Lumière, pâte à modeler et ironie : Stefano Colferai pour « What’s in a Lamp ? »

L’artiste milanais Stefano Colferai apparaît comme un talent aux multiples facettes. De graphiste et illustrateur, il est passé à la modélisation 3D puis à la sculpture, adoptant un matériau peu utilisé – la pâte à modeler – comme moyen d’expression. Ses personnages et animations humoristiques et attachants ont attiré l’attention d’éditeurs et de magazines, y compris à l’étranger, qui ont contribué à faire connaître son art à un public international.

Dans sa série pour le projet éditorial de Foscarini « What’s in a Lamp ? » Stefano Colferai, inspiré par le projet photographique VITE (de Foscarini et Gianluca Vassallo, plus d’informations ici [lien]), explore la relation entre la lumière, la lampe, la personne et la maison en créant une série animée unique. Les lampes Foscarini font partie intégrante de la routine quotidienne d’un adorable personnage en pâte à modeler créé par l’artiste, l’accompagnant du petit-déjeuner au visionnage du soir.

Dans cette interview exclusive, nous explorons l’univers créatif de Stefano Colferai et nous nous penchons sur sa collaboration avec Foscarini. L’artiste nous fait part de son parcours artistique, de son choix de la pâte à modeler comme matériau emblématique et de l’importance cruciale de la lumière dans son art.

Parlez-nous un peu de vous : avez-vous toujours su que vous vouliez devenir artiste ? Quel est le chemin qui vous a conduit à la sculpture ?

Je pense que oui ! J’ai toujours eu le désir, la volonté et le besoin d’exprimer mes idées et de les transmettre par différents moyens, en cherchant constamment celui qui correspondrait le mieux à mon imagination et me donnerait satisfaction. Il s’agit d’un parcours autodidacte qui a toujours eu pour fil conducteur la création de personnages, passant du dessin sur papier au dessin numérique et de la peinture à la sculpture.

Pourquoi avez-vous choisi de travailler avec un matériau tel que la pâte à modeler ? Comment avez-vous appris à l’utiliser ?

Lors de la phase de recherche stylistique, j’ai été très attiré par le monde 3D et par la possibilité de donner plus de profondeur aux personnages et aux illustrations que je faisais (il y a une dizaine d’années). En approchant et en rencontrant le langage 3D, et venant déjà d’une période d’expérimentation numérique, j’ai réalisé qu’en fait mon virage créatif pouvait évoluer vers une direction plus artisanale et me rapprocher de l’attitude authentique du travail avec mes mains. J’ai ensuite commencé à travailler avec de la pâte à modeler et à la photographier, car j’ai eu l’intuition que je pouvais l’utiliser comme matériau pour mes sculptures tout en restant fidèle à mon style de l’époque et en simulant un véritable effet 3D.

Quel est votre processus de création ? Avez-vous un rituel lorsque vous créez vos sculptures ?

C’est très spontané, je fais rarement des croquis d’idées parce que je préfère visualiser immédiatement et donner forme avec mes mains à une idée que j’ai eue. Mon rituel consiste peut-être à noter toutes les idées que j’ai sur les notes de mon téléphone afin de ne pas les laisser filer et de les reprendre lorsque je peux les réaliser. Depuis lors, il s’agit d’un flux continu entre la sculpture, la photographie, l’animation et la post-production.

Quel est le rôle de la lumière dans votre art ?

Le rôle de la lumière est crucial : Mes œuvres n’existeraient pas sans la photographie ! Bien qu’il y ait une grande continuité en termes d’éclairage dans mes travaux, j’ai fait beaucoup de recherches au fil des ans pour trouver la meilleure relation entre mes sujets, mon décor, mon environnement et l’éclairage, en essayant de construire une narration à travers la lumière. En communiquant par le biais de photos et de vidéos, un éclairage correct peut incroyablement mettre en valeur une sculpture réalisée et des images séquencées qui créent une animation, créent l’atmosphère appropriée, définissent le corps et le caractère de chaque scène. L’étude de la lumière de chaque animation ou image fixe est l’un des moments auxquels je consacre le plus de temps, avec le modelage.

Comment est née la collaboration avec Foscarini ?

Certainement de la communion pour l’intérêt réciproque de quelques éléments très importants tels que la lumière, l’attention, le sens de la forme et l’artisanat.

Dans ce projet, vous avez décrit des scènes domestiques et familières dans lesquelles la lumière et les lampes Foscarini accompagnent le personnage principal et racontent quelque chose sur sa personnalité en activant des sentiments et des émotions dans lesquels il est facile de s’identifier. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’inspiration de cette série ?

J’ai immédiatement trouvé très intéressant le projet VITE de Foscarini, qui raconte l’histoire de la relation entre la lumière/lampe, la personne et la maison par le biais de la photographie. Pour moi, il était inspirant de capturer l’imperfection dans les prises de vue de ces histoires où la lumière est importante et d’essayer de questionner la façon dont la relation entre la personne et la maison a changé au fil des ans. En ce qui concerne la conception du personnage et stimulé par ce projet Foscarini, j’ai voulu créer mon propre personnage ad hoc et le faire vivre dans différents environnements hypothétiques, comme s’il s’agissait d’instantanés de Vite. Le personnage poursuit donc sa vie quotidienne, accompagné par la lumière et la forme des lampes dans les différentes pièces où il se trouve, en conservant intact, dans les actions qu’il accomplit, le langage qui caractérise mon style, avec la même spontanéité que les histoires de VITE.

Y a-t-il des objets qui, où que vous alliez, vous donnent l’impression d’être chez vous ?

Oui, et je mettrais sur la liste les tasses à café, les fauteuils, les tables en bois, les lampes, les cadres et les gravures, les cartes géographiques, les commodes et les étagères à chaussures, les tourne-disques et les disques, les jeux de société et les cartes à jouer. Je pourrais continuer, la liste est longue !

Quelle(s) scène(s) préférez-vous dans cette série et pourquoi ?

Je me suis attaché à la scène du peintre, que je relie à mon grand-père, tant en termes de construction de décors que de lumière et d’ambiance. Il a toujours peint en reproduisant des paysages de cartes postales, des photos de paysages issus de journaux ou d’autres souvenirs de ses lieux. La peinture de Venise qui compose le personnage est un easter egg qui mentionne les origines de Foscarini mais qui me rappelle aussi beaucoup lui.

Quelles sont vos sources d’inspiration et comment cultivez-vous votre créativité ?

J’en ai plusieurs et j’essaie de les faire vivre : j’aime beaucoup les marchés, où l’on peut rencontrer toutes sortes de gens, observer des situations inattendues, sentir des odeurs et écouter des sons, des bruits et des langues différents. Je suis très inspirée par le fait d’aller dans des galeries et d’essayer de comprendre des artistes que je ne connaissais pas, de les aimer ou de ne pas les aimer. Je suis inspiré par tout ce qui implique un effort manuel et fait appel à la créativité, je suis inspiré par les personnes qui repoussent leurs limites et par les exploits sportifs. Je suis inspiré par ceux qui atteignent leurs objectifs, mais aussi par ceux qui n’y parviennent pas malgré leurs efforts. Je suis inspiré par ceux qui apportent le changement et je trouve inspirant d’être sous la douche. Je suis inspiré par les voyages et j’aime sortir de ma zone de confort. Les histoires m’inspirent. Beaucoup de choses m’inspirent et j’essaie de cultiver ma créativité comme si toutes ces choses étaient des ampoules à allumer au bon moment !

Que signifie la créativité pour vous ?

Rendre visible ce qui n’a pas encore été créé.