Des collages qui réassemblent la réalité pour toucher les émotions

Artiste, graphiste et commissaire d’exposition, Giona Maiarelli, né en Italie et vivant aux États-Unis depuis plus de vingt-cinq ans, fait le lien entre deux cultures. Son travail se concentre sur le collage, un médium défini par le hasard et la sérendipité, mélangeant intuition et éléments tactiles avec une sensibilité esthétique qui célèbre la capacité de l’art à créer des connexions inattendues et significatives.

« Pour What’s in a Lamp?, Maiarelli a réalisé une série de collages qui tissent la culture italienne à une exploration profonde de l’imaginaire collectif américain. Les lampes iconiques de Foscarini, comme Aplomb, Binic, Caboche, Chouchin, Nuée et Spokes, sont au cœur de ces œuvres, associées à des images de magazines vintage, de livres et de photographies, créant des compositions visuelles uniques qui mettent en valeur l’esthétique distinctive de chaque lampe tout en les intégrant dans le contexte du mythe américain, avec des accents tantôt ironiques, tantôt romantiques.

« Mon objectif était d’explorer la tension entre l’esthétique italienne raffinée des lampes Foscarini et la rudesse pragmatique du paysage américain », explique Maiarelli. Dans son interprétation artistique, Caboche devient un bijou circulaire associé aux châteaux d’eau américains, tandis que Spokes, avec ses rayons délicats, évoque l’enchevêtrement chaotique des fils électriques où se posent les oiseaux. Chouchin, quant à elle, se transforme en un objet volant, faisant écho à la fascination américaine pour les phénomènes extraterrestres. Chaque lampe devient ainsi le protagoniste d’une narration visuelle qui combine design et imagination, esthétique et récit.

Découvrez davantage cette collaboration et la série complète de Giona Maiarelli sur le compte Instagram de Foscarini @foscarinilamps. Explorez toutes les œuvres du projet What’s in a Lamp?, où des artistes internationaux réinterprètent la lumière et les lampes Foscarini.

Bonjour Giona, peux-tu nous parler de ton parcours artistique? Comment as-tu été amené à embrasser l’art du collage, et quelle signification a pour toi cette forme d’expression?

À l’origine de ma carrière de designer graphique, j’aimais recycler des chutes de papier et de carton utilisés dans les présentations pour en faire un collage. Je voyais des possibilités expressives dans les déchets de mon travail. Puis est venu une longue pause consacrée à ma profession, même si j’étais toujours attiré par le Dadaïsme et le collage, particulièrement les œuvres de l’artiste et poète Jiří Kolář. Finalement, en 2016, j’ai décidé de renouer avec ma passion. “Redécouvrir” le collage plus tard signifiait redécouvrir le plaisir de créer avec mes mains, qui, en intermédiaires entre l’esprit et le papier, deviennent des parties actives du processus de création. Les découpages de papier se déplacent sur le carton, l’intuition se transforme en action, jusqu’à ce que la composition se révèle. Mais le cycle n’est pas complet tant que le collage n’est pas vu par un public. C’est seulement lorsque je vois le collage à travers les yeux de quelqu’un d’autre que le cycle est terminé.

Votre approche du collage est immédiatement reconnaissable et unique. Comment décririez-vous votre style? Quels sont les éléments distinctifs qui le définissent?

La sérendipité joue un rôle fondamental dans mes compositions : même lorsque j’ai l’intention de communiquer une idée spécifique, le collage refuse d’être accommodant et révèle des possibilités expressives et compositionnelles auxquelles je n’avais pas pensé. Ensuite, il y a le plaisir de la surprise : trouver un livre dans lequel découper des images dans une librairie d’occasion, découvrir le potentiel dans des images que j’avais d’abord rejetées, et finalement, la surprise d’une composition qui se fait par hasard sur la page. Chaque série de collages commence avec un thème, mais l’instinct joue un rôle essentiel.

D’où vient votre inspiration?

