Lumière et émotions dans les illustrations d’Allissand pour « What’s in a lamp ? »

Alessandra Bruni est une âme rêveuse, née en 1997, qui danse avec la créativité. En tant qu’artiste et tatoueuse, sa passion pour l’art a toujours été son compagnon de voyage, mais c’est au cours des dernières années qu’elle s’est imposée comme l’une des voix les plus inspirantes de la scène italienne, qui a réussi à attirer l’attention de grands journaux tels que le New York Times, L’Espresso et l’Internazionale. Sa passion pour l’illustration est quelque chose de relativement récent : ce n’est que pendant la période de pandémie déclenchée par le Covid-19 qu’Alessandra a commencé à partager ses illustrations sur Instagram. Ses œuvres, inspirées par des sujets d’actualité, parlent d’émotions et de relations humaines, offrant une vision immédiate et profonde dans un style unique et distinctif, avec un trait minimaliste mais extrêmement évocateur.

Dans sa série pour le projet « What’s in a lamp », Alessandra a fait de la lumière le protagoniste, en créant des scénarios domestiques qui, bien que familiers, sont étonnamment surprenants. Des récits en images où chaque lampe résonne harmonieusement avec la personnalité du protagoniste, la révèle et active des sentiments et des émotions dans lesquels il est facile de s’identifier. Des images qui, comme autant de fenêtres ouvertes sur notre quotidien, semblent parler de nous, de ce que nous avons été ou de ce que nous serons, et créent des atmosphères presque palpables, porteuses d’une grande intimité.

Découvrez l’interview complète d’Alessandra Bruni et plongez dans son univers fascinant de lumière et d’émotion.

Parlez-nous un peu de vous : avez-vous toujours su que vous vouliez devenir illustratrice ? Quand avez-vous commencé à dessiner et comment avez-vous développé votre style ?

Je n’ai pas toujours su que je voulais devenir illustratrice, mais j’ai toujours rêvé de travailler avec l’art et d’y consacrer ma vie. J’ai commencé à dessiner dès l’enfance : à l’âge de trois ans, j’avais déjà des crayons dans la main et j’aimais gribouiller sur l’ordinateur avec Paint, ce que je pourrais décrire comme une sorte de première approche du monde numérique. Pendant ma scolarité, bien que je n’aie pas choisi une voie artistique, je m’adonnais au dessin réaliste de façon presque maniaque, copier sur le vif a été la phase initiale de mon parcours, comme si je voulais assimiler les formes des choses, des visages, des corps. En grandissant, j’ai eu besoin de donner un sens et un contenu aux images, et j’ai donc commencé à me concentrer sur l’illustration conceptuelle. Le style est en constante évolution, il s’adapte naturellement aux phases que je traverse dans mon travail et mon parcours personnel, il y a évidemment une part de recherche mais le facteur instinctif est toujours très influent.

Comment est née la collaboration avec Foscarini ?

La collaboration avec Foscarini a commencé par ce qui est peut-être le rêve de tout artiste. Foscarini a remarqué mon travail dans une librairie, lorsqu’il a lu mon nom derrière la couverture d’un livre que j’avais illustré. Je pense qu’il n’y a rien de plus gratifiant que de savoir que mon travail a été apprécié et découvert par hasard, authentiquement, avec la simplicité de trouver un peu de vérité dans un lieu commun « être au bon endroit, au bon moment ».

Vos illustrations sont en fait des histoires : elles ne sont pas racontées avec des mots, mais à travers l’immédiateté et l’universalité du langage visuel. Pouvez-vous nous parler de la partie « narrative » de votre processus de création ?

Nous vivons une période historique où chacun aspire à faire entendre sa voix en l’élevant, en essayant d’écraser celle des autres, parfois sans prendre le temps de réfléchir. J’espère aller à contre-courant avec ce travail : ce que je préfère, c’est écouter. J’essaie d’absorber autant d’informations que possible et de les transformer en une image. Il s’agit simplement de choisir les bons éléments qui, mis ensemble, en disent plus long que bien des mots.

Dans ce projet avec Foscarini, vous avez décrit des scènes domestiques à la fois familières et surprenantes : des situations dans lesquelles la lumière a un pouvoir de transformation et devient presque matérielle, créant des situations inattendues et surréalistes. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’inspiration de cette série ?

