les forêts sombres. J’aime combiner les contraires. Le stylo-bille me permet de créer des détails complexes, presque comme une gravure, et en même temps, je peux utiliser une règle pour tracer des grilles ou des motifs géométriques avec des lignes nettes et précises. Ces différents styles de traits, rendus homogènes par l’encre bleue, ouvrent un éventail de possibilités graphiques que j’aime explorer.

Qu’est-ce qui vous a poussé à choisir le stylo-bille comme outil de prédilection ?

J’utilise des stylos-billes parce que j’aime dessiner à l’extérieur et que j’en ai toujours un à ma disposition. Je n’aime pas transporter beaucoup d’outils et de matériel de dessin. L’emblématique stylo bleu Bic est un objet que tout le monde a à portée de main. C’est l’instrument par lequel les rêves prennent forme en griffonnant sur une feuille de papier. C’est le même stylo avec lequel je griffonnais, enfant, en remplissant les bords de mes cahiers d’écolier. Lorsque je suis au téléphone, je l’utilise pour prendre des notes, puis je crée inconsciemment des motifs complexes qui se chevauchent sur un post-it. J’étais curieux de découvrir comment je pouvais exprimer quelque chose de complètement nouveau en utilisant un outil aussi simple, en créant un univers original avec seulement de l’encre bleue.

Pouvez-vous nous parler de l’importance du double scénario bleu-blanc dans vos illustrations surréalistes ?

Je suis fasciné par la couleur bleu-rouge caractéristique du stylo Bic. C’est un bleu qui peut prendre une grande intensité. Les lignes peuvent être croisées presque à l’infini pour créer des nuances et de la profondeur, comme dans la technique de l’eau-forte. Dans mes illustrations, j’utilise le blanc du papier comme réserve pour créer du contraste et de la luminosité, afin de renforcer l’importance de la couleur bleue.
Selon moi, le bleu est une couleur étroitement liée au monde des rêves. Il est lié à l’eau, à la nuit et au sommeil, à ce monde onirique ancré dans le mystère de l’inconscient. L’inconscient s’exprime dans un langage étrange que nous pouvons tenter de traduire par l’art. Selon moi, un dessin, comme toute œuvre d’art, est le résultat de l’alchimie qui s’opère entre le conscient et l’inconscient. Le bleu des stylos-billes nous est si familier qu’il est devenu partie intégrante de notre psyché.

Comment décririez-vous vos premières impressions sur les lampes Foscarini lorsque vous les avez rencontrées pour la première fois ?

Je les ai trouvées belles et élégantes. Les formes à la fois simples et complexes m’ont impressionné. Plus que de simples lampes, j’ai vu des histoires de lumière qui peuvent inspirer et stimuler des idées dans un environnement. La lumière joue un rôle important dans mes dessins monochromes et je travaille souvent sur le contraste entre les zones claires et sombres. La beauté de la lumière est renforcée par la force de l’obscurité qui l’entoure. Je me souviens souvent de cette citation de Stanley Kubrick : « Quelle que soit l’étendue des ténèbres, nous devons apporter notre propre lumière ».

Dans cette série d’œuvres, les lampes Foscarini s’intègrent dans des décors oniriques, contribuant à donner vie (et lumière) à des mondes imaginaires et surréalistes. Pouvez-vous nous parler de l’origine de l’inspiration de cette série ?

Cette série est intimement liée au surréalisme, aux rêves et aux contes de fées. Lorsque j’étais enfant et que je passais mes vacances en Bretagne, le pays d’origine de ma mère, j’étais entourée d’une culture riche en légendes et en créatures bizarres issues de la mythologie celtique. Esprits, créatures et fées animent les landes et les châteaux en ruine, suggestions qui constituent la base de mon travail artistique.
J’aime projeter des objets contemporains dans des réalités surréalistes, où des choses ordinaires comme des chaises carrées, des lampes et des parquets modernes prennent vie, se transformant en entités étranges qui franchissent la frontière entre le rêve et la réalité.
J’ai commencé par regarder la forme abstraite de la lampe, en essayant d’imaginer les émotions qu’elle pourrait susciter en moi. À partir de là, j’ai élaboré une série d’esquisses, contextualisant la lampe dans différents scénarios. Au cours de mon processus de création, j’écoute souvent de la musique, qui crée une ambiance spécifique et génère parfois des idées et des inspirations inattendues. J’ai réfléchi à la manière dont la lampe pouvait jouer le rôle d’un élément principal, d’un acteur, dans une histoire étrange.

