Illuminer l’invisible : Les illusions d’optique de Lee Wagstaff pour “What’s in a Lamp?”

Le parcours artistique de Lee Wagstaff, depuis l’introspection silencieuse des esquisses de son enfance et sa fascination précoce pour les dessins scientifiques jusqu’à sa formation à St. Martins et au Royal College of Art de Londres, se caractérise par une exploration vibrante des motifs géométriques. Son style distinctif est enraciné dans le riche jeu de formes et de motifs. L’art de Wagstaff repose sur l’observation. Son esthétique unique, rappelant les illusions de l’Optical Art, les paysages oniriques du surréalisme et la vivacité du Pop Art, transcende la perception ordinaire, évoquant un sentiment de merveille et de curiosité. À une observation plus attentive, ses créations révèlent des profondeurs cachées et des détails complexes. En prenant du recul, on peut découvrir des visages cachés, des personnages et des histoires.

Dans sa série pour le projet “What’s in a Lamp?” de Foscarini, l’artiste britannique crée une réalité parallèle habitée par des magiciens, des bouffons et des esprits dont les visages énigmatiques émergent subtilement au milieu de motifs géométriques colorés. Au sein de la collection de lampes de Foscarini, où chaque pièce a une histoire à raconter, Wagstaff trouve une continuité pour la narration, animée par une innovation et une imagination incessantes. Du génie mystique de Plass au bouffon vibrant Orbital, du monarque aux multiples yeux dans Caboche aux sœurs spirituelles dans Spokes, Wagstaff insuffle une âme aux lampes de la collection.

Découvrez la série complète de Lee Wagstaff sur Instagram @foscarinilamps et laissez-vous inspirer par la perspective de l’artiste à travers notre interview, offrant un aperçu de sa vision et de son processus artistique.

Parlez-nous un peu de vous et de votre parcours en tant qu’artiste. Où tout a-t-il commencé ? Y a-t-il une histoire derrière votre cheminement en tant qu’artiste ?

J’étais un enfant très calme et introverti, donc je dessinais beaucoup, principalement la nature. À l’école, j’aimais beaucoup les cours de sciences, non pas pour les connaissances, mais parce que j’aimais illustrer mes devoirs. L’art était quelque chose dans lequel je me suis laissé emporter car j’avais des amis artistiques avec qui j’allais à des cours du soir. Finalement, je suis allé à St. Martins, puis au Royal College of Art à Londres. Pour moi, l’art n’était pas une carrière ; c’était quelque chose que je faisais pour observer le monde plus intensément.
 

Votre esthétique artistique est incroyablement unique, avec des motifs hypnotiques qui révèlent des visages réalistes lorsqu’on les observe à distance. Comment décririez-vous personnellement votre style distinctif ?

Les gens me posent souvent cette question. J’ai toujours aimé les motifs et la géométrie depuis que je me souvienne ; cela remonte peut-être à mon amour pour les dessins scientifiques. En biologie, il y a beaucoup de motifs. Lorsque j’ai commencé à étudier l’art, je voulais explorer davantage les motifs à bords nets. Dans mon travail, il y a des éléments de l’Optical Art, du Pop Art, du surréalisme et de l’abstraction. Je dirais que j’aime travailler dans un cadre traditionnel, mais voir si je peux me dépasser techniquement et intellectuellement.
 

Nous sommes curieux d’en savoir plus sur l’évolution de votre style expressif unique : s’est-il développé naturellement au fil du temps, ou était-ce le résultat d’une recherche et d’une expérimentation délibérées ?

J’expérimente beaucoup, et cela m’a pris des années pour arriver à ce que je fais maintenant. J’espère que cela continuera à évoluer. Croyez-le ou non, mon objectif à long terme est de créer l’art le plus simple possible, mais je pense qu’il doit d’abord devenir plus complexe.
 

Pourquoi les motifs sont-ils si présents dans votre art ? Quelle signification ont-ils pour vous ?

Les motifs sont des indicateurs qui aident à prédire des choses. Je m’intéresse à toutes sortes de motifs, pas seulement les motifs décoratifs, mais aussi les motifs comportementaux ou la recherche de motifs dans l’histoire. J’essaie toujours de faire des connexions entre des objets, des événements ou des personnes apparemment non liés.
 

Comment se déroule votre processus créatif lorsque vous travaillez sur vos œuvres ? Suivez-vous des rituels ou des habitudes spécifiques lorsque vous vous consacrez au dessin ?

Oui, je suis très ritualisé quant aux heures de la journée où je travaille, où je travaille, les matériaux que j’utilise, etc. Je travaille généralement sur au moins six peintures à la fois, peut-être plus. De nombreux tableaux sont détruits.
 

Pouvez-vous partager des insights sur votre processus créatif et votre narration, en particulier dans cette série ?