Avant de commencer à imaginer ces illustrations, j’ai eu le plaisir d’entendre les propos de Carlo Urbinati, fondateur et président de Foscarini. Ses histoires et la passion avec laquelle il vit son travail m’ont énormément inspirée. Ce projet m’a amené à manipuler la lumière et à la considérer comme vivante. La lumière, dans la vie quotidienne comme dans une manifestation artistique, nous permet de donner plus de valeur ou d’importance à un élément, ici la lumière elle-même est le protagoniste. L’idée d’« éclairer la lumière » m’a beaucoup fasciné et je me suis amusé à jouer avec elle pour créer cette série, sans oublier de donner autant d’importance aux ombres.

Dans cette série, les lampes sont le tournant, le détail qui transforme un simple « espace » en un environnement chaleureux et personnel que nous pouvons appeler maison, définissant son atmosphère, racontant quelque chose sur la personnalité du protagoniste de l’image, activant des sentiments et des émotions dans lesquels il est facile de s’identifier. Y a-t-il des objets qui, où que vous alliez, vous donnent l’impression d’être chez vous ?

En répondant à ces questions, je vis un moment unique et particulier. Je suis sur le point d’acheter ma première maison. J’ai 25 ans et tout au long de ma vie, je n’ai pensé qu’à partir sans jamais m’arrêter. C’est donc la première fois que je ressens le besoin de cela, de « chaleur », d’un espace où revenir et se sentir chez soi. Ces dernières années, j’ai été confrontée à différents contextes, j’ai déménagé à plusieurs reprises et les objets que j’ai toujours emportés avec moi sont des livres. Des cartons de livres que j’ai déjà lus, certains dans mon enfance, mais qui sont un élément fondamental de l’environnement, qui définissent l’atmosphère et me transmettent la sérénité. Honnêtement, je n’y avais pas encore pensé, mais j’ai hâte de découvrir les autres objets qui définiront ma maison.

Quelle est ou quelles sont votre ou vos illustration(s) préférée(s) dans cette série et pourquoi ?

Il n’est pas facile de choisir une illustration « préférée », car chaque image est unique, tout comme les lampes qui m’ont inspirée. Si je devais choisir, je dirais peut-être celle que j’ai créée pour Gregg à partir de la suspension. L’image montre une jeune fille absorbée par la fenêtre, la lampe générant un paradoxe puisque la lumière se reflète sur la mer à l’extérieur. J’ai ainsi élevé l’objet au rang de « soleil » de l’environnement domestique. De plus, l’intérieur et l’extérieur communiquent l’un avec l’autre et la frontière est imperceptible. Plus profondément, il s’agit d’une métaphore qui décrit comment nos mondes intérieur et extérieur sont intimement liés.

Votre production va de l’actualité aux relations humaines, des sentiments intimes aux questions environnementales et sociales. Quel est votre sujet de dessin préféré, le domaine dans lequel vous vous sentez le plus à l’aise ?

J’ai tendance à toujours chercher de nouveaux stimuli pour mon travail, une constante étant probablement la figure humaine. Presque toutes mes illustrations mettent en scène des êtres humains en interaction avec leur environnement, car je suis fascinée par les infinies facettes de leur âme et de leur psyché. Tout au long de l’histoire, l’être humain s’est montré capable de créer des œuvres incroyables et belles, mais aussi de faire des choses terribles, parfois irréparables. C’est peut-être la raison pour laquelle nous sommes des animaux si complexes. En même temps, je me sens très à l’aise pour explorer ce vaste thème, car j’éprouve moi-même des émotions contradictoires au quotidien et le dessin peut être extrêmement cathartique, ainsi qu’un moyen de communiquer avec les autres.

L’inspiration et la créativité sont au cœur de l’illustration éditoriale. Quelles sont vos sources d’inspiration ?

Mes sources d’inspiration sont multiples. J’essaie de m’inspirer de tout ce qui m’entoure, à commencer par mon environnement. Les films, les œuvres d’art et les photographies sont également de bons modèles dont on peut s’inspirer pour créer quelque chose de nouveau. En outre, je suis le travail de nombreux maîtres de l’illustration qui me stimulent et me servent d’exemple pour m’efforcer de m’améliorer constamment, et j’en mentionne quelques-uns ici : Noma Bar, Ivan Canu, Beppe Giacobbe, Pablo Amargo.

Que signifie la créativité pour vous ?

La créativité est un élan qui vient de l’intérieur et qui peut aller dans de nombreux sens. C’est le besoin atavique de relier différents éléments entre eux pour créer quelque chose de nouveau. La vie elle-même doit tout à la créativité. Pour moi, créer signifie explorer, grandir, mais surtout s’amuser. Quand je crée, j’ai l’impression de faire ce pour quoi je suis au monde, c’est un sentiment complétement irrationnel, j’en suis consciente, mais c’est aussi extrêmement agréable.