Histoires étranges rappelant les contes de fées et évoquant le style de Chagall, l’œuvre de Chagall a-t-elle influencé votre vision artistique ?

Oui, j’admire Chagall pour ses peintures figuratives et oniriques à la fois. Je suis également inspiré par le surréalisme de René Magritte. Je pourrais dire que cette série de dessins incarne l’esprit des films de Georges Méliès, en particulier « Le Voyage dans la Lune ». C’est un mélange de conte de fées, de poésie et de surréalisme. Le cinéma utilise également la lumière comme moyen de créer des mouvements et des histoires. Je m’intéresse beaucoup aux artistes capables de créer des univers et des visions évocatrices, comme Alfred Kubin, Odilon Redon et Edward Munch. Enfant, j’aimais les dessinateurs comme Hugo Pratt, Moebius, et Roland Topor avec son univers bizarre, notamment dans le film d’animation « La Planète Sauvage ». Ils m’ont transmis l’amour de la narration et le potentiel infini du dessin.

Quelle est votre illustration préférée de votre série « What’s in a lamp » et pourquoi ?

J’aime « Nuee » parce qu’il me rappelle le « Petit Prince » d’Antoine de Saint-Exupéry avec ses petites planètes et les gens qui y vivent. Et aussi « Rituals », parce qu’il nous fait traverser le miroir, comme dans « Alice au pays des merveilles ».

Vos illustrations mettent l’accent sur une combinaison de simplicité et de complexité, où des traits de stylo minimalistes ouvrent la voie à des histoires fascinantes. Quel est le rôle de la narration dans l’art illustratif ?

J’aime raconter des histoires et chercher l’extraordinaire dans l’ordinaire. Au début, j’étais dessinateur de bandes dessinées et mon travail a progressivement évolué vers la création de séries de dessins mettant l’accent sur la dimension narrative. C’est comme si ces dessins construisaient ensemble une histoire, peignant un monde imaginaire inconnu. Mon objectif principal est de m’amuser et de traduire mes idées et mes fantasmes sur le papier.

Pouvez-vous nous parler de votre processus de création ? Comment faire en sorte que les nouvelles idées puissent prospérer ?

Tout d’abord, tout en observant le sujet, je prends le temps de griffonner des croquis aléatoires et des esquisses au crayon sur le papier. Certaines esquisses s’avèrent « plus sincères » parce qu’elles parviennent à capturer le dynamisme et la stimulation dont le dessin final a besoin. Une esquisse est quelque chose de fascinant : en quelques traits, elle incarne l’énergie et les éléments essentiels de la conception finale. En tout état de cause, je reste toujours disposé à modifier le projet au fur et à mesure que je l’achève. De nouvelles idées peuvent émerger au cours du processus créatif.
Je puise mon inspiration dans différentes sources : la lecture, la musique et parfois même les rêves. Une conception conduit souvent à la création d’une autre. Dans une série d’œuvres, mes dessins suivent une certaine logique, tantôt liés de manière narrative, tantôt en contraste avec l’œuvre précédente. Parfois, les dessins forment même des « mini-séries », comme dans le cas de la série sans titre « Méditation 1,2,3,… ».
La lecture des ouvrages du psychiatre Carl Gustav Jung est pour moi une source de grand intérêt. Ses études sur l’inconscient et les rêves me fascinent. Son approche est profondément créative, pleine d’idées et de visions. Il examine de nombreuses images et symboles de l’histoire de l’art et de notre « inconscient collectif ». Par exemple, que signifient pour nous des figures comme l’arbre, l’eau ou le soleil ? Son étude de la mythologie et des archétypes est extraordinairement fascinante.