Ce fut un projet intéressant, plus difficile que je ne l’avais prévu. Je n’avais jamais eu à exprimer la vision artistique de quelqu’un d’autre à travers ma propre lentille stylistique. J’espère avoir été respectueux envers les designers tout en restant fidèle à ma propre vision. Ce projet m’a poussé à être plus expérimental avec la couleur mais aussi à vraiment imaginer que ces objets/personnages hybrides pourraient vraiment exister. En général, je commence par observer attentivement les motifs et les formes, puis j’imagine des visages, et ensuite les visages commencent à prendre un caractère. Le but de mon art est d’essayer de représenter une sorte de mystère ou d’essence, mais je veux aussi que le spectateur commence par ne pas faire confiance à ses sens, puis espère se réjouir de ce qu’il pense avoir vu. Je laisse le spectateur créer le personnage dans son esprit ; peut-être qu’il lui rappelle quelqu’un qu’il connaît ou un visage qu’il a vu quelque part.

Pouvez-vous décrire les personnages que vous avez imaginés pour la série “What’s in a Lamp?” et expliquer l’inspiration derrière chacun ?
Dès que j’ai vu la collection de lampes Foscarini, j’ai pu voir que les designers aiment aussi les motifs et les formes. J’ai immédiatement commencé à voir des visages dans ou autour des lampes et à construire des personnages en lien avec les noms brillants des lampes.
Plass est un esprit magique, comme un génie habitant un récipient, observant depuis la surface cristalline, attendant d’exaucer un vœu ou de faire une prophétie. Orbital est un bouffon vibrant, toujours là pour apporter de la joie avec des couleurs et des formes, un compagnon constant pour les bons et les mauvais jours. Gregg est une déesse née d’un œuf cosmique qui résonne et illumine ; sa beauté est éternelle, son éclat surnaturel. Spokes sont trois esprits timides, des sœurs qui n’apparaissent qu’à ceux qui ont la plus vive imagination et qui sont prêts à observer et à attendre. Lorsque les ombres bougent, les sœurs apparaissent. Caboche est une monarque aux multiples yeux. Son diadème couvre son visage, chaque perle est une lentille. Elle est omnisciente et omnivoyante. Un peu de sa beauté et de sa sagesse est accordée à tous ceux qui apparaissent en sa présence. Sun Light of Love est un véritable être céleste. De jour, une silhouette épineuse et curieuse, une planète aux profondeurs cachées ; de nuit, une étoile brûlante, un véritable phare d’amour.

Parmi les œuvres de votre série “What’s in a Lamp?”, avez-vous un favori personnel ? Si oui, qu’est-ce qui le distingue pour vous ?

C’est assez difficile ; je me sens très connecté à toutes les six lampes que j’ai représentées. J’ai passé beaucoup de temps à les regarder et à imaginer ce que je pourrais ajouter à ces formes. Si je devais en choisir une, ce serait Gregg simplement parce que c’est une forme géométrique unique en son genre, qui est un bloc de construction pour créer n’importe quel motif. Elle est élégante dans sa simplicité et a une présence si charmante et apaisante. Où qu’elle soit, elle a une force silencieuse et douce à ajouter à son environnement, qu’elle soit à l’intérieur ou à l’extérieur, grande ou petite.
 

Avez-vous déjà envisagé d’incorporer l’IA dans votre processus artistique ? De votre point de vue, comment l’IA pourrait-elle contribuer à repousser les limites de l’innovation et de l’expression artistiques ?

J’ai utilisé des réseaux adversariaux génératifs (GAN) pour créer des visages symétriques uniques pour mes peintures. Avec le système GAN que j’ai utilisé, on pouvait ajouter des visages et les “croiser” avec les milliers de visages sur lesquels le réseau avait été entraîné. Ainsi, je pouvais introduire des éléments tels qu’un membre de la famille ou le visage de la Mona Lisa. Pour moi, c’est juste un outil comme Photoshop ou un stylo. Les programmes d’IA sont amusants en ce moment et peuvent aider dans de nombreux projets. Au début, l’IA est expansive, permettant à beaucoup plus de personnes de participer au monde de la création d’images et d’idées. Elle peut créer du contenu, mais elle n’a pas d’imagination, et c’est quelque chose qui ne peut pas être appris pour le moment. La façon dont fonctionnent les plateformes d’IA populaires est une sorte de réorganisation prédictive des points de données. Pour moi, c’est assez étonnant, surtout la vitesse, mais les résultats sont principalement décevants parce que la plupart des résultats sont très populistes, voire prévisibles.

Qu’est-ce que la créativité pour vous ?
Pour moi, la créativité consiste à commencer avec rien ou très peu devant soi et à amener une idée d’une pensée dans le monde qui pourrait être partagée ou utilisée. Je suppose qu’il s’agit de résoudre un problème, mais pas toujours de la manière la plus simple ou la plus évidente.