L’inspiration surgit parallèlement au travail. Lorsque je commence une série de collages, je n’ai pas d’idée en tête, seulement le matériau sur lequel j’ai décidé de travailler, choisi sur une intuition. Après quelques heures, ou parfois quelques jours, des idées émergent d’elles-mêmes à travers le travail lui-même.

Qu’est-ce qui vous attire le plus dans la réalité qui vous entoure, et comment traduisez-vous ces suggestions dans votre travail?

La plupart des séries de collages que j’ai produites sont des explorations de mon imagination américaine personnelle : les paysages de l’Ouest américain, l’architecture moderniste des gratte-ciel d’après-guerre à New York, et les maisons Case Study en Californie, le vieux Hollywood, les pages du New York Times. Peut-être inconsciemment, je traite de ma décision de déménager aux États-Unis, revendiquant des images qui étaient déjà présentes dans mon subconscient.

Pour le projet “What’s in a Lamp?” avec Foscarini, vous avez créé des compositions qui associent des lampes à des images évocatrices, parfois ironiques, parfois poétiques. Pouvez-vous révéler l’inspiration et le processus créatif derrière ce travail?

Pour What’s in a Lamp?, je voulais placer les lampes Foscarini dans un contexte américain. Il semblait être le choix le plus évident, étant donné que je vis aux États-Unis, et le patrimoine visuel américain fait partie de mon vocabulaire artistique.

Dans cette série, le dialogue entre les deux cultures, italienne et américaine, est très clair. Comment ces deux réalités se rencontrent-elles et se mélangent-elles dans vos compositions?

Mon objectif était d’explorer la tension entre l’esthétique raffinée des lampes Foscarini et la rugosité pragmatique du paysage américain, en jouant avec la taille et le contraste entre les images en couleur des produits et les images en noir et blanc des paysages. En fin de compte, ces deux mondes, si éloignés en apparence, se sont fondus en un embrasement, parfois ironique, parfois poétique.

Quels éléments spécifiques de l’imaginaire collectif américain avez-vous intégrés dans les collages que vous avez créés pour “What’s in a Lamp?”

La forme et le matériau des lampes ont suggéré certaines pistes. Caboche apparaît comme un joyau circulaire précieux à associer à un élément austère du paysage américain, comme les réservoirs d’eau. Aplomb se fond dans le visage du “homme idéal” américain, créé en combinant les portraits de cinq présidents américains, remplaçant son sourire lumineux par un sourire telegenique. Spokes, avec ses rayons délicats, fait référence aux fils électriques enchevêtrés dans le ciel américain, d’où les oiseaux nous observent, nous rappelant sa vocation d’élégant enclos pour oiseaux. Binic me faisait penser à une lune pleine brillante et m’a conduit vers des images liées à l’exploration américaine de notre satellite. Je savais dès le début qu’au moins une des lampes deviendrait un objet volant, un phénomène typiquement américain et source de théories du complot naïves. Ce sort est revenu à Chouchin, brillante et techniquement parfaite, comme je l’imagine un objet volant provenant d’une civilisation plus évoluée pourrait l’être, surprenant les passants. Nuée est un nuage léger et aérien qui intercepte notre plongeur audacieux et l’emmène dans un voyage magique.

Quels artistes ou influences ont contribué de manière significative à la formation de votre vision artistique? Qui considérez-vous comme vos maîtres?

L’artiste et poète tchèque Jiří Kolář, dont j’ai parlé précédemment, a eu une grande influence sur mon travail. Et aussi l’attitude décontractée des mouvements Dada et Futuriste.

Avez-vous un rituel ou des habitudes lorsque vous travaillez sur vos collages?

La musique, toujours.

Qu’est-ce que la créativité pour vous?

Mon mentor, Milton Glaser, disait que la créativité n’existait pas ; seule l’imagination existait. La créativité n’est rien d’autre que la capacité d’imaginer, puis de créer, des mondes qui n’existent pas encore.