Que signifie le design pour vous ?

Pour moi, le design consiste à insuffler de l’esprit dans la matière. C’est le souffle qui donne vie à la matière première. C’est le fait de remplir des objets d’amour, dans l’espoir qu’ils le reflètent aux yeux de tous. Nous aimerions tous rencontrer des objets qui ont une âme et des histoires à raconter.

Le projet « What’s in a Lamp ? » de Foscarini s’enrichit d’un nouveau chapitre mettant en scène Maja Wrońska (@majatakmaj), une talentueuse artiste polonaise spécialisée dans la peinture à l’aquarelle. Ses peintures fascinantes représentent l’architecture européenne et se distinguent par l’équilibre parfait des lignes et des traits scéniques, ainsi que par les couleurs délicates de l’aquarelle. Maja n’est pas seulement une artiste mais aussi une architecte, une caractéristique qui rend son inspiration particulièrement originale et distinctive.

Dans ce nouveau chapitre du projet « What’s in a Lamp ? » de Foscarini, Maja Wrońska a créé une étonnante série d’œuvres artistiques qui mettent en évidence le pouvoir de transformation des lampes Foscarini dans les espaces architecturaux. Des aquarelles animées qui suscitent l’émerveillement et parviennent à capter la vie, les émotions, le passage du temps dans l’architecture urbaine, et dans lesquelles les lampes deviennent un élément significatif, un point focal – surtout à la tombée de la nuit.

Ce qui rend les œuvres de cette série captivantes, c’est la façon dont elles prennent vie lorsque la ville passe du jour à la nuit : les intérieurs des bâtiments, vus de l’extérieur, deviennent des protagonistes lorsque les lampes Foscarini les éclairent dans la nuit.

Laissez-vous emporter par la magie et la fascination des œuvres de Maja Wrońska sur son fil Instagram @foscarinilamps et découvrez-en plus sur son processus créatif, ses influences et la façon dont elle combine plusieurs disciplines créatives dans notre interview.

Parlez-nous un peu de vous et de votre parcours. Comment avez-vous abordé l’art et qu’est-ce qui vous pousse à créer ?

Je suis Maja Wrońska, architecte et aquarelliste d’origine polonaise. Depuis mon enfance, ma mère, qui est également architecte, m’a permis d’utiliser son matériel professionnel pour peindre et dessiner. En Pologne, si vous voulez étudier l’architecture, vous devez également passer un examen de dessin. Par la suite, j’ai donc également suivi des cours de dessin pour me préparer à cet examen. Une fois à l’université, le dessin et la peinture ont fait partie intégrante de mon cursus. Pendant cette période, mon intérêt pour l’aquarelle s’est accru et j’ai pensé à créer un profil sur DeviantArt pour partager mes peintures. À ma grande surprise, le profil est devenu populaire et les gens ont commencé à me demander si mes peintures étaient à vendre. Après avoir obtenu mon diplôme, j’ai créé ma propre entreprise, sous le nom d’architecte Maja Wrońska, en concevant des projets d’architecture avec ma mère tout en me consacrant à mes aquarelles.

Que préférez-vous dessiner ?

J’aime dessiner l’architecture, les villes, les lieux.

Quand avez-vous commencé à vous intéresser à l’architecture ?

L’architecture m’a toujours fascinée et enthousiasmée.

Comment l’architecte Maja Wronska et le peintre Maja Wronska coexistent-ils et s’influencent-ils mutuellement ?

Je me considère comme un architecte qui aime aussi peindre à l’aquarelle. Le processus de conception d’un bâtiment peut prendre des semaines, voire des mois, alors que la création d’une aquarelle ne prend que quelques heures. Cela me permet de réaliser des projets artistiques stimulants tout en travaillant comme architecte.

Dans ce projet réalisé pour Foscarini, nous voyons de belles images d’une architecture évocatrice, animée et remplie d’émotion et de vie. Qu’est-ce qui vous a attiré dans la peinture à l’aquarelle et comment vous est venue l’idée de les animer ?

Merci ! Je suis moi aussi ravie de la tournure qu’a prise notre projet. En tant qu’architecte, j’ai étudié Photoshop et les programmes 3D pour modéliser et rendre l’architecture. J’ai pensé que je pouvais combiner des techniques artistiques traditionnelles telles que le dessin et l’aquarelle avec des techniques modernes telles que l’animation et la réalité augmentée. Lorsque Instagram a commencé à promouvoir les reels, j’ai décidé d’expérimenter en animant mes aquarelles et en les téléchargeant sur l’application Artivive pour voir l’effet de la réalité augmentée sur mes créations artistiques traditionnelles. La première fois que j’ai commencé à animer mes aquarelles, c’était pour un concours organisé par un constructeur automobile. Même si le concours a été remporté par quelqu’un d’autre, la curiosité de voir à quoi ressembleraient mes autres aquarelles animées de cette manière m’a incité à poursuivre l’exploration du concept.

Quel est le processus créatif à l’origine de vos œuvres ?

Mon intention est de peindre les endroits que j’aime et de capturer la beauté que je perçois.
Le processus créatif commence par l’identification d’un bâtiment qui me frappe, j’en fais une esquisse au crayon et j’y ajoute ensuite de la couleur à l’aquarelle. Ensuite, mon mari le numérise, en veillant à ce que le scan restitue l’œuvre originale le plus fidèlement possible. Enfin, à l’aide de Photoshop, je crée une animation en boucle d’images en gif et en mp4.

Dans cette série d’œuvres d’art, vous avez capturé le pouvoir de transformation des lampes Foscarini dans un espace, à la fois lorsqu’elles sont éteintes et lorsqu’elles sont allumées, devenant ainsi un point focal. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’inspiration de cette série ?

Cette série s’inscrit dans la continuité de mes animations précédentes, dans lesquelles nous voyons des villes et des lieux passer du jour à la nuit. Au début, j’animais les voitures, puis j’ai commencé à incorporer les lumières des bâtiments qui s’allumaient et s’éteignaient. Avec le projet Foscarini, je voulais pousser l’exploration dans les espaces architecturaux et mettre en évidence la façon dont les lampes qui s’y trouvent peuvent transformer l’atmosphère.

Quelle est votre œuvre préférée parmi celles de votre série « What’s in a lamp » et pourquoi ?

En ce qui concerne l’aquarelle, ma préférée est celle qui comprend le lampadaire rouge Tobia. Du point de vue de l’animation, cependant, j’aime beaucoup celle où un bâtiment avec de grandes fenêtres est éclairé par une cascade de lampes suspendues Gregg.

Quelles sont vos sources d’inspiration ? Y a-t-il un artiste en particulier qui constitue une référence pour vous ?

La lumière, en général, est une source d’inspiration majeure pour moi. Je trouve fascinant d’observer comment la lumière du soleil interagit avec les façades des bâtiments et comment les bâtiments apparaissent lorsque les lumières intérieures sont allumées. En ce qui concerne mes artistes préférés, j’admire Van Gogh et je suis des illustrateurs contemporains sur les réseaux sociaux, comme Pascal Campion.

Qu’est-ce que la créativité pour vous ?

Pour moi, la créativité est le processus qui consiste à créer quelque chose de nouveau et d’excitant à partir des matériaux disponibles et à les transformer. L’imagination et l’originalité sont des caractéristiques indispensables pour générer des créations innovantes et riches de sens.

Federico Babina, architecte et illustrateur, est connu pour les mondes surréalistes, principalement inspirés par l’architecture et le design, qu’il est capable de créer avec ses illustrations et ses animations. Ses séries sont uniques, distinctives, marquées par un style qui les rend immédiatement reconnaissables. Un style qui s’exprime dans les détails, dans le savant équilibre des couleurs et des proportions, dans les motifs grunge, mais aussi – et surtout – dans la capacité à créer et à solliciter des connexions inattendues et surprenantes qui touchent les yeux, l’esprit et le cœur de celui qui regarde.

Dans sa nouvelle série « Lux Like », qui fait partie du projet « What’s in a lamp ? » de Foscarini, Federico Babina s’est amusé à chercher et à reconnaître des animaux dans les formes de certaines lampes de Foscarini. Comme une paréidolie, il les réduit à des formes élémentaires – cercles, rectangles, triangles et lignes – et les transforme en animaux de caractère et d’expression qui vivent, parlent et respirent dans un univers parallèle, une sorte de zoo du design.

Un exercice simple et efficace de créativité et d’imagination qui développe la « pensée élastique » : on ne voit pas une lampe et on ne l’interprète pas comme telle, mais on voit l’éléphant qui la contient. Une série d’illustrations où Federico Babina joue sérieusement avec les formes et les couleurs. Où tout ce qui apparaît n’est pas forcément ce qu’il semble être. Des lampes qui composent un zoo de Foscarini où les animaux sont faits et construits de design.

Parlez-nous un peu de vous et de votre parcours : quand avez-vous commencé à dessiner et comment avez-vous développé votre style distinctif ?

Je suis Federico Babina (depuis 1969), architecte et graphiste (depuis 1994), je vis et travaille à Barcelone (depuis 2007), mais je suis avant tout une personne curieuse (depuis toujours).
Chaque jour, j’essaie de trouver une façon de regarder le monde à travers l’innocence des yeux d’un enfant. Les enfants sont capables d’avoir une vision totalement désinhibée des choses, sans le conditionnement de l’expérience. Quand j’étais enfant, je voulais être architecte et maintenant que je suis architecte, j’aimerais parfois redevenir un enfant.
J’aime essayer de raconter le monde que je vois à travers différentes techniques d’expression. J’aime la richesse de la langue et la diversité de ses formes.
Je suis né avec des illustrations de contes de fées, j’ai grandi avec des illustrations de bandes dessinées et j’ai mûri avec des dessins d’architecture. L’illustration fait partie de mon monde imaginaire.
Je m’efforce de donner à mon travail la rigueur de l’architecture, la liberté de la peinture, le rythme et la pause de la musique et le mystère magique du cinéma. Essayer de mélanger des langues apparemment hétérogènes qui ne communiquent plus entre elles.

Comment l’architecte et l’illustrateur Federico Babina coexistent-ils et s’influencent-ils mutuellement ?

Un architecte doit être un bon illustrateur. La capacité de communication visuelle est un outil indispensable.
Le dessin est la première façon de donner forme à une idée. Les idées sont sculptées et transformées par l’illustration.
Je n’enlève pas les vêtements d’architecte pour enfiler le costume d’illustrateur.
Le dénominateur commun de mes œuvres est « moi ». Mon approche et ma façon de travailler ne changent pas en fonction du travail. J’aime peindre et prendre des photos autant que dessiner et écrire. Je crois qu’il y a une certaine cohérence dans l’expression de chacun d’entre nous, quel que soit le support utilisé.
Je trouve des analogies, des similitudes, des affinités et des relations infinies entre différentes formes d’expression. Qu’il s’agisse d’une illustration, d’un objet de design ou d’un bâtiment, mon processus créatif est similaire et suit des règles communes et les mêmes trajectoires. Le processus créatif d’une composition architecturale répond à des mécanismes qui meuvent et mettent en mouvement la machinerie de tout travail intellectuel.
Je suis parfois un architecte passionné par l’illustration et parfois un illustrateur passionné par l’architecture.

Comment est née la collaboration avec Foscarini ?

Foscarini m’a contacté et m’a demandé de trouver une manière personnelle de représenter une idée de produit plutôt qu’un objet lui-même. Le tout avec une liberté d’expression absolue. Une collaboration de ce type est toujours un défi stimulant. Les objets existent et il s’agit de trouver le moyen de proposer un autre point de vue.

Dans ce projet pour Foscarini, vous avez combiné ironie et tendresse et construit un « zoo » inattendu à partir des silhouettes emblématiques des lampes de la collection Foscarini. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’inspiration de cette série ?

Le projet s’appelle LUX LIKE et travaille sur la perception. L’idée est de transformer la perception de l’objet du design.
Notre esprit est capable de collecter, d’enregistrer et de stocker des millions d’images. Ce qui m’intéresse toujours, c’est l’association que l’on peut faire entre ces images. Comme dans le « petit prince », voir au-delà du dessin d’un chapeau et apercevoir la silhouette d’un boa en train de digérer un éléphant.
Dans cette œuvre pour Foscarini, 9 lampes sont transformées en animaux de caractère et expressifs qui vivent, parlent et respirent dans un univers parallèle, une sorte de zoo design.
Comme dans une paréidolie du design, je me suis amusée à chercher et à reconnaître des animaux dans les formes de certaines lampes de Foscarini : c’est un exercice simple et efficace de créativité et d’imagination qui développe la « pensée élastique ».
Notre regard est incapable de saisir l’invisible et notre raison tire mécaniquement ses propres conclusions et porte ses propres jugements rigoureux sur la seule base de l’évidence d’une apparence.
J’ai essayé de ne pas envoyer au cerveau des informations rationnelles pour qu’il les reconnaisse par la connaissance, mais de le laisser libre de chercher une association instinctive. Ne pas voir une lampe et l’interpréter comme telle, mais voir l’éléphant qui l’entoure.
LUX LIKE est une série d’illustrations où je joue sérieusement avec les volumes, les couleurs et les formes. Où tout ce qui apparaît pourrait ne pas être ce qu’il semble.
Des lampes qui composent un zoo de Foscarini où les animaux sont faits et construits de design.

Quelle est ou quelles sont votre ou vos illustration(s) préférée(s) dans cette série et pourquoi ?

Je ne peux pas choisir entre mes illustrations, c’est comme demander de choisir entre des enfants. Lorsque je travaille en série, je considère les illustrations individuelles comme des pièces d’une mosaïque globale représentant un concept et une idée. Ce sont des pièces d’un puzzle global, aucune n’est fondamentale et en même temps toutes le sont. L’important, c’est la composition d’ensemble que dessinent toutes les pièces.

Dans vos illustrations et animations, des géométries simples s’additionnent pour créer des compositions capables de raconter des histoires d’un seul coup d’œil, qui frappent l’œil, l’esprit et le cœur de celui qui regarde. Pouvez-vous nous parler de la partie « narrative » de votre processus de création ?

Comme le disait Bruno Munari : Il est facile de compliquer, il est difficile de simplifier.
La simplicité est la chose la plus difficile à réaliser. Pour simplifier, il faut supprimer, et pour supprimer, il faut savoir ce qui est superflu. Ce que je recherche toujours dans mon travail, c’est un fil narratif. Un récit qui vous emmène à l’intérieur d’une histoire, comme une porte qui s’ouvre sur un univers parallèle et qui offre au spectateur des éléments et des outils pour poursuivre l’histoire. La force de l’illustration est de laisser une certaine liberté d’interprétation. Je commence les histoires et ceux qui les regardent les poursuivent et parfois les complètent.

Quelles sont vos références dans le monde de l’art et de l’illustration ? Et quels sont les architectes que vous appréciez le plus ?

Au fil des ans, je me suis imprégné et nourri de la culture qui m’entoure. Nous sommes comme des « mixeurs » qui mélangent et combinent différents ingrédients pour obtenir un mélange personnel. Il n’y a pas de figure unique que je considère comme une source d’inspiration. De nombreuses personnes m’ont inspiré, aidé, surpris et guidé. Je n’aime pas faire ce genre de classement, je me sens comme une mosaïque en cours de réalisation où beaucoup, pour le meilleur ou pour le pire, inconnus ou connus, ont contribué et contribuent à la composition globale et à l’emplacement de chaque pièce.
Je n’ai pas vraiment de références et de modèles précis. Mes sources vont du monde du graphisme à l’art, au monde de l’architecture en passant par la bande dessinée et la publicité. J’ai de nombreux amants mais je n’ai jamais épousé personne…

Vos œuvres font appel à la créativité et à la capacité de regarder la réalité sous des angles différents et originaux : comment conservez-vous votre fraîcheur pour faire place aux idées ? Quelles sont vos sources d’inspiration ?

Je ne crois pas beaucoup à l’inspiration. Les idées sont là qui nous attendent si nous savons les voir. Je cherche toujours un élément générateur, un point de départ pour pouvoir façonner et sculpter une idée. Tantôt l’image tourne comme sous l’effet d’une force centrifuge autour de cet élément central, tantôt elle prend des directions différentes et surprenantes. Il n’y a pas de règle dans mon processus de création, il peut être lent et laborieux ou subtil et intuitif.
La recherche d’inspiration et d’idées est une tâche quotidienne et constante. C’est comme marcher vers un endroit sans savoir comment s’y rendre. Parfois, on trouve facilement son chemin, parfois on s’y perd. L’important est de vouloir arriver.
J’essaie d’avoir une vision transversale des choses. D’essayer de basculer pour lire les formes sans l’inhibition de l’expérience. D’essayer de regarder le monde à l’envers. Le monde ne change pas, seule la perspective de regarder les choses change pour révéler les vides, les silences et les surprises cachés entre les formes.
J’essaie d’écouter et d’observer, d’activer tous les sens, puis de filtrer les informations et d’élaborer un résultat personnel.

Quel est votre sujet de dessin préféré ?

L’architecture est souvent le protagoniste. J’aime rechercher les relations (im)possibles entre l’architecture et d’autres mondes et les trouver dans des « lieux sensibles ».
J’aime trouver des architectures cachées dans des univers parallèles. En ce sens, l’illustration m’aide à explorer des langages alternatifs.
Dans mes images, j’essaie d’établir un dialogue imaginaire et imaginé entre différentes disciplines. Les fils qui unissent et tissent les relations peuvent être fins et transparents ou solides et pleins de corps. Une intrigue hétérogène et imaginative qui relie l’architecture à des mondes apparemment différents dans un « unicum » illustré.
J’essaie de trouver l’architecture cachée et de lui faire parler un langage différent pour communiquer avec un public qui peut être « étranger » à l’architecture.

Avez-vous un rituel de dessin ?

Je suis plus prolifique le matin et j’ai plus d’idées le soir, mais en général je n’ai pas de règle fixe.
Les choses peuvent changer et je suis toujours à la recherche de nouveaux ingrédients pour ajouter de nouvelles saveurs à mes images. Je change constamment, j’évolue et parfois je fais marche arrière, et mes projets suivent mes changements et mes fluctuations. J’aime me sentir libre, libre de m’exprimer sans avoir à m’enfermer dans la « prison d’un style ou d’une forme ». Lorsque je crée des illustrations, j’utilise toujours un collage de différentes techniques et programmes. Du dessin à la main au dessin vectoriel et aux programmes de modélisation 3D. Ces différents ingrédients me permettent d’obtenir le mélange et l’atmosphère souhaités. Toutes les techniques constituent un outil de travail utile. J’aime croiser et entremêler différentes méthodologies pour tisser la toile graphique, le résultat est toujours plus précieux.

Que signifie la créativité pour vous ?

Une question difficile.
La créativité, c’est comme offrir un cadeau. Il doit être choisi avec soin. Une fois que vous avez décidé quel sera le cadeau, vous devez l’emballer. La boîte est importante, car elle ne se contente pas de contenir et de protéger le produit, mais elle peut ou non en révéler le contenu. Le papier qui l’enveloppe est comme la peau d’une œuvre de création. C’est la première chose que l’on voit lorsqu’on reçoit un cadeau. Enfin, le ruban, qui est comme une bizarrerie offrant une touche de légèreté et d’élégance. L’observateur d’une œuvre créative, quelle qu’elle soit, est comme le destinataire d’un cadeau. Il le déballe et découvre enfin la surprise. Parfois on aime, parfois on n’aime pas.